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12/16/2016

el chant funèbre de stravinsky

El Chant funèbre de Igor Stravinsky se interpretó por primera vez en 1909, en San Petersburgo, y se interpretó por segunda vez en 2016, en esa misma ciudad. En el intervalo la obra estuvo perdida y no perdida; también había sido olvidada y no olvidada. Veamos qué significa esto.

La obra había sido compuesta en menos de un mes, en homenaje al recientemente fallecido Rimsky-Korsakov:

...para rendir tributo al recuerdo de mi maestro, compuse el Chant funèbre, que fue interpretado en el otoño, como el primero de los conciertos de (la sociedad) Belaieff, con Felix Blumenfeld como director. Tristemente, la partitura desapareció durante la revolución, junto con muchas otras que yo dejé en ese lugar. Ya no puedo recordar la música, pero recuerdo la idea en la que estaba basada, en la que todos los instrumentos solistas de la orquesta pasarían en procesión junto a la tumba del maestro, depositando su melodía particular como una guirnalda, contrastando con un fondo de murmullos en trémolo que semejaba las vibraciones de voces de bajo cantando a coro. Causó una gran impresión en el público y en mí, pero no podría juzgar qué tanto se debía a su mérito y qué tanto a la atmósfera de duelo.
Stravinsky: An Autobiography. Simon and Schuster, New York: 1936.

Es decir, el Chant funèbre fue olvidado en sentido estricto: el compositor no recordaba los sonidos. Pero no olvidó en dónde debía encontrarse, pues en los años cincuenta comentó que la partitura estaba en algún lugar del conservatorio de San Petersburgo, donde de hecho fue descubierta en septiembre de 2015.

Stravinsky no volvió a vivir en su país, transformado en la Unión Soviética, estado del que no tenía buena opinión. El desagrado era mutuo pero la celebridad de Stravinsky fuera del bloque soviético hizo inevitable una invitación a la capital en 1962, pero ahora la capital era otra.

La Rusia del compositor tuvo su capital en San Petersburgo, un lugar que había sido creado de la nada por Pedro el Grande como un desafío al mundo Occidental. La Unión Soviética, mucho más práctica que Pedro el Grande, reubicó la capital en Moscú. Así que Stravinsky creó la obra en el centro de la alta cultura rusa pero en los años sesenta fue recibido en la capital soviética y no hubo ningún viaje a San Petersburgo y su conservatorio.

El Chant funèbre se perdió sin moverse de su sitio. Su composición tomó menos tiempo que lo que tomó resolver los problemas legales de la obra al ser redescubierta. El objeto (el papel y la inscripción en el papel) y lo que cifra el papel (la música a reproducir) tienen dueños distintos. El objeto pertenece al conservatorio, en representación del estado ruso, y la música alojada en él pertenece a una editorial, en representación de los herederos de Stravinsky.

La negociación duró un año y finalmente se convino un estreno el 2 de diciembre de 2016, con Valery Gergiev como director de la Orquesta Mariinsky. La primera interpretación había tenido un público reducido y acongojado por el recuerdo de Rimsky-Korsakov. La segunda interpretación se transmitió en vivo por los sitios Medici TV y Mezzo. Yo la escuché en un escritorio, usando audífonos, poco antes de la hora de la comida. Esta pieza de doce minutos de duración e inmediatamente anterior a las piezas más célebres de Stravinsky, había sido olvidada y no; se había perdido y no. Y ahora sonaba en San Petersburgo al mismo tiempo que en el resto del mundo.

11/03/2015

decon/recon

Paula Temple hacía techno para consumo propio. Chris McCormack la conoció en un foro de internet y la convenció de publicar lo que hacía. Poco después John Peel y Jeff Mills tocaban esa música. Tan bueno fue el arranque que ella lo celebró dejando la carrera: los siguientes años los dedicó a proyectos comunitarios en Leeds. Fue echada, a traición, de la organización que había fundado y quiso saber si, diez años después, el mundo seguía interesado en el techno. El mundo le respondió que sí. En realidad el mundo ahora estaba interesado en todo y en cualquier cosa, siempre que supieras dónde y cómo presentarla.

Paula dejó Leeds por Berlín y creó su sello. Le preguntaron qué ideas tenía para este sello y ella dijo que A Cyborg Manifesto de Donna Haraway era importante en su ideario. Ese ensayo que examina a la humanidad usando al cyborg como mapa. Un cyborg que no teme existir "con identidades parciales y adoptando puntos de vista contradictorios". Eso dice el manifiesto de Haraway. "Damos prioridad a cuerpos e identidades hechas invisibles a pesar de su talento". Eso dice el manifiesto de Paula.

Ahora viaja con un supergrupo llamado Decon/Recon. Deconstruir y reconstruir. La alineación actual es la que grabó el EP Decon/Recon #1 (Noise Manifesto, 2015) y no se repetirá en próximas entregas. El término “supergrupo” lo estoy tomando de la tradición rockista, que no de la música electrónica. Llamamos así al grupo formado por músicos que ya eran conocidos con otras bandas. Pero Decon/Recon aspira a disolver la identidad de cada integrante. En esos tracks no debe quedar claro qué viene de cada parte. Más wikigrupo que supergrupo.

Reúnen sonidos en una carpeta. Cada uno toma de la carpeta y hace un track completo con eso. Los tracks no llevan autor individual, sólo se entiende que salieron de Decon/Recon. Ahí están, además de Paula, la británica Planningtorock, el sueco Olof Dreijer y la francesa rRoxymore. Es decir, hay dos que alguna vez colaboraron con The Knife y uno que formó parte de ese grupo. El EP es interesante pero no se compara con lo que consiguen en vivo.

Llenan una mesa larga con cacharrería digital. A ocho manos sueltan sonidos que los demás deben retomar, arropar y devolver para seguir el proceso. Ocurre al momento pero también es historia actualizada. Ya suena a lo que Sheffield aprendió del sonido de Düsseldorf. Ya suena a lo que Detroit aprendió de Sheffield. Ya suena a lo que Berlín aprendió de Detroit. De pronto rRoxymore trae algo más antiguo, de músicas de mediados del siglo XX. De pronto Planningtorock toma el micrófono y produce una voz andrógina del pop futuro. Se toma a tragos rápidos un destilado de décadas.

Esta gente está usando sus alias menos conocidos, para separar estas presentaciones de su trabajo previo. Los carteles de sus presentaciones en México hicieron, sin querer, mucho más por desdibujar su pasado. En los festivales Mutek y Cervantino se anunció una noche de electrónica alemana. Berlín es la base de operaciones, pero nadie del sello es originario de Alemania. Mucho más misterioso fue el cartel de la presentación en Monterrey. Sólo tenía los nombres de Paula Temple y el sello Noise Manifesto (y Lena Willikens, que canceló). Ni sus viejos alias, ni sus nuevos alias. Tampoco el nombre Decon/Recon. Así el Café Iguana de Monterrey tuvo su primer cartel que no decía por ningún lado el nombre del acto principal. Mira, tú: son las identidades parciales y contradictorias de Haraway.

4/29/2015

linda perhacs y julia holter en vivo

En 2014 varios tercos sacaron a Linda Perhacs de un silencio de más de cuarenta años. Entre los tercos que la ayudaron a hacer el álbum The Soul of All Natural Things andaba Julia Holter, que siguió tocando ocasionalmente con Perhacs. Hace unos días grabaron un concierto en el Exploratorium de San Francisco, sumergidas en las proyecciones del Joshua Light Show. Las intervenciones de Perhacs son algo así:

Esta canción la usó B.I.G., digo el B.I.G.... digo, uno que... Notorious, él... y esta otra la usó Daft Punk y por eso sé que existe Daft Punk.

Además del gusto de ver a estas dos, estaba esperando que subieran el video porque las iba a entrevistar Geeta Dayal. No sé si eso se canceló o simplemente no lo van a subir a YouTube. Acá pueden ver a Geeta recordando a Conny Plank, y acá con una historia breve de la música electrónica.

12/15/2014

amorfos: cancioncitas de xalapa

Llegué a Xalapa en 1999. Una peculiaridad de la ciudad era la falta de rock.

No era algo que extrañara; no podía extrañar el rock si a cambio me daban niebla constante, el restaurant La Sopa, el videoclub Zafra, toritos de cacahuate, buenas librerías y esos curiosos locales de pizza y yogurt.

Pero era algo notorio: no había rock en la radio y casi no lo había en vivo. Las bandas que había tocaban en Graffiti, el bar inventado y atendido por José Homero.

Recuerdo una banda goth llamada Bela Lugosi (si en tu ciudad son escasas las bandas te puedes permitir ese nombre) y una thrash llamada Zotz (que tocaba más seguido fuera de Xalapa). Los que se presentaban frecuentemente eran Amorfos y Cabezoides.

Cabezoides tenía un set breve que prolongaban por unos minutos tocando covers afónicos (no tenía cantante el grupo) de Rage Against the Machine. Lo más cercano a una banda afianzada, con canciones y un demo conocidos por el público, era Amorfos.

La que más les pedían era "Cancioncitas" y hasta hace unos días me enteré que tuvo video, pero que sólo se conserva el "detrás de cámaras" del video.

Acá está Cancioncitas, acá la versión que grabaron años después Los Aguas Aguas, y acá Amorfos en una tocada de 1995.

3/12/2012

esa canción que suena a cat power

El sábado vi a Girls en el Festival Nrmal y al comenzar una de sus canciones la tomé por un cóver de The Greatest de Cat Power.

Resultó que la letra era otra aunque toda la estructura de la canción sigue de cerca a "The Greatest". Hoy la busqué en Google y ya varios han pensado lo mismo.

En NME:

Every time this song begins, my brain goes ‘OH! It’s ‘The Greatest’ by Cat Power’ and I prepare to get foetal on the floor and weep. And then – this is the neat trick – it turns out to in fact be a song called ‘My Ma’ by Girls...


Uno de los comentarios en The Guardian:

Listen to the track My ma' and then listen to Cat Power - The Greatest. Don't you find the tracks to be a bit too similar? Structually they seem to be indentical.


Este post titulado Songs that Sound Like Girls' New Song la compara además con una de Flaming Lips y una de Built to Spill:

Not an obvious sound-alike, but very similar in its structure and sound. “The Greatest” opens Cat Power‘s 2006 album of the same name, and sets the mood for an emotionally reflective outing. Out of all four songs, this may be the best, but “My Ma” is a worthy number two.


Los comentarios en lastfm también la comparan con ese track de Flaming Lips y el de Cat Power (cinco veces):

''This sounds like cat power - the greatest'' [5]

9/07/2011

cuatro impresiones sobre el hellow fest 2011

Jay-Jay Johanson

El que menos tenía qué hacer en un festival, el que graba con orquesta pero viaja con sólo dos músicos, el de las canciones melancólicas y desveladas acá bajo el sol en un diamante de beisbol. Ése, Jay-Jay Johanson, fue el mejor. Como ver al Chet Baker cantante en un kiosko de pueblo cervecero. Y el otro tipo tocaba el Rhodes poniendo jetas de "¡tengo un Steinway, mamá!". Y aquel otro dándole a la batería con las baquetas de los timbales. ¿Lo habremos estado haciendo todo mal, llenando los festivales de "grupos para festivales"?

Dominant Legs

Cualquier cosa encima de ese escenario sonaba más fuerte que la voz de Ryan William Lynch. De ser corista/tecladista, Hannah Hunt pasó a voz principal gracias a los del sonido del Hellow, que mezclaron su propia versión de Dominant Legs. A este grupo se le descubrieron nuevos fans en los siguientes días, su efecto fue retardado, como pellizcón ninja.

Austin TV

Desde niños usamos expresiones asociadas con respuestas corporales incontrolables, aunque nunca las hayamos experimentado, o nos tome media vida experimentarlas o no lo hagamos nunca. Yo sabía que los dientes castañean de frío, pero hasta los 14 años me castañearon de frío por primera vez, lo recuerdo bien porque estaba haciendo fila para un examen de admisión para la preparatoria. Como muchos, también digo "zzzz", o "me duermen", cuando escucho a un grupo aburrido, pero realmente, incontrolablemente, nunca había dormitado con un grupo hasta que Austin TV se presentó en el Hellow Fest.

Thieves Like Us

¿Eran los que estaban vendiendo snacks?

5/02/2011

un festival de 1997


Boleto de un festival en el Gimnasio Nuevo León (Monterrey) con La Función de Repulsa, Alambrista, Disolución Social y otros. 24 de mayo de 1997. Curiosidades del día: la música empezó muy temprano, la bajista de Vestido (banda de chicas de Reynosa) tocaba y cantaba saltando en una pogo-ball y los Carnes Usadas (que no aparecían en el cartel) traían a un chico disfrazado de vaca que bailaba frente al grupo.

3/24/2010

¿festivales patrocinados? depende de por quién

Terminado el festival MtyMx se ha comentado en diferentes sitios la pertinencia de que los eventos se hagan con o sin patrocinio. Con respecto a los patrocinios, hay mucha diferencia dependiendo de dónde se tomen. Aquí dejo una cita de Ricard Robles, organizador del Sónar en España (Rockdelux 263). La mayoría de los festivales españoles ya tienen junto a su nombre el de alguna otra marca (lo que no parece haber dañado su modo de trabajo), pero se andan con cuidado con el patrocinio gubernamental. Los directores del Primavera Sound y el FIB critican en ese mismo número el modo en que el patrocinio estatal infla artificialmene los costos, y Ricard tiene todavía otra queja al respecto:

A priori, no parece mala idea que haya festivales en todos sitios, forma parte de la democratización de la música, pero ¿a costa de qué se está haciendo? Ha entrado mucho dinero público. ¿No sería mejor que esas dotaciones fueran a parar a infraestructuras que enriquezcan el tejido cultural de este país, en vez de dedicarse a grandes eventos millonarios que tienen una vida efímera y una trascendencia escasa en la cultura de ese territorio? Me parece una mejor idea que ese dinero se destine a crear equipamientos o una infraestructura mínima que después vayan a disfrutar los grupos de la zona, como por ejemplo un lugar donde puedan tocar o crear una emisora de radio que les pudiera dar mayor difusión.

3/22/2010

el festival mtymx

Hoy termina el MtyMx, festival de tres días organizado por Todd P y YoGarage en el Autocinema Las Torres de Monterrey.

El festival de Todd P en Monterrey

Durante el fin de semana el MtyMx fue marcado por cancelaciones, retrasos y poco público (pensado para 2000 personas, a simple vista el festival tiene unas 500), pero también por presentaciones como las de Acid Mothers Temple, Kria Brekkan, Dan Deacon y Andrew WK.

Las bandas extranjeras iban a ser transportadas desde Austin a Monterrey, pero la poca distancia entre las dos ciudades fue para algunas una jornada entera, mientras que otras prefirieron cancelar.

Anoche al micrófono Todd P colocó a la inseguridad de la ciudad como la principal razón para las cancelaciones, si bien en una entrevista con The Village Voice reconoció errores de organización: "no nací para manejar una línea de autobuses, de eso me doy cuenta ahora".

Explicaciones como la que dejó el grupo Kit en MySpace confirman estos problemas.

Entre los que se cayeron de cartel están No Age, Pocahaunted, Fucked Up, Washed Out, Anamanguchi, Lucky Dragons, Tanlines, Grant Hart, Beach Fossils, Javelin, Pictureplane y Small Black. Mientras tanto, en el MtyMx, los ajustes a la lista de bandas eran colocados en carteles pero no anunciados en el sonido local.

Kría Brekkan

La primer cima del sábado, todavía por la tarde, fue la ex-múm Kría Brekkan. Al modo de Julianna Barwick o Juana Molina, la islandesa (ahora neoyorkina) tomaba muestras de su voz y formaba con ellas loops, mantras y coros.

Al mismo tiempo, con sus movimientos, gesticulación y vestimenta (llegó a envolverse en su larga falda para una de las canciones) daba un performance espontáneo. Sólo al final recurrió a la guitarra para sacarle algo de folk etéreo.

El público que antes andaba entre quejumbroso y platicador se le cuadró.

Los Planetas

Entrada la noche, Los Planetas batallaron con el ingeniero de sonido para que apenas se escuchara la voz. A Jota no se le entendía ni jota.

Eso y un set cargado hacia el disco La leyenda del espacio (aunque sí sonó "Un buen día") hicieron anticlimática su actuación.

Acid Mothers Temple

Mientras Los Planetas vivían la tragedia del sonido podías ver a un japonés de largas canas paseando sobre el segundo escenario, como capitán colmilludo esperando que el viento sople de nuevo. Y sopló.

Acid Mothers Temple llegaron como cuarteto y con su sonido más user friendly. Claro que en el caso de Kawabata Makoto eso significa estallidos de psicodelia de 20 minutos, sin respiro.

Una guitarra terminó ensartada en una de las torres de iluminación, la otra hecha una lástima en el piso.

Hubo gritos llamándolos lo mejor del festival. Y sí.

Otros a destacar del sábado

Explode Into Colors, banda de tres chicas que consiste únicamente de sección rítmica y voz. El indie rock de libro de texto de Male Bonding y el pop electrónico sin prisas de Wet Hair (fino, pero pasó desapercibido para un público muy enfiestado).

Se celebró mucho al hiphop de Das Racist y el punk de las Coathangers, pero sospecho que la reacción tenía más que ver con su actitud.

Otros presentes: Coasting, Drawlings, El Resplandor (la banda más interesante de México en estos días), Teengirl Fantasy, Soho Riots, Videohippos, Yo Linares y Lázaro Valiente.

Telepathe

Las actividades del domingo comenzaron a la una de la tarde, con sesiones de danza contemporánea que incluyeron a Busy Gangnes.

Telepathe (el dueto donde Busy toca percusiones y canta) se presentó poco después, con un set sobrio y efectivo, donde se perdieron algunos de esos sonidos planeadores de synthe que hay en el álbum.

Dan Deacon

En la noche Dan Deacon se salió de guión en todos los sentidos.

Hizo de comediante, también siguió mezclando su música abajo del escenario y terminó ganándose a los que aguantaban el frío.

Otros a destacar. Andrew WK prometía fiesta y la dio. Ringo Deathstarr nos recordaron que el shoegaze no se lleva bien con las presentaciones en vivo, mientras que Piyama Party, banda con ecos de Los Planetas, tuvo mejor ecualización que Los Planetas. También presentes: Los Fancy Free, Antoine Reverb, White Ninja, Los Llamarada y Los Margaritos.

Hoy lunes comenzaron con High Places, les seguirá una decena de bandas y por la noche cierran Neon Indian, HEALTH y Liars.

Ver videos del festival

2/12/2010

los festivales de marzo y abril

No eran ningún secreto los festivales que se organizarán este marzo en Monterrey aprovechando la concentración de músicos en el SXSW. Pero esta semana es cuando más ruido han hecho, luego de que se confirmara la presentación de Acid Mothers Temple y Andrew W.K. en el MtyMx All Ages Festival of Art and Music.

El MtyMx será del 20 al 22 de marzo, organizado por el promotor neoyorkino Todd P y los locales Garage. Además de Acid Mothers Temple y Andrew W.K. están confirmados Dan Deacon, Telepathe, High Places, Grant Hart (Hüsker Dü), No Age, los Fancy Free, Pocahaunted y varias decenas de bandas, además de artistas visuales, diseñadores, disqueras y editoriales independientes. Aquí pueden ver las notas que han publicado A.V. Club y Pitchfork sobre este evento.

Una semana antes, el 13 de marzo, llegan YACHT, Daedelus, Banda de Turistas y Sébastian Schuller, entre otros, al Festival Nrmal 2010. En éste también habrá videoarte y artistas urbanos como Eltono, Nuria Mora y Nano4814. Aquí está la nota que publicó Pitchfork al respecto.

Para seguir al tanto del MtyMx y el Festival Nrml visita We Shall Be Free, el blog sobre música en Monterrey.

Esos son los del marzo regiomontano. Del 23 al 25 de abril estarán Calexico, Corcobado, Empire of the Sun y más en el Vive Latino del Distrito Federal.

12/08/2009

girl talk en escénica

Divertida la presentación de Girl Talk el sábado pasado.

Divertida como sus trabajos Night Ripper y Feed the Animals, pero tampoco pasó mucho más de lo que hay en esos discos.

Si te los pones seguidos en una fiesta casera con buena provisión etílica, hasta podría ponerse mejor.

Gregg Gillis hace mash-ups de canciones. Toma muestras del pop y rock del último medio siglo (los ochenta y los noventa son su fuerte) y las cubre con voces del hip-hop, en sets de menos de dos horas.

A diferencia de lo que alguna vez hicieron DJ Shadow o The Avalanches, que retaban a los traumados de la música a averiguar de dónde había salido cada fragmento, lo que reúne Gillis lo identifica cualquiera inmediatamente. Es una sucesión de Grandes Hits fragmentados y cambiados de contexto.

Por buenas que sean las combinaciones, verlo dándole clicks a su laptop no es mucho espectáculo, así que en sus inicios se hacía acompañar de bailarinas. Ahora selecciona a parte de los asistentes para que se bailen en el escenario. También toma el micrófono y se para sobre su mesa de trabajo para arengar a los demás.

Las sorpresas surgen continuamente cuando escuchas los discos por primera vez, no en sus presentaciones. Los samples que usa son los mismos que ha elegido para los álbumes, más algunas novedades de temporada.

No hay cambios de intensidad: la sesión arranca en lo alto, se mantiene ahí y termina de golpe. Además, es privilegio del mezclador desprejuiciado (que lo mismo toma de The Carpenters que de Metallica) armar sesiones maratónicas. Con tanta música popular como repertorio ¿por qué acabar pronto?

El público queda satisfecho. Es un torrente de meta-canciones para bodas y cumpleaños. Tiene que funcionar. Lo hace. Aunque se parezca mucho a poner sus discos en tu cumpleaños.

8/19/2009

cuando puedes reseñar un evento antes de que ocurra

Peter Hook DJ Set @ Escénica.
Entonces, a las 3 de la mañana, salió al escenario un viejo gordo a tocar las canciones que escuchabas cuando tenías 15 años.

8/04/2009

wayne smith en el chills and fever

Si no contamos al barman, el viernes pasado no encontré una sola cara conocida entre los sesenta o setenta asistentes a la presentación de Wayne Smith en un local del Barrio Antiguo. Para mí que andaban viendo a los Jonas Brothers y no quieren confesarlo.

Las selecciones de International Rasta, Tjfyah Sound y Great Buga Wuga para comenzar la noche fueron de muy, pero muy variado pelaje: desde reggae roots hasta dubstep turbio pasando por, tómenla, El General. Sí, esa canción.

Del Sr. Smith no tuvimos noticias hasta pasada la medianoche: ha cambiado mucho desde que fue aquel mozalbete que grabó "Under Me Sleng Teng", una obligada del reggae digital creado con recursos ínfimos (léase "un tecladito Casio MT-40"). Ya luce bastante maduro, pero no ha perdido disposición para armar la fiesta, incluso con inconvenientes como los que sufrió esa noche.

Nadie esperaba sorpresas. Smith se colgó exclusivamente de standards, ya fueran de la escena ("Love and Devotion") o no ("Karma Chameleon") y no esperó hasta el final para soltar "Under Me Sleng Teng".

Fraseo de profesional y buena respuesta del público, que abandonó las sillas para tomar la pista.

Lo que falló fue la comunicación entre la tornamesa y el micrófono. El de Kingston tuvo que cantar con pistas que entraban a destiempo, terminaban abruptamente o cambiaban sin avisar.

Seguramente habían tenido poco tiempo para prepararse. Pero si a él no le importó, ¿por qué tendrían que dejar de bailar los asistentes?

El otro problema fue la brevedad. No había pasado una hora cuando anunciaron la retirada de Wayne. Fue poco pero bueno. Efectivo pero accidentado.

Haciendo cuentas creo que quedamos tablas. Y el 19 de agosto, también por el Barrio Antiguo y con un montón de abridores, Mad Professor.

7/12/2008

l-kan y la monja enana en méxico

Esto puso Belén en el blog que los grupos españoles L-Kan y La Monja Enana montaron para contar su gira por México.

¿Alguien sabe qué quiere decir que un maleante grite 'pescado' a nuestro paso? Si hay algún mexicano que pueda aclararlo agradeceremos mucho su información.

Para mí que el maleante en cuestión les sabía algo, o al grupo le quedó el sacó, porque la noche del concierto los de L-Kan subieron al escenario del Alicia con peces y pulpos de trapo en la cabeza para iniciar una accidentada, sudada y festejada sesión de tecnopop.

Y la verdad que esa noche estaba rara. Una conversación entre chico y chica escuchada en el público:

—¿Y tú qué haces?
—Tengo dos perros.
—No, con tu vida.
—Veo Dr. House.

De todo les pasó a L-Kan. A Maru, su bajista, lo traían sólo en póster, porque no pudo hacer el viaje. Se veía que arrastraban un jet lag de miedo peludo, sus vestuarios de opereta pop los hacían sudar a chorros y, para rematar en polka, se reventó un parche de la batería.

Ni eso los paró, al instante decidieron seguir "con las canciones tranquilas", sin batería. La cosa era que la fiesta no parara, y con esos dos no para: es como ver a Emily Watson y Cachirulo armando una piñata para niños grandes y borrachos.

Sonaron "La mancha de mora", "Todo por placer", "Aburrida de estar salida", "Todo lo que no", "Bailan" (su propuesta para Eurovisión; ¿pero cómo iban a vencer al Chiki Chiki?), "Modern Talking", "Me he pasado al nylon verde", "Mi iPod y yo", "Escribe mi biografía" y una promesa: algo que habían ensayado con La Monja Enana y que tocarían al final.

Ni falta hacía, desde que Belén gritó "¡y ahora pisoteamos La insoportable levedad del ser" para luego, literal y literariamente, saltar sobre una copia del libro de marras, a su servidor ya se lo habían ganado. Cuando yo sea poderoso y todo el mundo me obedezca ciegamente, verán que los tengo en mi fiesta de cumpleaños.

Pensábamos que hasta ahí había llegado la noche, que a la Monja Enana le habían dejado un público demasiado enfiestado y cansado. Así lo notó Ana y para la segunda canción nos metió en cintura. Lo de L-Kan es pogo y trote, la Monja es puro charm.

"Por amor se puede hacer de todo, hasta tocar la melódica", explicaron. Parece tan sencillo lo que hacen, canciones de amor con referentes loquitos, todo sobre base tontipop, pero verlo ocurrir es un encanto, los discos no les han hecho justicia. Tenían a todos coreando "Amor Cuántico", "Números", "Casa de muñecas", "Canción de amor No. 3", "Como Lovecraft" y "Villapingüino".

Sin buscarlo mucho, también fue una noche de covers de categoría. Uno de los abridores, Delicado Sónico (la banda de Arlo, de Molécula Records) ya nos había soltado su versión de "El diablo en el cuerpo" (a propósito de Size, ahí viene ya el documental Nadie puede vivir con un monstruo), luego la Monja Enana con su lecturas de "Al otro lado" (Family) y "Otra dimensión" (Fangoria), y el final prometido, todos sobre el escenario para soltar "Al amanecer" (Los Fresones Rebeldes). Eso es caché, señores.

Multiforo Alicia, México D.F. Viernes 11 de julio de 2008.

4/22/2008

orvonton en la clausura del simposio de estudios visuales

1. Las presentaciones constantes pueden desgastar con rapidez el repertorio de cualquier banda o proyecto personal. Carlos Pechant, el creador de música electrónica que firma sus grabaciones como Orvonton, tiene una fórmula para esquivar ese desgaste: es prolífico y, encima, su selección e improvisaciones cambian de carácter en cada ocasión, dependiendo del espacio, el público y el ánimo del músico.

Si quieren colocar sus grabaciones en algún estante, sería el de la IDM, ese gran baúl de géneros donde mucho cabe. En cuanto a referentes, va de lo más sereno del ambient a los estallidos frenéticos de Squarepusher y Aphex Twin, pasando por los cruces entre la música de laptop y sonidos más tradicionales, como los que han realizado Venetian Snares y Jaga Jazzist.

Luego de la grabación de su primer álbum y un EP (Tensión Superficial y Orvonton.2), Pechant entró en un período sabático para preparar “Remitente”, el disco del cual escuchamos algunas partes en su presentación del 19 de abril en el Museo de Culturas Populares (Monterrey).

2. El marco era la clausura del II Simposio Internacional de Estudios Visuales, cita organizada por la Facultad de Artes Visuales de la UANL. La presentación de Orvonton inició poco después de las ocho de la noche, en una sala con decorado arbóreo que sería utilizado más adelante por los performers de la compañía Metamórfono.

En uno de los costados se proyectaban videos creados y alterados por Checo Robota (VJ del colectivo Emulación Aleatoria, al que también pertenece Orvonton) que acompañaban la música que Pechant creaba con su lap, dos controladores y un mixer. En presentaciones anteriores Checo había echado mano a imágenes de Pardjanov y Brakhage, pero en esta ocasión combinó diseños abstractos con la obra de Vladimir Kobrin.

Para quienes no hubieran escuchando antes a Orvonton esta fue una buena muestra de sus diversos registros. En lugar de decantarse por uno solo de los subgéneros de la electrónica que maneja, los acomodó en una misma sesión no demasiado extensa, como si se tratara de diversos movimientos de una misma obra.

Arrancó con samples de orquesta, para luego deslizarse hacia el ambient y pasajes de glitch que sonaban como líquidos en ebullición. El frente ambient comenzó a tornarse cada vez más denso y ominoso (aquí fue donde se usaron los videos de Kobrin), pero justo entonces fue alcanzado por una electrónica más amable que ora invitaba a la distensión, ora al baile (aunque quizá la ocasión no era la más propicia para esto último) y piezas de corte académico (escuchen el track “Arpegio de espera”) tocadas por Carlos directamente en un teclado, sin recurrir a audio pregrabado.

En todo caso, yo seguía echando de menos el lado sucio (el más divertido) de Orvonton, cuando son retorcidos los mandos del mixer para producir ritmos espasmódicos y bombos atronadores. Pero no nos falló, sólo lo estaba guardando para el final. El material interpretado provenía de diferentes períodos, pero fue presentado en un contexto y un orden que lo convertía en un solo bloque de música, coherente y cambiante al mismo tiempo.

3. A propósito de “Remitente”, este disco se puede descargar sin costo en archive.org (donde ya rebasó las 1500 descargas) y en el Clinical Archives, netlabel de música “ecléctica e ilógica” (en sus propias palabras).

1/18/2008

jessie evans en aura

"¿Les gusta el feedback?", preguntó desconsolada Jessie Evans.

La idea era que el público gritara que no, que esa noche el sonido en el Aura era pésimo.

Que el esperado regreso de Evans y Toby Dammit estaba sonando opaco, que la voz de la cantante no se imponía a las marejadas de ruido que salían de las bocinas.

Pero el público dijo que sí, a cualquier pregunta hubiera respondido que sí.

Los elementos eran los mismos que en el concierto del pasado septiembre, magnífico, pero esta vez las cosas se mezclaron mal. Incluso así, el público, casi todos presentes en la ocasión anterior, parecía sentirse obligado a repetir su reacción de la primera vez.

No hay problema, de todos modos yo no quería llegar temprano a mi casa (que está tomada por una familia chihuahuense, muy amable y numerosa). Nunca pude sentirme del todo a gusto en el concierto. Iba de los sillones a las escaleras, me acercaba al escenario, platicaba con conocidos en un extremo y otro del lugar.

Me pongo incómodo, como si yo hubiera causado los errores de acústica. Ya lo sé, no se deben repetir conciertos, no importa de qué grupo se trate. Las piezas nunca vuelven a caer en su sitio.

11/15/2007

in the nursery: man with a movie camera

Como otros grupos británicos de su generación, In The Nursery comenzó con un sonido industrial. Luego lo abandonó para desarrollar un estilo frecuentemente descrito como cinemático, y de esas bandas sonoras para películas imaginarias pasaron a las películas reales. A fines de los noventa los gemelos Klive y Nigel Humberstone recibieron una invitación, dentro de la serie Optical Music, para componer música que acompañara a clásicos del cine silente. El pasado 30 de octubre visitaron Monterrey para musicalizar en vivo Man With a Movie Camera de Dziga Vertov (1929).

La alineación habitual de In The Nursery incluye una vocalista (Dolores Marguerite C) y un percusionista, pero en sus incursiones cinematográficas el grupo consta únicamente de los Humberstone armados de laptop y guitarra eléctrica, una alineación compacta que les ha permitido viajar fácilmente a más ciudades.

En Monterrey actuaron en el jardín de la Zona Forum, por lo que Man With a Movie Camera tuvo un presentación inusual: fue proyectada en las diferentes pantallas que cubren los muros, produciendo la impresión de que tanto el grupo como los asistentes se encontraban cercados por las imágenes, un efecto favorecedor si consideramos las características de este documental.

Dentro la vertiente inagurada por Berlin: sinfonía de la gran ciudad (Ruttmann, 1927), y como lo haría décadas después la trilogía “Qatsi” de Godfrey Reggio, Man With a Movie Camera captura la vida urbana con la velocidad y los contrastes que la caracterizan. En ella vemos a un camarógrafo (el hermano del director) que recorre Kiev y otras ciudades soviéticas filmando el tráfico, las rutinas, los juegos y demás actividades cotidianas. Hay ritmo y composición, pero no una línea narrativa: la unidad la establece el ojo de la cámara y luego el del espectador. Y en este caso, la música, que aumentaba la sensación de motilidad y expectación. Lo que interpretó In The Nursery fue más atmosférico que incidental. Sólo cuando aparecieron en las pantallas una locomotora y una orquesta el grupo produjo ritmos y secuencias que emulaban las acciones del film.

Todavía unas horas antes de que iniciara la función ésta parecía improbable. Estaba anunciada en MySpace, pero no en la página del Fórum. A causa de la desinformación, prácticamente no acudió el público de In The Nursery, tampoco los cinéfilos. La audiencia se compuso en su mayoría de jóvenes que habían asistido a “La fragua del mundo” (el espectáculo emblemático) y al salir vieron actividad en la Zona Fórum. En todo caso, los Humberstone ofrecieron una actuación profesional, y tanto el sonido como las proyecciones funcionaron adecuadamente. Así que hubo incertidumbre y un público accidental, pero al final la música y el cine rebasaron estos inconvenientes.

Video: In The Nursery en Monterrey.

9/26/2007

la boa de ute lemper

Lo que dijo Ute Lemper de su propio atuendo, anoche en el teatro de la ciudad.

Esta boa perteneció a Marlene Dietrich, es antigua, olorosa... llegó hasta Angela Merkel, quien en una conferencia de las Naciones Unidas la regaló Condoleezza Rice, quien decía mucha mierda todo el día, pero por las noches se movía como una gata al ponerse la boa.

Cuando Condoleezza se aburrió de la boa dijo: "dejemos que una demócrata la use, sí" y se la pasó a Hillary Clinton, quien decía cosas lindas todo el día, pero por las noches se veía estúpida al ponerse la boa.

Así que la botó. La boa terminó en el mercado negro. Cruzó la frontera. La encontré en un mercado de Monterrey ayer.

¿La quieres? Déjamela sólo cinco minutos, la necesito esta noche.

9/11/2007

menos es más: cuatro conciertos en monterrey

Hablando de rock, pop, similares y conexos, las dimensiones del escenario y la cantidad de público esperado para un concierto afectan, notoriamente, la forma en que un grupo aborda su repertorio.

La autogestión y los foros pequeños no son una panacea que mejore a toda banda que se ampare en ellas, del mismo modo que firmar para una transnacional y llenar arenas no tendría por qué condenar a nadie. Lo que muere en el tránsito del bar al estadio no es la calidad del músico ni la de sus composiciones, sino las posibilidades con que cuenta para transformar esas composiciones en una noche imprevista y memorable.

Ante un público de miles y tras una enorme inversión en equipo y espectáculo sólo queda una opción: dar a esos miles aquello por lo que han pagado, un rosario de singles interpretados del mismo modo que en los discos. Y pobre del que se salga del guión.

Aunque en los últimos años he saldado deudas con la nostalgia, viendo algunos de mis grupos favoritos de adolescencia, esos conciertos no dejaron la misma satisfacción que me produjeron otros músicos que, en principio, ocupaban un sitio más modesto en mi corazón, pero que gracias a la cercanía que tuvieron con su audiencia, y a que se permitieron reinventar su cancionero, dejaron muy buena impresión. Aquí hago un breve repaso de esas ocasiones.


Pole Trio (31 de marzo de 2006, Café Iguana)

El prestigio de Stefan Betke estaba asentado en el glitch y su personal revisión del dub, es el típico “chico que hace ruiditos con su laptop”. Nadie estaba preparado para lo que hizo esa noche.

Llegó con bajo y batería, y les dejó tramar ritmos acelerados que él arropó y matizó desde su cacharrería análoga y digital. Hubo pasajes al inicio en los que, de no ser por convencionalismos, el público podría haber armado un headbanging en plan Slayer.

Empezó con dos horas de retraso y tocó durante una hora. A nadie le molestó.


The Whitest Boy Alive (27 de febrero de 2007, Café Iguana)

De Dreams sólo me habían ganchado dos canciones, iba por ellas y porque en mi ciudad no tocarían Kings of Convenience. Pronto desapareció toda reticencia: nunca he visto tanta gente bailando en el Iguana sin DJ de por medio.

Apoyado por una banda curtida en la improvisación y un amplio espectro de músicas, injertando en su set disco, funk, guiños al dance de los noventa y a sus colaboraciones con Röyksopp, Erlend convirtió los cuarenta y pocos minutos del álbum en dos horas sin desperdicio ni pausa.


Ninetynine (10 de agosto de 2007, Fiesta Garage)

Guitarra, teclado, batería aporreada sin piedad y ¿vibráfono? Sí, pero la instrumentación no era lo más inusual.

Cada integrante de este grupo australiano tocaba por turnos los diferentes instrumentos y cada quien les imprimía una sonoridad y técnica particular.

Recibimos rock sin adjetivos de buena factura, espíritu riot sin telarañas, así como un constante cambio de posiciones y ritmos.

Al día siguiente tuvieron que recordarme que hubo problemas de sonido y que un tipo se metió a fastidiar al escenario, el subidón de adrenalina me había hecho olvidar esos detalles.


Jessie Evans & Toby Dammit (6 de septiembre de 2007, Aura)

El más reciente. Eran sólo dos en el escenario: la ex The Vanishing cantando y al saxofón, junto a Dammit y su porte de caballero sureño en la batería y las maracas rumberas.

Había ocasionales secuencias y caja de ritmos, el set fue breve, incluso tuvieron que repetir una canción al final y ella pidió disculpas (en castellano) por no tener más qué ofrecer. ¿Por qué fue magnífico? Sucede que Evans se convierte sobre el escenario (y bajo él, entre la gente y montada en la gente) en una imposible heredera de Josephine Baker y Louise Brooks poseída por la voz de Siouxsie Sioux.

Para cuestionar cualquier otra cosa que te quieran presentar como revival de cabaret.

Esta selección es subjetiva y obviamente quedan fuera otros que podría haber disfrutado pero estúpidamente me perdí. En todo caso, cada vez me convenzo más de que los conciertos placenteros ocurren en corto, entre pocos y con el grupo dispuesto a transfigurar su música, mutarla en algo que sólo sobrevive esa noche. Los arrejuntes de masas, frente al ídolo que repite su rutina de años, están bien para las campañas electorales y los acarreos sindicales. El rock respira mejor lejos de ellos.

3/28/2007

junior boys en el mcmullen's

Del concierto de anoche en el McMullen's: descontando la insufrible ristra de abridores y algunos problemas con el sonido (durante "Teach Me How to Fight", no menos), magníficos los Junior Boys.

Antes de que iniciara el concierto platicaba con Arturo.
—Ese tipo de la camisa verde me recuerda a un actor, el papá de Lydia Deetz.
—Dices Jeffrey Jones, el mismo que salió de emperador en Amadeus.

Cuando la banda subió al escenario resultó que el Jeffrey Jones era Jeremy Greenspan sin barba.

Playlist al chile y parcial: Count Souvenirs, Teach Me How to Fight, Double Shadow, Like a Child, Birthday, So This Is Goodbye, In The Morning, Under the Sun.