campaña

Errores de performatividad 3.0

Protagonista: Enrique Martínez.

Es el gobernador de Coahuila y uno de los precandidatos a la presidencia de la República. En uno de sus spots televisivos dice "nací en el norte, y ahí me enseñaron a mirar de frente". Durante todo al anuncio Martínez mantiene la vista desviada hacia un lado para leer el teleprompter. En otro spot presume que su estado es el más seguro de todo el norte del país. Prácticamente cualquier estado mexicano es más seguro que Baja California, Sinaloa, Chihuahua y Tamaulipas.

scary doll

Una página de animaciones en flash que me recomendaron hace poco. Algo le ponen al agua en Rusia. Bueno, más bien es que prefieren el vodka al agua. Scary Doll

mashed living

Va a sonar a juego de palabras, pero el choque de KLF con Motörhead recuerda a KMFDM: Mashed Living.

Y el "Don't Go" de Yazoo sobre las guitarras de "Seether" está de risa mensa.

cuatro

Hora de la noche al día.
Hora de un costado al otro.
Hora para treintañeros.

Hora acicalada para el canto del gallo.
Hora en que la tierra niega nuestros nombres.
Hora en que el viento sopla desde los astros extintos.
Hora y-si-tras-de-nosotros-no-quedara-nada.

Hora vacía.
Sorda, estéril.
Fondo de todas las horas.

Nadie se siente bien a las cuatro de la madrugada.
Si las hormigas se sienten bien a las cuatro de la madrugada,
habrá que felicitarlas. Y que lleguen a las cinco,
si es que tenemos que seguir viviendo.

Wislawa Szymborska

gormenghast

La primera noticia que tuve de Gormenghast fue en un artículo sobre The Cure. Se hablaba de las canciones que Robert había escrito a partir de lecturas de adolescencia: al menos tres salieron de Charlotte Sometimes, de Penelope Farmer, y es obvio de dónde viene "Killing an Arab". Junto a ésas se mencionaba que "The Drowning Man" era sobre un personaje de la trilogía Gormenghast de Mervyn Peake.

Luego, en un viejo catálogo de Minotauro me topé uno de los títulos de la trilogía, Titus Groan, publicado a comienzos de los noventa. De Gormenghast y de esa edición en particular no volví a ver más. Esa novela nunca llegó a nuestras librerías y hasta después supe que no se trataba de un gusto curioso de Smith, ni una de esas obras que los de Minotauro se sacaban de la manga, sino uno de los pilares de la fantasía del siglo XX.

Las novedades de Minotauro en los últimos dos años no han sido para echar tiros (ellos, que eran infalibles). Y tampoco esperaba mucho de mi visita dominical a la Porrúa de Las Plazas. Y tómala: Gormenghast apareció en uno de los estantes del fondo. El precio no estaba por las nubes, pero había que esperar al martes de quincena.

La sacaron en noviembre del año pasado. Hoy entré a la página de Minotauro y resulta que ya tienen la trilogía completa: Titus Groan, Gormenghast y Titus solo. Es una cuenta saldada tarde (los libros se escribieron entre el 46 y el 59, y hasta ahora aparecen todos en castellano), pero saldada al fin. Luego les cuento cómo me fue. La otra buena noticia es que con la adaptación cinematográfica de El león, la bruja y el armario están reeditando a gran escala las Crónicas de Narnia.

encuesta

Aquí van mis respuestas a la encuesta musical que me pasó Suza. Ahora siguen ustedes, sé más o menos qué responderá cada uno, el que me da miedo es el Sr. Oportuno :)

1. Tamaño total de los archivos de música de mi ordenador: en éste, 6 GB, el resto está parasitando la PC de los señores Magnánimo y Oportuno.

2. Último disco que me compré: Medúlla

3. Canción que estoy escuchando ahora: The Arcade Fire "In the backseat"

4. Cinco canciones que escucho un montón o que tienen algún significado para mí:

-Japan, The Nightporter
-The Smiths, There is a light that never goes out.
-Nick Cave, Where do we go now but nowhere
-Joy Division, Atmosphere
-Tom Waits, Martha

5. Cinco personas a las que les paso el testigo: los señores Magnánimo, Sensato y Oportuno, Frau Brenda y la Faerie.


Esto respondió el Señor Oportuno:

-Aimee Mann, "Save Me"
-Van Morrison, "The Philosopher's Stone"
-Madredeus, "Haja o que houver"
-César Franck, "Panis angelicus"
-Asteria, "Quand la doulce jouvencelle" y "De los álamos vengo, madre" (casi siempre las escucho juntas, así que cuentan como una sola).

miau

Cable de última hora, desde los cuarteles del Sr. Magnánimo. Gatito solicita hogar o, en su defecto, un nombre:

Se les informa que la madriguera del Hurón cuenta entre su amplio stock de gatos con un nuevo ejemplar (llegó solito, yo no lo busqué): charchino (cual debe), color arenoso (como Juli), cola como de rata, ojos azules, y un visible labio leporino. El minino en cuestión no tiene nombre (aunque el Sr. Oportuno insiste en llamarlo "Sin cara"), de manera que agradeceré su cooperación para encontrarle un nombre adecuado y simpaticón. Claro que si le conocen un posible dueño, mejor y más misericordioso que el Hurón, se les agradecerá.

El Hurón

julieta

Anoche pensaba en Julieta Fierro, en la primera vez que la vi (en un noticiero, explicando la órbita de los planetas, con un mundo de plástico atado a una cuerda). Encendí la TV y ahí estaba ella, recibiendo un reconocimiento. Cuando terminó de hablar pasó rápidamente las hojas del libro que llevaba: salieron mariposas de papel, unas mariposas de papel que imitaban perfectamente el vuelo de las de verdad. Esa señora está mal de la cabeza. Me encanta. Y no me refiero sólo a su actitud, me gusta físicamente. Ya sé que debe tener más de 50 años. Ustedes no se fijen.

astronauts

"Astronauts" de Cranes, en el nuevo anuncio de American Express con Kate Winslet. En esa misma dirección tienen la versión completa del anuncio con música de Philip Glass (es el Cuarteto de Cuerdas No. 3, sale Robert de Niro).

"Astronauts" y otras canciones del Particles and Waves (aunque no lo crean, apenas va a salir la edición americana, con un DVD) pueden escucharse en myspace.com

eluvium - talk amongst the trees

El ambient, aun siendo de los géneros menos narrativos que dejó la música del siglo pasado, comparte algunas virtudes y necesidades con los buenos cuentos. Requiere del receptor una inmersión de cuerpo entero en esa atmósfera artificial y, cuando ese requerimiento se cumple, la obra tiñe con su sustancia todo lo que ronda la cabeza del receptor y el resto del mundo que percibe, aunque sea sólo durante un momento. Ocurre con el buen ambient, claro, y Matthew Cooper, el chico de Portland que firma sus composiciones como Eluvium, es uno de los mejores aprendices del brujo Eno.

Tras unas vacaciones al piano (el regular An Accidental Memory in the Case of Death, del año pasado), Cooper regresa con Talk Amongst the Trees al estilo de su primer disco, Lambent Material (Temporary Residence, 2003), el diseño de vastos exteriores, con sonidos alambicados de guitarras en reversa y severos drones envueltos por una mullida nube electrónica.

Talk Amongst the Trees son ocho temas de largo recorrido, con excepción de las breves "Area 41" y "We Say Goodbye to Ourselves", que funcionan más como introducción a otros tracks. Los temas mutan lentamente, incorporando con sutileza nuevas capas de textura conforme avanzan los segundos. Esta vez casi no hay ruido, y sí una mayor serenidad (sirvan de muestra "Calm of the Cast-Light Cloud" y "Everything to Come"), lo que no significa que no haya cortes oscuros, como "Show Us Our Homes" y "One".

Como ocurría en el primer disco de Eluvium con "Zerthis Was a Shivering Human Image", aquí también hay un track que destaca por encima de todos: "Taken". Es la única pieza del álbum con un rasgueo de cuerdas reconocible como tal, un crescendo que gana en textura y cuerpo a cada segundo (sin perder nunca la forma) hasta alcanzar un tono épico y disolverse. Todo un ejemplo para tanto post-rock en escalada ciega al vacío.

El resto del bosque de Talk Amongst the Trees es sereno y neblinoso como su portada, pero alberga formas de vida fantásticas, como esos "New Animals From the Air" del track abridor. Mencionemos al paso que esa portada la firma Quint Buchholz: atención a El libro de los libros (Lumen, 1998), donde Ana María Matute, Milan Kundera y otros fabulan a partir de sus imágenes, para crear mundos tan placenteros como este confeccionado por Eluvium.

Eluvium - Talk Amongst the Trees (Temporary Residence, 2005)

Apareció en Sonitus Noctis No. 11 (Mayo 2005)

caballos salvajes (marcelo piñeyro, 1995)

La Feria Internacional del Libro Monterrey en los noventa

Cosas irrecuperables de la FIL en esos años:

1. Coincidía con la convención de comics, lo cual llevaba otakus a la feria y lectores a la convención.

2. Como entonces no había distribución regular de Siruela y Valdemar, el stand que tenía esas editoriales parecía mágico. El único otro lugar donde se ha visto la colección El Ojo sin Párpado enterita es el consultorio de un alergólogo en Simón Bolívar.

3. La película sorpresa del ciclo de cine.

El ciclo era bastante bueno, pero presentaba películas que ya habían pasado en el cine Plaza Monterrey o en los cineclubes. El verdadero gancho era la función sorpresa, una por año, en la que el dedicado programador ponía algo que no se había visto nunca en la ciudad, y como todos confiábamos en el buen tino del tipo llenábamos la sala esa noche.

Ahí se vió por primera vez Heavenly Creatures (que llegaría a los cines tres años después, cuando las salas estaban desesperadas por mostrar cualquier cosa con Kate Winslet tras el éxito de Titanic), también Pequeños milagros de Subiela, un par de años antes de que llegara con la muestra internacional.

Ahora que las vemos en perspectiva, resulta que el tema común de esas "películas sorpresa" era la evasión, historias donde los personajes abandonaban el mundo ordinario para refugiarse en uno de invención propia. Quizá el programador y nosotros teníamos las mismas broncas, o era sencillamente que en los noventa nadie las tenía todas consigo.

Caballos Salvajes, película argentina

La que se me pasó (seguramente por estar babeando ante los títulos de El Ojo sin Párpado) fue Caballos Salvajes. Debió ser en la feria del 96 ó 97.

Claro que todo mundo salió encantado con ella y me platicaron pedacitos aquí y allá, y nunca tuve la oportunidad de verla. Ni en video, ni por cable, por ningún lado. Hasta el viernes pasado.

Annie y yo veíamos videos musicales en televisión y de repente salió el anuncio: Caballos Salvajes, la noche del viernes. Salimos, cenamos y regresamos justo a tiempo para verla.

Un viejo entra a un banco a reclamar el dinero que le esquilmaron, si no se lo dan se pegará un tiro. El empleado del banco busca a la carrera en los cajones de un escritorio y encuentra mucho más dinero del que debería haber ahí. El viejo no es ladrón ni secuestrador, el chico no es víctima pues lo acompaña voluntariamente.

Ya no pueden volver atrás, hay que huir. Y así lo harán durante la siguiente hora y media, con música de Andrés Calamaro de fondo (incluso se escucha "Sin Documentos").

Está facilona, un poco floja al final, pero los personajes están buenos. Para películas argentinas de fuga me quedo con Tan de repente, pero Caballos Salvajes era una de las asignaturas pendientes de mi adolescencia.

A propósito de fugas, al día siguiente encontré Badlands en un botadero de Saharis.

la biografía religiosa de david sylvian

Por lo general, las creencias de los compositores pop resultan irrelevantes para acercarse a su obra (más si cambian de creencias como cambian de disquera). En otros casos, como Leonard Cohen y David Sylvian, éstas tienen un efecto muy marcado en sus canciones.

Darren J. N. Middleton, un teólogo de Manchester actualmente afincado en Texas, se tomó el tiempo de trazar la biografía religiosa de David Sylvian y la complementa con una entrevista que hizo por e-mail al ex cantante de Japan. El ensayo termina con una exposición de las teorías de Wuthnow sobre las nuevas corrientes de espiritualidad en EU. Aquí lo tienen en formato pdf:

David Sylvian's Religion: An Interview and Interpretation

un maratón de terror

Este sábado tuvimos maratón de viejas películas de terror.

The Last Man on Earth (1964)

Con Vincent Price. Una aceptable adaptación de I Am Lengend, la novela de Richard Matheson sobre el último ser humano en un mundo de vampiros.

Sabemos que tratándose de adaptaciones no se debe pedir una absoluta fidelidad al libro, y esta película no la busca, pero recrea la sensación de soledad y frustración del texto (publicado en español por Minotauro; está muy mona la edición en inglés de Orb Books).

Carnival of Souls (1962)

De ésta ya han escrito muchos, hasta Jelinek.

Sólo mencionemos que está llena de arquetipos que siguen siendo caros al cine de terror , como el parque de diversiones abandonado, el único sobreviviente de un accidente, etc.

Invisible Ghost (1941)

La que el mundo ha olvidado, y motivos no le faltan, es Invisible Ghost.

A Bela Lugosi lo abandonó su esposa, pero él sigue celebrando sus aniversarios frente a una silla vacía. Lo que no sabe es que su esposa no escapó, sino que vive escondida en el sótano de la casa, y ocasionalmente deambula por los pasillos.

Cada vez que él la ve piensa que se trata de una aparición, enloquece y asesina a alguien, para después olvidarlo todo.

La hija de ambos está enamorada de un hombre que es extorsionado por una empleada de la casa (tuvieron un amorío años atrás), y cuando este yerno en ciernes es asesinado llega su hermano gemelo (había que economizar en reparto) a ajustar cuentas.

Las otras dos son clásicas, seguramente tendrán en sus vidas varias oportunidades de verlas. Invisible Ghost no la dejen pasar por divertida.

ian curtis, a 25 años de su muerte

Joy Division, la banda post punk por antonomasia, es un caso ejemplar en la historia del rock. Les bastaron tres años de carrera y dos álbumes para condensar las pulsiones y tendencias de su generación, abrir la brecha que llevó del punk a los sonidos alternativos y siniestros de los ochenta, y seguir siendo un referente durante las décadas siguientes.

Aunque durante su existencia recibieron buenas críticas, su importancia no fue claramente comprendida hasta la aparición de su segundo disco, Closer, en julio de 1980. Para entonces ya era muy tarde: Ian Curtis, autor de las letras y cantante del grupo, se había suicidado dos meses antes. El 18 de mayo de este año llegamos al cuarto de siglo sin Ian Curtis.

Un cantante atípico

El carácter de Ian Kevin Curtis (Manchester, 1956) tenía poco que ver con el medio del rock. Casado desde los 19 años con su novia de la escuela, Deborah Woodruffe, tomó un empleo en la Manpower Services Commission, donde asesoraba a discapacitados para que consiguieran o conservaran un empleo. El propio Ian padecía epilepsia, pero mantuvo su afección en secreto hasta que sus ataques se hicieron más frecuentes, en sus últimos dos años de vida.

No se conoce ninguna fotografía en la que aparezca con atuendo de rock star, votaba por los conservadores (hablamos del alba de la era Tatcher) y en 16 de abril de 1979 se convirtió en padre, con el nacimiento de Natalie Curtis.

Era lector de J.G. Ballard y William Burroughs, y durante la adolescencia admiró a The Velvet Underground, David Bowie e Iggy Pop. Formó su grupo junto a Bernard Sumner y Peter Hook al comenzar 1977 (el baterista Stephen Morris llegaría en agosto).

Stiff Kittens, Warsaw y Joy Division

Fueron Stiff Kittens por un día, luego Warsaw (por “Warsawa”, de Bowie) y finalmente Joy Division, nombre que Curtis sacó del libro Casa de Muñecas de Karol Cetinsky. La “división del gozo” era, en los campos de concentración, el grupo de prisioneras forzadas a complacer a los oficiales de las SS.

Una lírica que hacía eco del desencanto y ansiedad de la Inglaterra post-industrial, el único bajo que sonaba como guitarra principal y los acordes lacerantes de Sumner serían el sello distintivo de Joy Division. Luego llegarían el sintetizador y con él las atmósferas densas e inquietantes.

Unknown Pleasures (1979)

En junio de 1979 publicaron Unknown Pleasures, su primer disco de larga duración. Rechazaron la oferta de la Warner para distribuirlo en los Estados Unidos, pero se sintieron a sus anchas en Factory Records, el sello de Tony Wilson donde, si bien no se daban anticipos, tampoco había contratos.

John Peel fue otro de los que reconocieron el valor del grupo, que en su segunda visita a los estudios de la BBC tocó “Love Will Tear Us Apart”. A raíz de esa presentación el tema llegaría a ser muy popular, a pesar de no aparecer todavía en ningún disco.

Esa canción y el anuncio de que su siguiente disco también sería producido por Martin Hannet, quien había dado a Unknown Pleasures una textura áspera y ominosa, elevaron altamente las expectativas de su segundo álbum.

La amistad con Genesis P-Orridge

Pero Ian no estaba para esos asuntos: mientras su rostro cubría la portada de New Musical Express, fue diagnosticado definitivamente como epiléptico. Las luces estrobo de los escenarios hicieron más frecuentes los ataques y varios conciertos de Joy Division terminaron prematuramente, en medio de las quejas del auditorio.

Además, a fines de 1979 Curtis comenzó a relacionarse una chica belga llamada Annik Honoré, lo que le trajo serios problemas con Deborah, quien solicitó el divorcio en abril de 1980. La conducta de Curtis era cada vez más errática y depresiva.

A pesar de lo grave de su condición, los que lo rodeaban parecían convencidos de que era algo pasajero. Uno de los pocos confidentes que tuvo fue Genesis P. Orridge, de Throbbing Gristle (uno de los creadores del concepto “música industrial”), con quien sostuvo una amistad telefónica y epistolar.

Hasta la fecha Genesis no sabe cómo consiguió su número el cantante de Joy Division, pero recuerda especialmente la llamada que le hizo la noche del 17 de mayo de 1980:

Estaba aturdido, angustiado, furioso y gravemente deprimido. Le parecía que de alguna manera había dejado que las cosas escaparan de su control, que nadie a su alrededor le importaba lo que él quería, lo que él necesitaba. Y lo más urgente en ese momento era que no quería salir de gira ni estar en Joy Division.

18 de mayo de 1980

Precisamente, en dos días Joy Division saldría rumbo a su primera gira por los Estados Unidos, la antesala del reconocimiento masivo. Algo que no animaba mucho a Curtis, pues estaría recibiendo los reflectores precisamente cuando su estabilidad emocional tocaba fondo.

Esa noche Ian canceló varios compromisos y fue a su casa, en el 77 de Barton Street, Macclesfield. Deborah trabajaba en la barra de una disco y había dejado a la pequeña Natalie en casa de los abuelos. Ian la esperó viendo Strozsek, de Werner Herzog, y una vez que ella llegó la convenció de que pasara la noche con sus padres, para acompañar a Natalie. Cuando Deborah volvió al día siguiente lo encontró colgando del techo de la cocina. En el tocadiscos sonaba The Idiot de Iggy Pop.

De acuerdo a los reportes, Ian Curtis se quitó la vida en la mañana del domingo 18 de mayo de 1980. Pocos días después su cuerpo fue cremado. Por orden de Deborah, en la loza que recuerda su muerte en el cementerio de Macclesfield fue inscrita la frase “Love Will Tear Us Apart”.

New Order, 24 Hour Party People y Control

Es sabido lo que pasó con el grupo: los miembros sobrevivientes reformaron su estilo, se convirtieron en New Order y conquistaron el mundo. Hasta la fecha incluyen canciones de Joy Division en sus conciertos.

Algunos de los cientos de grupos que han interpretado las canciones de Ian Curtis son Nine Inch Nails, 10000 Maniacs, Codeine, Low, Human Drama, Lycia, Xiu Xiu y Kirlian Camera. A esto hay que sumar la influencia del estilo interpretativo de Curtis en todo el goth rock y el actual renacimiento del post-punk.

En el cine, Ian fue uno de los personajes centrales de 24 Hour Party People, la radiografía de la escena mancuniana filmada por Michael Winterbottom (aunque Joy Division no eran propiamente de Manchester, ahí se encontraba su base de operaciones).

Actualmente el director Anton Corbijn (autor del video de “Atmosphere” y de casi toda la videografía de Depeche Mode) planea llevar a la pantalla la vida de Ian con el título Control. Tony Wilson y Deborah Woodruffe son los productores y el guión se basará en Touching From a Distance, la biografía del cantante publicada por Deborah en 1995. Se habla de Jude Law como el principal candidato para interpretar Curtis.

25 años después

Ian tendría ahora 48 años. Si alguien hubiera hecho caso a las advertencias de Genesis P. Orridge, quien llamó a sus conocidos en Manchester para avisar que el chico estaba realmente mal.

Probablemente no hubiera servido de mucho, pues Curtis hubiera entrado en crisis de nuevo bajo las presiones de la gira. O quizá sí, y ahora estaríamos escuchando las canciones que nunca llegó a escribir. Parte del encanto que encontramos en el primer álbum de Interpol provino de esa necesidad de escuchar algo con una fuerte influencia de Joy Division.

Divagar sobre el hubiera es inútil. Por lo menos, no dejen pasar el 18 de mayo de 2005 sin escuchar la voz de Ian.

Yo ya tengo mi selección. La primera canción de Joy Division que escuché, una noche de 1993, cuando la radio regiomontana todavía transmitía el programa Hi-Tech de Pablo Flores. Desde entonces esa canción ha estado en cada recopilación que he hecho para viajar o regalar. Algo se quiebra despacito al pensar que esa primera vez fue hace doce años. Y se siente más raro pensar que, no importa a qué edad muera, siempre seré más viejo que el autor de esas líneas:

People like you find it easy
Aching to see, walking on air
Hunting by rivers, through the streets,
Every corner abandoned to soon
Set down with due care
Don't walk away in silence
Don't walk away

Apareció en Sonitus Noctis No. 10 (Abril 2005)

macarena

Stuart Gordon (Re-Animator, Castle Freak) pasó los noventa trabajando para Full Moon, la productora de Vlad Paunescu, famosa por rodar sus películas en Rumania (léase: escenarios macabros y vampirosos gratis), pero siempre simulando que ocurrían en los Estados Unidos. Mu. Aquí las editaba Videomax, siempre había dos o tres en el estante de terror de los videoclubes de colonia. Eventualmente la relación terminó y ¿a dónde creen que se fue Gordon, para seguir filmando sus películas lovecraftianas de serie b? Right: Galicia. Con productores gallegos realizó Dagon(2001), que ya la tenía muy platicada pero no la pude ver hasta ayer, gracias a Frau Brenda. No será tan divertida como Re-Animator, pero tiene sus momentos.

Ezequiel: Dagon had her.
Paul: What?
Ezequiel: ¡Que Dagón se la ha follado!...

Paul: Dagon? Fuck Dagon!
Uxía: Yes, and the child will be immortal

La verdadera joya es la sacerdotisa Uxía. Habla gallego con un hilito de voz, tiene tentáculos en vez de piernas y hacia el final sacrifica a una rubia gritona al dios marítimo Dagón. Obviamente, comienza el ritual con un chillón ¡Iä, Iä, Cthulhu Fhtagn!. La actriz se llama (of all names) Macarena Gómez, sale en lacrimógenas series de TV y en la película Platillos volantes (Aibar, 2003), el drama de dos ufólogos durante el Franquismo. Adorable la condenada.

azúcar

1. Yo preguntaba, durante la agonía de JPII, si recordaban algún otro personaje que siempre hubiera estado ahí desde que tenemos memoria, cumpliendo siempre la misma función. Dice el Sr. Oportuno que sí: Chabelo.

2. El Sr. Sensato conoció a una chica. Yo insistía en que no saliera de Monterrey esa tarde. Que se quedara y le llamara a la chava. Él ponía peros, decía que mejor luego la buscaba o le enviaba un mail. Yo seguí muele y muele: llámale ya. Hasta que se fue me di cuenta de lo pinche que estaba siendo con él. En serio, se me había olvidado que la chava era sordomuda.

3. Escuchando el nuevo álbum de Autechre: sigue sonando a diálogo de electrodomésticos, pero... esos ritmos, esos ritmos. Para lo calculadores que suelen ser Booth y Brown de seguro que con esto se sienten Tito Puente y Celia Cruz.

se acaba the delgados

Stewart no quería hacer un nuevo disco. Los demás dijeron que sin él no quieren seguir: The Delgados anuncian su desintegración. "Coming in from the cold" fue la primera canción que les escuché, "Woke from dreaming" mi favorita. Como 10,000 Maniacs y Kristin Hersh, The Delgados fueron de esos fenómenos capaces de hacer de las cosas más tristes las más bonitas.

fool

La broma de april's fools de Side-Line. Caí redondito y no reparé en la fecha hasta el domingo.

Futurepop banned by German High Court
Side-Line. 01/04/2005

This shocking news reached us late last night and has since stirred the german ebm community. Germany's highest court has ruled yesterday that the term 'futurepop' can no longer be used in musical terms as it is a brand deposited by the Germany based factory Futurpop (without 'e') producing electronic components for PCs. The decision followed a lower court ruling that banning the term while keeping the market inundated with CDs described as futurepop music violated the constitutional provision guaranteeing the equality of citizens before the law. Judge Wolfgang Neskovic, who issued the lower court decision, hailed the high court ruling as an "important withdrawal of criminal law from sections of trademark policy." In a reaction Futurpop CEO Winfried Hassemer told Side-Line the following: "Unlike what is being believed, Futur(e)pop as term has been widely spread since the early 50s. In 1963 the trademark itself got registered in Germany and we were shocked to see so many musicians use this term to represent their indie electro pop." Hassemer, who is also the director of the reknown Berliner Philharmonic Quartet, is now asking an indemnity of 1 euro per CD for each album that has been sold as being 'futurpop'. As a protest several labels, such as Accession, Alfa Matrix and Out Of Line, have started labeling their CDs with stickers saying "This is f*t*repop!'. After the court's decision, the most populous German state, North Rhine-Westphalia, closed down a club that was to give a concert by Neuroticfish. Neuroticfish frontman Sascha Mario Klein reacted by saying: "I knew EBM was dead, but now futurepop as well? What is to become of the scene?!" More news as we get it, in the meantime fans have started a futurepop thread in our forum! A complete interview with Klein on this and other matters is available in Side-Line 51, out in the next weeks.

edison woods: entrevista a julia frodahl

Escuchando los sutiles paisajes sonoros de Edison Woods difícilmente deducirías que este ensamble (piano, cellos, saxofón barítono, guitarra, bajo y batería) tiene como base de operaciones el tumultuoso Brooklyn.

Vinculados en un principio con el slow-core y el pop de cámara con resonancias oscuras, Edison Woods terminaron por ser inclasificables. El grupo se formó en febrero de 2000 y editó su primer disco, homónimo, en el sello canadiense Endearing (2002). A éste siguió el sobresaliente Seven Principles of Leave no Trace (Glitterhouse, 2003), donde contaron con el apoyo de Mark Van Hoen (Mojave 3, Seefeel) y Alan Weatherhead (Sparklehorse) en la mezcla y producción, además de la guitarra de Simon Raymonde (Cocteau Twins) en la canción "Brooklyn Flowers". Actualmente están a punto de publicar su tercer álbum, Nest of Machines.

Aunque su ocupación principal es la música, su actividad se extiende al teatro, el performance y las instalaciones artísticas. Toda su obra está plagada de detalles que revelan su carácter féerico y etéreo. Cada caja de su segundo disco contenía una auténtica pluma negra de ave. Su página web y las imágenes de sus discos son obra de la artista neoyorquina Carla Gannis, y si quieres suscribirte a su mailing list debes enviar un mensaje con el título "Good Luck Charm", para recibir como respuesta un montón de letras eme y la aclaración "those are birds".

Julia Frodahl, la compositora, pianista y cantante de Edison Woods contestó a las siguientes preguntas para SN.

¿De dónde vienes?

Vengo de un pequeño pueblo al norte de California, del que recuerdo principalmente sus extraños salones de two-step con órganos Wurlitzer.


En las reseñas de tu álbum debut se mencionaba frecuentemente la influencia de Bowles y cummings. ¿Qué encuentras en esos autores? ¿Siguen siendo una influencia?

Las palabras de cummings son como la lluvia, una multitud de gotas formando un triste y hermoso océano. Creo que siempre será una influencia para mi. Crear algo sutil y al mismo tiempo cargado de pensamiento me parece una idea maravillosa.

¿Qué lees en estos días?

Estoy leyendo Cielo abierto de Paul Virilio, y El amor loco de André Breton.

Edison Woods tuvo un buen primer álbum, pero la evolución mostrada en Seven Principles of Leave No Trace excedió toda expectativa. ¿Qué ocurrió durante ese año?

Gracias. Me gusta cambiar… y obviamente los cambios que hay en mi persona se reflejan en mi trabajo. Es cierto, muchas cosas pasaron en ese período de transición, el tiempo entre las dos grabaciones. En parte, quería lograr cierta música que me reconfortara durante esa época de cambios. Y otras veces hacía música para reconfortar a alguien más. Creo que trabajo tal como lo hacía Louise Bourgeois en su serie Insomnia. Louise dibujaba toda la noche para arrullarse y poder dormir. Ahora todos podemos disfrutar de esos arrullos de papel que creó para conciliar el sueño.

Las letras de Edison Woods te hacen sonar completamente abierta y vulnerable. ¿No te atemoriza escribir este tipo de canciones, considerando que estás abriendo tu corazón y tu mente ante desconocidos?

De hecho, creo que hay una gran ironía en esa situación de ser vulnerable. Sé que parece atemorizante, pero la verdad me atemoriza más guardarme mis opiniones, porque cuando uno se oculta lo hace principalmente por miedo. Hace falta valor para ser vulnerable. Y es mucho menos atemorizante que dejarse dominar por el miedo. A fin de cuentas, te permite llegar a alguna parte.

¿Cómo es Simon Raymonde en persona?

Simon es amable y apacible, un músico muy intuitivo.

Vemos que cuidas hasta el más mínimo detalle en tu música y todo lo que hay alrededor de ella. ¿Cuál es tu idea de creación? ¿Qué responsabilidades implica traer al mundo una nueva obra de arte?

Quiero estar plenamente consciente de lo que aporto al mundo de los demás. Sí hago que un público voltee hacia mí, quiero tener algo que ofrecer que recompense ese tiempo y atención, desde todos los medios posibles.

Dinos algo sobre tu participación en el teatro y el performance, y cómo se refleja en tus presentaciones con Edison Woods.

En nuestras presentaciones busco cuestionar no sólo las formas en que la música es compuesta, sino también cómo es ejectuada y percibida. Así que hay un elemento teatral en cada uno de nuestros conciertos. Creamos un entorno completo en el que la audiencia puede perderse junto con nosotros, y suspender durante unos momentos las mortificaciones de la vida cotidiana.

¿Ha cambiado el sonido de Edison Woods para Nest of Machines?

Diría que tiene, por lo menos, el doble de diferencias que las que hubo entre los primeros dos álbumes.


Te agradezco la entrevista, por supuesto, pero sobre todo te agradezco el haber grabado un disco en el que todos podemos escapar del tedio y la desesperación de estos tiempos.

Fue un placer, Nicolás, gracias.

edisonwoods.net

Apareció en Sonitus Noctis No. 10 (Abril 2005).

aarktica - bleeding light

Jon DeRosa creó Aarktica en 1998 en Brooklyn. Graduado de tecnología musical y psicología en la NYU, Jon comenzó su carrera en los escenarios desde la adolescencia con efímeros actos de hardcore y otros géneros abrasivos. Fue al descubrir el sonido de Projekt Records que decidió hacer otro tipo de canciones. Bajo los alias de Dead Leaves Rising y Pale Horse & Rider graba temas de folk abatido, mientras que con Aarktica ha visitado todas las estaciones entre el dreampop y el post-rock, siempre cargado hacia los medios tiempos y una constante sensación de tristeza.

Su disco de 2002, con el kilométrico título Or You Could Just Go Through Your Whole Life and Be Happy Anyway (Darla), y Pure Tone Audiometry (Silber, 2003), con la voz de Lorraine Lelis (Mahogany) y variadas colaboraciones en la instrumentación, acercaron a Aarktica cada vez más al formato de banda, consiguiendo un sonido más orgánico, a veces próximo al Mike VanPortfleet, su compañero de escudería en Silber.

Bleeding Light sigue ese rumbo, pero en un nivel notablemente inferior al de sus antecesores. Su mitad instrumental es demasiado árida para alterar, aunque sea un poco, el estado de ánimo del escucha. Casi pide ser dejada como música de fondo mientras se realiza alguna otra actividad. Es cierto que los discos de Aarktica siempre han exigido paciencia, pero esta vez prevalece la sensación de no haber recibido suficiente sustancia a cambio de la atención depositada en el álbum. Que DeRosa se encargara personalmente de toda la labor vocal (su voz es susurrante y discreta, no la más indicada para soportar canciones completas) e insistir en pasajes ambientales que nunca se disparan a otro plano, son algunos de los puntos débiles de este disco.

“We’re Like Two Drops Separated by a Drowning” consigue que por comparación Clock DVA suene emo. “Depression Modern” y “Twilight Insecta” son dos predecibles y prescindibles paisajes sonoros, mientras que “Night Fell, Broke Itself” y “A Shadow Knife (Draws the Bleeding Light)” presentan algunos matices, gracias a la inclusión de un sax tenor y (en el caso de la segunda) percusiones sincopadas. La reputación de DeRosa sólo se salva por “Bleeding Light”, que cierra el disco entre tañidos orientales, redobles de batería y el adictivo mantra “everyone of us is lost in our own way”.

Aarktica tenía tiempo saliéndose con la suya, ya le tocaba sacar un disco menor. No sería nada raro que Jon recuperara el toque en su siguiente entrega.

Aarktica - Bleeding Light (Darla, 2005).

Apareció en Sonitus Noctis No. 10 (Abril 2005)

sucedió esta semana santa

Reunión en casa. Lamentamos tener únicamente 10 botellas de cerveza. Gaby salió por cigarros y volvió con una hielera llena de envases de Sol e Indio.

—¿Y eso?
—Alguien la dejó en la esquina.

...

Digo a la casera que una amiga quiere rentar uno de los cuartos. Me muestra el único que queda libre, que no se ha rentado en el último año y casi nunca abre. Entramos a tiempo para ver que el ventilador de techo estaba suspendido de un solo alambre, pronto a estrellarse contra el piso.

fanny y alexander

En la adolescencia, las películas se volvían míticas cuando las pescaba de madrugada, sin saber sus títulos, y luego no podía volver a saber de ellas por ningún medio.

En la infancia, eran las que esperaba junto con mamá y luego me queda dormido sin ver la última mitad, así que ella me las contaba a la mañana siguiente.

En esa categoría estuvieron Cuatro moscas sobre el terciopelo gris, Enemigo Mío (aunque ahora se retracte, a la que le gustaban las de terror y CF era a ella y me lo pegó) y, especialmente, Fanny y Alexander.

La pasaron muy noche, en Imevisión, dividida en dos partes en dos días seguidos. Entonces era raro que una película reciente llegara a la televisión, así que la anunciaron con bombo y platillo y ahí estábamos esperándola desde una hora antes.

Claro que los dos días me quedé dormido y mamá me la contó mientras desayunaba para ir a la escuela. Tenía muchos de los detalles que apreciaba entonces y sigo apreciando ahora, mundos particulares, áticos, antigüedades, disfraces y marionetas. Sigo sin verla.

La tenían en venta en Gandhi la semana pasada, pero estaba algo cara y preferí The Sweet Hereafter (hasta ahora descubrí que una de las canciones que canta Sarah Polley es de Jane Siberry).

Es bueno guardar algunos pendientes por años, que provoquen expectación.

sueño

Volvió a aparecer en un sueño del sábado, así que ya es el primer personaje onírico recurrente que tengo. Recurrente y que no existe en la vigilia, quiero decir.

Es el cantante de una boyband que nunca la hizo. Es alcohólico. Lo encuentro tirado en la calle, con el traje que usa para sus presentaciones: camiseta violeta, jeans de diseñador, botas puntiagudas, fishnet en los brazos. La dos veces dijo que le habían dado oportunidad de cantar en una explanada de la universidad y me dio un volante de su presentación.

La última vez yo huía junto con un niño. Habían matado a su padre y el asesino seguía dentro de la casa, así que yo lo sacaba de ahí y escapábamos por anchas calles nocturnas. El asesino nos perseguía (nunca lo vi), lanzando proyectiles que describían trayectorías oblicuas y se incrustaban en los postes de luz. El cantante estaba tirado junto a una camioneta. Nos detuvimos un momento para que nos soltara su perorata y luego seguí corriendo. Pero el niño (que era japonés) ya no estaba.

black tape for a blue girl - halo star

Halo Star, el noveno álbum de larga duración de Black Tape for a Blue Girl, es la apuesta de Sam Rosenthal (cerebro del grupo y de Projekt Records) por un vocabulario musical más sencillo y directo, lejos de las invernales y etéreas callejuelas de The Scavenger Bride (Projekt, 2002), un disco conceptual ambientado en la Praga de Kafka, que recibió buenas críticas a pesar de su opacidad y monotonía.

Quizá Rosenthal percibió esas carencias (aparte del sugerente mantra de “All My Lovers” poco será recordado de The Scavenger Bride), porque ha reformado el sonido de Black Tape: donde antes dominaban las atmósferas ahora hay canciones, y el oleaje de synthes ha dado paso a la guitarra acústica. También ha cambiado de cantante: Elysabeth Grant aparece sólo en cuatro canciones, dejando la mayor parte a la voz de barítono de Bret Helm (Audra). Esta grabación tiene más folk y goth rock que cualquier otro disco de Black Tape de los últimos quince años, sólo podría citarse como antecedente aquel Ashes in the Brittle Air de 1989.

“Tarnished” y “Knock Three Times” entran directo a la lista de lo mejor que Rosenthal ha compuesto en su prolongada carrera. La primera, apoyada principalmente en percusiones y cuerdas, explota las dotes dramáticas de Helm, mientras que “Knock Three Times” será la “King Volcano” o “People Are Strange” de su repertorio, esa canción de sonido y letra ingenuamente siniestros (“toca tres veces en tu ataúd si quieres mi amor”) que no podrás sacarte de la cabeza en varios días. También aparece en el live bootleg que grabaron en septiembre de 2004, junto a sus cóvers de “All Tomorrow’s Parties” y “Space Oddity” (sí, Sam tenía ganas de escribir La Canción). Ese bootleg todavía puede descargarse gratis, con todo y portada, de su página oficial.

Con “The Gravediggers”, Sam se acerca al modelo de compositor oscuro armado de guitarra acústica, en la vena de Peter Murphy o Johnny Indovina. Otro tanto ocurre en “Scarecrow”, que además incluye un moog al más puro estilo del prog rock de los setenta. Halo Star no presenta ninguna verdadera innovación en relación al estadio actual del gótico, pero es un cambio refrescante en la discografía de uno de sus grupos emblemáticos.

Black Tape for a Blue Girl - Halo Star (Projekt, 2004).

Apareció en Sonitus Noctis No. 9 (Marzo 2005)

oriente

En algún momento de los noventa Alvin Toffler fue invitado como conferencista/popstar al Distrito Federal. Un reportero le pidió un bosquejo del mundo por venir (es como si te presentaran a un cirujano y le dijeras "¿tú operas?, qué padre, a ver, sácame el apéndice").

Palabras más, palabras menos, Toffler dijo que su más reciente noción del mundo futuro no era producto de estadísticas o investigaciones, sino de la visita que hizo a una librería en Corea del Sur. "Parecía una tienda discos", dijo. Cientos de adolescentes apretujados, de pie, hojeando y leyendo, comprando todo lo que podían. "Nuestros adolescentes occidentales no hacen eso. Es una de las razones del desarrollo exponencial de Oriente".

...

La semana pasada di con una expresión que no conocía: tachiyomi. Es el verbo japonés para "leer de pie". O robarse una lectura, como dicen los dueños de librerías en Japón. El tachiyomi llegó a ser tan practicado que terminaron por prohibirlo en muchos establecimientos.

...

Ayer apareció en el NYT la nota The World's Biggest Book Market, sobre la industria librera china. Uno de los patrocinadores de las próximas olimpiadas en Beijing es la cadena Book City, que en el centro de la ciudad tiene una librería de cinco pisos. Esta sucursal, luego de su ampliación, podrá albergar a 200,000 clientes al mismo tiempo.

Paradójicamente, buena parte de esta industria la manejan editoriales y distribuidores privados, técnicamente ilegales. El autor del artículo entrevistó al traductor al chino de Kerouac. El hombre dijo que durante 2002 vendieron sólo 30,000 copias de On the Road, pero cree que las ventas de ediciones piratas fueron mayores. Y lo dice contento.

jamie

Pasó al mismo tiempo que me metía en Joy Division o The Smiths. Yo era un adolescente muy tímido y torpe. Como todos los adolescentes tímidos y torpes, pensaba que podía enamorar a la gente si tenía una colección de discos extraños. Compré grabaciones de campo y música indígena para intentar parecer cultivado, y me encontré con que esos discos eran maravillosos, conmovedores y sorprendentes; y todavía lo son. ¿Gótico? Oh, sí. Soy demasiado viejo para que el look me quede cool, pero es donde residen mi corazón y mis raíces. Jamie Stewart (Xiu Xiu), entrevistado por Rockdelux.

Xiu Xiu 9 de abril de 2005, Fuzz Club, México DF. La Foret, el nuevo álbum de Xiu Xiu, a la venta desde el 12 de julio (5RC y Acuarela Discos).

immortel (enki bilal)

Enki Bilal (Belgrado, 1951) es un autor de culto de la bande dessinée desde los años setenta, pero se ha distinguido por su interés por otros medios. En sus trabajos al lado del guionista Pierre Christin combinó la tira cómica con la fotografía (una técnica que alcanzaría sus mejores momentos con Dave McKean) y también ha diseñado escenarios, vestuario y pósters de opera, teatro y cine. Debutó como director cinematográfico con Bunker Palace Hotel (1989), a la que siguió Tykho Moon (1997) y hasta 2004 pudo llevar a la pantalla una de sus propias novelas gráficas. Immortel (ad vitam) es la adaptación de La Foire aux immortels (1980) y La Femme piège (1986), las dos primeras partes de la Trilogía de Nikopol. La última entrega, Froid équateur (1992), no ha sido considerada en el guión y podría dar lugar a una película más.

Junto a Sky Captain (Kerry Conran, 2004), Immortel es de las primeras en utilizar exclusivamente escenarios digitales, incluso los personajes secundarios son imágenes generadas por computadora. No se ven tan realistas como los de otras superproducciones, pero esa deficiencia se ve compensada por la buena sincronía de sus acciones con las de los protagonistas. Además, estos actores CGI representan a una humanidad donde las alteraciones genéticas y los órganos protésicos son la norma, así que su artificialidad no está fuera de lugar.

La historia se desarrolla en la Nueva York del año 2095, donde se conserva la apariencia de un gobierno democrático pero el verdadero poder lo detenta Eugenics, empresa responsable de las alteraciones anatómicas de los ciudadanos. Se sabe que treinta años atrás hubo una revuelta civil contra Eugenics dirigida por Alcide Nikopol (Thomas Kretschmann), quien fue detenido y condenado a suspensión inanimada.

De golpe, la gris cotidianidad de la ciudad se ve rebasada por apariciones fantásticas. Una pirámide egipcia, que hace las veces de transporte para los dioses, flota en los cielos. De ella sale Horus, el dios halcón, a quien sus semejantes han concedido sólo siete días (la duración del latido de un corazón divino) para dejar descendencia en este planeta. Al mismo tiempo, Central Park es sitiado por lo que los noticieros llaman "la intrusión", un campo de fuerza que mantiene esa zona a temperaturas glaciales y fulmina a todo el que pretende entrar. El único enterado de los motivos de dicha intrusión es John, un individuo agonizante con el rostro oculto y procedencia desconocida.

Los agentes que estas fuerzas sobrehumanas han escogido para actuar en la Tierra son el resucitado Nikopol (en quien se encarnará Horus para concebir un semidios) y la protegida de John, una chica de cabello y lágrimas azules llamada Jill (Linda Hardy). Las comparaciones entre Jill y la Leeloo de The Fifth Element (Luc Besson, 1997) están a la orden del día. Podrían justificarse por la influencia de Jean "Moebius" Giraud (leyenda del cómic galo y diseñador de los personajes de The Fifth Element) en Bilal, pero lo cierto es que en La Femme piège el personaje no tiene ese halo de the woman who fell to earth. Lo más probable es que lo haya adquirido para simplificar la trama.

Expuestas las circunstancias y los personajes, Immortel adopta la velocidad de un film de acción, con Nikopol y Jill escapando de las trampas de Eugenics, apoyados por la Dra. Turner (Charlotte Rampling, todavía bella a los sesenta), y tiene sus momentos cómicos en las discusiones de Nikopol con el insufrible Horus. Hacia el último tercio de la película, las relaciones de poder en la ciudad pierden importancia, pues como advierte John a la Dra. Turner "las cosas han pasado a otro nivel".

Immortel no oculta sus deudas con Blade Runner (Ridley Scott, 1982) y Brazil (Terry Gilliam, 1985), tomando el aire de film-noir tecnificado de la primera y el humor negro de la segunda, como tampoco oculta que su objetivo es la taquilla internacional: está hablada en inglés, con reparto multinacional. En resumen, es buen cine de aventuras ambientado en la distopía característica de la CF cyberpunk y post-cyberpunk, adaptado y dirigido por uno de los artistas gráficos que mejor conoce ese terreno, sólo que esta vez dirigiendo sus esfuerzos al gran público.

Guión y dirección: Enki Bilal. Fotografía: Pascal Gennesseaux. Música de Goran Vejvoda Sigur Rós y otros. Con Linda Hardy, Thomas Kretschmann y Charlotte Rampling. Francia/Reino Unido/Italia, 2004. Inglés, 102 min.

Apareció en Sonitus Noctis No. 9 (Marzo 2005)

filo

Notas aparecidas el 9 de marzo.

Sobre la carta (Reforma)

La posibilidad de que desaparezcan las carreras mencionadas, o de fusionarlas dentro de una sola licenciatura en Humanidades, alejará al rector José Antonio González Treviño de su objetivo por convertir a la UANL en la universidad pública mexicana de mayor prestigio a nivel nacional e internacional.

Coincidieron en lo anterior los historiadores Mercedes de la Garza, Álvaro Matute, Boris Berenzon y el filósofo Alberto Constante, académicos de la Universidad Nacional Autónoma de México y firmantes de una carta dirigida al Presidente Vicente Fox, en la que manifiestan su preocupación por el cierre de estas disciplinas en la UANL.

Opinaron en entrevista que una decisión de esa magnitud sería pragmática y economicista, ya que buscaría preservar únicamente las carreras que aportan mucho dinero al mercado, e incluso algunos pensaron que ignora lo que ambas disciplinas han significado para la conciencia del pasado y de la ética.

"Es absurdo querer englobarlas en una Licenciatura en Humanidades, equivaldría a meter la biología, la física y las matemáticas en una carrera general de ciencia, a dar un barniz cultural de lo que son las ciencias humanas, es restarle su significación", aseguró De la Garza.

Matute, en cambio, le otorgó a la propuesta el beneficio de la duda, ya que todo depende cómo esté elaborado el plan de estudios. Lo ideal, indicó, sería que se caracterizara por un equilibrio entre lo disciplinario y lo interdisciplinario, un tronco común en donde se conserve tanto el saber histórico como filosófico para luego fortalecer el conocimiento de cada disciplina.

Los investigadores consultados atribuyeron la falta de interés al desconocimiento que priva en el País sobre las aportaciones de esas materias, tan poco estudiadas y valoradas en la educación primaria y media superior.

"Cómo queremos que se demanden como si fueran kleenex. Son carreras que exigen mucha dedicación, el 100 por ciento de nuestra vida. Es el problema añejo entre el ser y el tener, todo depende a qué le apueste uno", dijo Constante.


Sobre la carta (El Norte)

Intelectuales, académicos y alumnos de la UNAM, a través de una misivadirigida al Presidente Vicente Fox, al Congreso de la Unión y a laSEP, desaprobaron la posible desaparición de las licenciaturas enHistoria y Filosofía de la UANL.

"Rechazamos categóricamente las 'razones' absurdas y mezquinas con quebuscan respaldar la desaparición de estas carreras. La lógicaeconomicista expone de manera burda el argumento del desempleo como siesto resolviera la situación crítica laboral que vivimos los mexicanos", se expresa en la carta.

El texto lo firman, entre otros, los escritores Vicente Leñero y David Huerta; el pintor Pedro Friedeberg; Mercedes de la Garza, directoradel Instituto de Investigaciones Filológicas; y la investigadora Patricia Galeana.

...

Así que le agregarán "y humanidades" al título Licenciado en Filosofía, pero la carrera sigue como tal, no reducida a acentuación (:

Entrevista al director (El Norte)

El director de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Autónoma de Nuevo León (UANL), José Reséndiz, afirmó ayer que el anteproyecto que contemplaba desaparecer las carreras de Historia y Filosofía y convertirlas en acentuaciones de una nueva Licenciatura en Humanidades ha sido modificado.

"No desaparecerá ninguna carrera, hay algunos cambios, pero la esencia de todas se mantiene", dijo en entrevista.

La nueva propuesta, creada por un equipo de trabajo con representantes de cada área, incluye las licenciaturas en Historia y Estudios de Humanidades, en Filosofía y Humanidades y una más en Letras Mexicanas, que tomarían los lugares de Historia, Filosofía y Letras Hispánicas.

julia

Me quiero desmayar. Acabo de recibir la respuesta de Julia Frodahl


Hi Nicolas,

We would love to do an email interview with you.
Would you like to send us your questions?

Anything you can do to help us promote our music in Latin America would be absolutely wonderful. Could you recommend some labels in the territory that might be a nice fit for us? Thank you so much Nicolas...

Love,
julia

lisa gerrard & patrick cassidy - immortal memory

Antes, cuando hablábamos del elemento cinematográfico en las canciones de Lisa Gerrard, nos referíamos a que éstas tenían tal ímpetu y riqueza de matices que podían cargar de emoción las escenas más anodinas. Ahora ocurre lo contrario. Immortal Memory, el primer álbum como tal que graba Gerrard desde aquel Duality de 1998 (Warner), suena a score necesitado de imágenes que lo completen, que le den un poco de sentido. Para ser más precisos, y lamentarlo todavía más, suena a score de película épica/fantástica de pacotilla.

Su pasado con Dead Can Dance implicaba una gran responsabilidad para Lisa al emprender una carrera como solista, pero encontró en Pieter Bourke un colaborador a la altura de las circunstancias. Aunque sólo se le acredita en la portada de Duality, Bourke fue también parte importante de The Mirror Pool (4AD, 1995), que suena a unos Dead Can Dance (incluye algunos temas que Lisa ya cantaba en Toward the Within) amplificados, gracias a los arreglos de Bourke interpretados por la Victorian Philarmonic Orchestra. Duality es más intimista, pero también cumplidor.

Para su tercer álbum como solista Lisa dejó a Bourke y recurrió al irlandés Patrick Cassidy, arpista y compositor de naderías para Hannibal (Ridley Scott, 2001) y Veronica Guerin (Schumacher, 2003), y por lo visto le cedió el control del disco. Los años han respetado la voz de Gerrard y ella sigue buscando la mejor interpretación posible, pero las composiciones son completamente planas, no hay modo de sacarles provecho. Cada uno de los diez tracks parece una introducción para otra canción que nunca llega. Siendo prácticamente intercambiables, las canciones sólo pueden distinguirse por la anécdota: están escritas en latín, arameo y gaélico, "Psallit in Aure Dei" fue compuesta en memoria del fallecido padre de Cassidy y "Song of Amergin" fue incluida en King Arthur (Fuqua, 2004).

Un caso más a la lista de los que confunden lo sutil y etéreo con lo meramente insustancial, sólo que esta vez de quien menos esperábamos. Lo más sorprendente es que se tenga a Cassidy por uno de los compositores más importantes de Irlanda. La buena noticia es que Dead Can Dance se ha reunido este 2005 para una gira por Europa y América. Esperemos que Gerrard y Perry también piensen volver al estudio de grabación.

Lisa Gerrard & Patrick Cassidy - Immortal Memory (4AD, 2004)

Apareció en Sonitus Noctis No. 8 (Febrero 2005)

miau

Poesía gatuna

Encontrado por el Sr. Oportuno (experto criador, considera que sus gatos son tan buenos maestros de moral como Séneca).

will self - cómo viven los muertos

"Cuando mueres te mudas a otra parte de Londres, y eso es todo". Esa fue la explicación que recibió el narrador de "The North London Book of the Dead" de parte de su madre, quien se suponía había sido reducida a cenizas unos días antes en el crematorio de Golders Green. Porque en el imaginario de Will Self (Londres, 1961), la muerte no es muy distinta de la vida. Primero, un difunto agente de bienes raíces te muestra tu nueva casa, luego consigues un empleo. No tiene que ser en una necroempresa: muchos de los dependientes que atienden a los vivos son muertos no identificados. Y si no acabas de entender tu nueva condición, hay cursos para principiantes que podrán ayudarte. Los motivos presentados en ese cuento, incluido en The Quantity Theory of Insanity (Bloomsbury, 1991), son recuperados y ampliados por el autor en la novela Cómo viven los muertos, publicada en el Reino Unido en el año 2000 y traducida al castellano tres años después.

Cómo viven los muertos es el monólogo de Lily Bloom, una anciana americana que agoniza en hospitales londinenses durante el primer tercio del libro. Después viene su mudanza a Dulston, un suburbio para muertos, donde asistirá a las reuniones de un grupo de apoyo (los Personalmente Muertos, con sus doce pasos y doce tradiciones) y obtendrá trabajo en una agencia publicitaria. Además, le endilgan una simpática familia disfuncional: tres fantasmales gordas, formadas por la grasa que tanto luchó por perder en vida, su insufrible hijo, muerto en la infancia, y un litopedión (feto calcificado) con un gran repertorio de canciones de los sesenta y setenta. Con semejante hogar, no es de extañar que el vicio de Lily sea escaparse de su barrio para fisgonear a los vivos.

Suena ingenioso, pero el libro es arruinado por la intención de Self de hacerlo su "novela del siglo", tentación en la que cayeron muchos autores en el ocaso del XX. Tanto en su agonía como en el limbo, Lily dedica todas sus fuerzas a hacer mofa de cada figura pública, de cada hecho histórico y de cada individuo común de los que tuvo noticia. La ironía e incorrección del personaje habrían hecho de ese recuento de calamidades algo interesante, pero las páginas avanzan sin que haya mucho más que esa actitud, sin nada con que contrastarla o confrontarla. Un sermón monótono y gris. Y es tal el exceso de metáforas, aliteraciones y juegos de palabras (algunos de ellos pueriles), que termina por aburrir.

A Will Self se le compara frecuentemente con Burroughs y Ballard. La gran diferencia es que estos dos supieron abrir canales de euforia y plenitud (erótica, lisérgica, lúdica) en los escenarios desconsoladores de su obra. Self, queriendo ser lúgubre y mordaz de tiempo completo, queda como un ingenuo. Si insisten en darle una oportunidad, escojan las distancias cortas: es mucho mejor cuentista que novelista.

Will Self - Cómo viven los muertos. Mondadori. Barcelona, 2003.

Apareció en Sonitus Noctis No. 9 (Marzo 2005)

sehnsucht

McSweeney's wisdom:

Lame excuses roommate has given for breaking dates or The Smiths lyrics?

Words to know when listening to german industrial music

Cruel nicknames for overweight vampires

la maestra cardona y la carrera de pedagogía

Como la vetusta Morla, la maestra Cardona ya sabía todo.

Si no la conocen, puedo decirles que es una maestra bajita, de lentes, que debería haberse jubilado hace unos diez o quince años y sigue en la facultad. Conduce uno de esos trasatlánticos en cuatro ruedas que estaban de moda en los setenta, se está quedando sorda y a veces se le olvida que tiene que dar clase y llega una hora tarde. Su presencia en la facultad es más bien como la de Nick Casi Decapitado en Hogwarths.

En la primavera de 2001, junto al salón donde Cardona nos daba clase estaba un grupo de Pedagogía. Una tarde llegaron ahí los representantes de varias empresas para hablarles de un nuevo campo ocupacional para pedagogos.

Cuando terminó nuestra clase Cardona fue a buscar a unas alumnas de pedagogía para averiguar cuál era la mentada promesa ocupacional. Nos lo contó con estas palabras: "a estas muchachas les dijeron que las podían contratar como lavadoras de cerebros de empleados, y a ellas les pareció maravillosa la idea".

Con tanto pleito en la carrera de Filosofía no había reparado en lo que sucede con las otras de la facultad. Recién me entero que una de las nuevas acentuaciones de pedagogía será Recursos Humanos.

el final de curve

La primer noticia que tuvimos de Curve provino de una fuente poco probable: una revista Guitar Player comprada por J. Los editores suspendieron por un momento su habitual idolatría al shredder y publicaron un artículo sobre la guitarra de texturas: Robin Guthrie, Porl Thompson, Kevin Shields... y Dean García de Curve. Sí, hay un abismo entre los primeros y este último, pero ustedes no se fijen. Además, cuando uno es joven e impresionable eso de cruzar la guitarra de texturas (la del shoegaze, caracterizada por acordes elementales y lentos) con la velocidad del pop épico, suena por lo menos interesante.

De la vista nace el amor: antes de haberlos escucharlos, fue la foto de Toni Halliday que acompañaba el artículo lo que hizo que nos grabáramos el nombre del grupo. El único otro logo que tuvo Murmujú, además del Sombrerero de Tenniel, fue el rostro de Toni encerrado en un círculo amarillo.

Algunas veces Curve lo consiguieron. Sobre todo en Doppelganger (1992). Pero a la altura de Gift (2001) ya no estaba muy claro que querían en este mundo. Esta semana anunciaron su disolución. Diez años atrás lo hubieramos lamentado, ahora no creo que se les extrañe mucho.

the pandas en monterrey

Da miedo que para descubrir un disco como Pan de Monio (Rogue Tape, 2004) de The Pandas el grupo tenga que visitar tu ciudad. Y da más miedo que tenga que servir de música de fondo en un café, mientras los asistentes continúan platicando.

Lo de este trío de Worcester, aunque tiene ambient, no es música ambiental. No si entiendes ésta como algo que dejas sonando mientras te ocupas de otras cosas, sin prestarle demasiada atención.

Cuando entramos al café primero pensé que estaba sonando una remezcla de Björk, porque tenía algo björkesco y además no había ningún músico a la vista. Pero entonces notamos que los sonidos los estaban haciendo estos tipos, casi a oscuras, al final de la sala.

Más cerca de múm que de Autechre, son de esas bandas que han proliferado en el último par de años, donde se hace ambient pero sin descuidar la melodía.

The Pandas estarán tres semanas en Monterrey, circulando por varios bares. En sus presentaciones venden el CD a 70 pesos.

ceniza

La frase del día: ¡Pendeja, te dije que fueras a tomar ceniza conmigo!

nonsense

Ayer el director aseguró que ya habían empezado los cambios. Hoy el secretario académico dice que no se harán. Me gustaría pensar que realmente se retractaron.

jornada

Pensé que lo mencionarían en la sección de estados, perdida entre otras noticias, pero lo pusieron en la contraportada y con letras grandotas. Aquí está la nota completa.

untitled

Ya salió Bleeding Light, lo nuevo de Aarktica, y en un par de meses llega el Untitled de Autechre (no es que no hayan escogido el nombre todavía, así se llama). Ah, sí, también volvió Erasure, y traen a Client de acto abridor en su gira (Dios los cría). Todavía no lleva dos meses y el 2005 ya pinta muy bien.

antiguo autómata mexicano: entrevista con ángel sánchez

El 20 de enero de 2005 el sello alemán Background Records (casa de Akufen, Portable y Jeff Milligan) sacó a la venta el disco Microhate de Antiguo Autómata Mexicano, proyecto de electrónica abstracta de Ángel Sánchez. Uno de los personajes clave del underground de Monterrey, Ángel es recordado principalmente por Alambrista y Slowmotionlove y ahora prepara un proyecto más, bautizado Seekers Who Are Lovers.

En los últimos 15 años te hemos visto tocar rock de guitarras, hacer de DJ y ejecutar electrónica minimalista. Eso sin mencionar tu participación en la prensa, el performance y otras disciplinas. ¿A qué responde esta multitud de intereses?

Con el tiempo se han ido sumando. La verdad es que no mezclo mucho mi trabajo digamos formal con mi trabajo artístico, son como dos esferas diferentes en mi vida. Ahora con lo que respecta a la diversidad de propuestas musicales que he tenido, puedo recordar que mi primer proyecto fue en 1985 y se llamó Oh! Cráneo, y curiosamente fue un proyecto de sintetizadores, eran las máquinas analógicas de Javier Mendiola, e hicimos un par de tracks que extrañamente eran como electro cumbias abstractas, jeje.

Luego ya me metí con la onda del noise-rock, muy inspirado en los primeros The Jesus and Mary Chain y My Bloody Valentine que hasta hoy es mi banda favorita. Hice Tango Trece, que se llamó también Sor Ye Yé, y más adelante se llamó Superdrogas, de ahí se derivaron Los Rotos, Alambrista y la primera fase de Slowmotionlove. Pasaron casi diez años de rock de guitarras cuando me compré una computadora y empecé la segunda fase de Slowmotionlove que derivó en el Antiguo Autómata Mexicano. Ya en el 2001 que fuimos al festival de arte sonoro en el DF yo abría la noche de Slowmotionlove con rolas del AAM.

Quiero agregar que hace semanas estaba escuchando una rola de Superdrogas que se llama "Mickey Mouse", está mal que lo diga pero ahí está hecho con mayor fuerza e inteligencia lo que luego hizo Jumbo, Zurdok y otros en Monterrey, además de que esa rola alguna vez estaba entre las favoritas de una estación de radio en California.

Una pregunta técnica, ¿qué equipo usas para crear la música de AAM?

Uso dos computadoras, una PC y una Mac; genero los sonidos con diferentes híbridos armados en Reaktor y los mezclo con Ableton Live, posproduzco con Sound Forge y masterizo con T-Racks. Pero esto no así de lineal, salto de un punto a otro hasta que llego al sonido que quiero.

Como Murcof o ISAN, Antiguo Autómata Mexicano hace música que es tan cerebral como cálida. Suena a paradoja, pero escuchando los avances de Microhate comprobamos que esa combinación es posible. ¿Cuál es tu proceso creativo? ¿De dónde proviene esa música?

Yo me baso en la improvisación, nunca parto de una idea previa musical, al revés de como cuando hago rolas rock acá no tarareo ni pienso en un motivo, más bien trabajo con las máquinas, cargo samplers de ruido que hice con una, en otro procesador, y de ahí voy llegando a rítmicas hechas con ambientes, y ambientes hechos con rítmicas. Cuando encuentro coincidencias entre diversas masas sónicas, es entonces que surge un tema. Ahora cuando dices "cerebral y cálida" yo creo que esa es una de las ventajas de la música a la que he llegado con el AAM, porque incluso mucha gente que conoce mi rollo abiertamente noise, me dice, "oye no me esperaba que el AAM estuviera tan calmado", en realidad con AAM quiero llevar la abstracción del noise a la sutileza del minimal techno, y los abigarramientos ambient a la discreción del glitch beat. Es como unir a Kevins Shields con Alva Noto, je.

¿Cómo llegó el contacto con Background Records?

Yo le di un demo mío a Jan Jelinek cuando alternamos en el Cadaqués en octubre del 2003, y él se lo dio a Andy Vaz de Background. Yo iba a sacar un disco en Polyfusia , una compañía inglesa del mainman de Seefeel, Mark Clifford, pero nunca se hizo el deal, así que llega una carta de Vaz justo cuando yo me aventuraba a hacer dos presentaciones en Europa, y me cayó de lujo. Vaz me propuso que le enviara el material más actual, que era digamos lo que yo había compuesto a inicios del 2004. Así surgió Microhate, que por otro lado está cabrón en el sentido de que estoy en un catálogo en donde hay gente como Kit Clayton, Jeff Milligan, Akufen o Terrence Dixon. Es decir, ¡un honorazo!

Hace poco escribiste en Vuélvete Underground que tener la historia completa de la música al alcance de un download aceleraba la disolución de los géneros. ¿Cómo imaginas la música dentro de una o dos décadas?

Yo me refería más bien a que la disolución de los géneros había potenciado un nuevo tipo de comprensión de la música fuera de cultos y de círculos de identidad. El rollo del internet es más bien la posibilidad totalmente abierta de tener en tu casa la historia de la música, según como tú te la quieras armar. En diez años las cosas solamente serán más radicales en ese sentido, los géneros habrán desaparecido en el sentido real de la creación sonora, porque en el del mercado habrá más etiquetas como mercancías. En términos creativos yo creo que más en un rollo de ciencia ficción, ojalá que se generen cientos, miles, de Brian Eno, je.

¿Si aceptaras incluir a AAM dentro de un género cuál sería? No tiene que ser uno que ya exista, se vale inventar términos.

Yo manejo que es abstract groove pero en realidad es algo así como post apocaliptic-post romantic, je.

El CD de Seekers Who Are Lovers aparecerá con tu propio sello, otrascosas x otrasmusicas. ¿Qué otros proyectos tienes en puerta?

Los CDs de SWAL serán como EPs con cuatro canciones cada uno, muy limitadas las ediciones. Aunque espero tocar más en vivo este proyecto en Monterrey que el AAM, que es más mamón o menos accesible. SWAL es como regresar a mi base de cancionero. Estoy ahorita trabajando en una serie de conciertos mensuales de artistas nacionales y locales que organiza Culturas Populares de Conarte. Luego en abril presento mi disco con una tocada de AAM y de invitado especial Andy Vaz desde Alemania, en un evento de Radio Nuevo León 1510 a.m., en el que viene Karras de la net label Filtro (www.filtro.com.mx) que están muy movidos en el rollo IDM mexicano, descárguenese en ese link los mp3 que vienen, están muy interesantes.

Menciona tres bandas o músicos que todo individuo vivo en el 2005 debería escuchar.

Uy, está difícil, aunque no son artistas nuevos en el sentido estricto yo recomendaría escuchar a Anthony Braxton, Eric Dolphy, Susumu Yokota, Wire y los Fancy Free.

Menciona tras bandas o músicos que se deban escuchar para entender mejor al Antiguo Autómata Mexicano.

My Bloody Valentine, This Heat y Neu!

Gracias por la entrevista y esperemos que Microhate llegue a todos los que sepan apreciarlo.

background-records.de
otrasmusicas.com

Apareció en Sonitus Noctis No. 8 (Febrero 2005).

ámbar

Un sueño. Se veían como esas piedritas de ámbar donde se quedan atrapados insectos prehistóricos. Pero no contenían insectos, las piedritas eran los insectos. Las calentabas y revivían. Las que eran apócrifas simplemente se derretían.

El que manipulaba las piedras no era yo. Era un chico que buscaba cosas en un desván, protagonista de una pieza que había grabado la sinfónica de esta ciudad, hace dos décadas. Yo encontré el caset con esa grabación en un negocio de antigüedades.

Por momentos era yo escuchando el caset, por momentos era el chico que jugaba con las piedras insecto. Luego las piedras se volvían una amenaza (no hacían nada, pero esas cosas se saben en los sueños). El caset terminaba con una voz desesperada que gritaba Qu'est ce qu'on fait?

dolor

El bibliotecario y una de las tutoras, frente al botiquín del instituto. 13:30 hrs. de hoy.

-¿Tú crees que sirva?
-Pues tiene paracetamol, ¿no?

Y así fue como ingerí la primera pastilla de Syncol de mi vida.

tyrell

Do Hypo-Allergenic Cats Dream of Altered Mice?

diamanda galás - defixiones, will and testament

Galás llevaba cinco años sin publicar un disco cuando irrumpió con dos álbumes dobles: Defixiones, Will and Testament y La Serpenta Canta. Ambos fueron grabados en concierto, sin acompañamiento (sólo su piano, su voz y un poco de manipulación electrónica), e incluyen la misma canción de Blind Lemon Jefferson, pero fuera de esas similitudes cumplen intenciones muy diferentes. La Serpenta Canta continúa la relectura de la música popular americana iniciada con The Singer (Mute, 1992) y Malediction and Prayer (Asphodel, 1998). Defixiones, Will and Testament es mucho más ambicioso en contenido e implicaciones.

Galás concibe sus presentaciones como experiencias catárticas, en las que se grita lo que usualmente se calla, lo más doloroso, para poder asumirlo y trascenderlo. Su tema principal desde los años ochenta había sido la epidemia del sida (que cobrara la vida de su hermano Philip Dimitri Galás en 1986). En Defixiones la tragedia sigue en familia, pues trata acerca del genocidio de armenios y griegos a manos de los turcos, ocurrido entre 1914 y 1923. Perteneciente a una familia de inmigrantes griegos en San Diego, Diamanda escuchó desde joven las historias de esa masacre, menos recordada que otras tragedias del siglo XX. Con Defixiones maldice ese olvido y retrata el horror con el horror.

En la primera parte de este álbum, subtitulada "The Dance", recurre a los textos del poeta Siamanto (uno de los intelectuales armenios asesinados por los otomanos), el sirio Adonis ("The Desert", extracto de su Diario de Beirut, 1982), Freidoun Bet-Oraham ("The Eagle of Tkhuma") y Pier Paolo Pasolini ("Holokaftoma"). Se debe evitar cuidadosamente la expresión "disco de denuncia", porque resulta insuficiente. Mucho menos podría considerársele un manifiesto contra Turquía: uno de sus mejores momentos es la canción de amor turca "Sevda Zinçiri". Simplemente es Galás en su vertiente más libre, saltando del recitativo al lamento y el aullido, con palabras más escupidas que pronunciadas, con su habitual virtuosismo al piano (esta chica debutó a los catorce con la sinfónica de San Diego) y una voz imponente. Un aterrador derroche emocional que, sin embargo, no pierde pie ni llega a los excesos de Litanies of Satan (Mute, 1982), aquella estridencia críptica a mayor gloria de Baudelaire, casi insoportable.

El segundo disco, con el subtítulo "Songs of Exile", es precisamente eso: una colección de textos de exiliados como Michaux ("Ja Rame"), Celan ("Todesfuge") y Vallejo ("Epístola a los transeúntes", interpretada como vals de salón decadente). Aquí se apega más al formato de canción, incluso posee dos piezas de rebetiko (género vernáculo griego, representado por "San Pethano" y "Anoixe") y un estándar del blues ("See That My Grave Is Kept Clean"). "Songs of Exile" es tan dramático como la primera parte del álbum, apenas un poco más fácil de digerir.

Defixiones está estructurado de tal manera que sólo cobra pleno sentido escuchándolo completo, pero puestos a escoger una sola canción sería la ominosa "Birds of Death", que además es de las pocas con letra y música de Diamanda. Independientemente de la importancia del tema y la investigación (musical e histórica) que hay detrás de Defixiones, este disco es el mejor registro que se haya conseguido de una de las intérpretes más viscerales y mejor dotadas de la música contemporánea. Imprescindible.

Diamanda Galás - Defixiones, Will and Testament (Mute, 2003)


Sobre el genocidio armenio: www.theforgotten.org

Apareció en Sonitus Noctis No. 8 (Febrero 2005).

kitchen

Escuchando compulsivamente: "Walking on Air" de King Crimson.
Leyendo: Viajes de un chef, de Anthony Bourdain, por motivos de trabajo, obviamente. Bueno, al menos éste es entretenido. La única reseña que he disfrutado, de las que he hecho para el instituto, ha sido la de Kitchen.



Banana Yoshimoto. Kitchen.
Tusquets. Barcelona, 1994.

La costumbre ha hecho que lo olvidemos, nos parece común y por lo tanto no lo notamos, pero la verdad es que ninguna persona debería dejar de asombrarse por la forma en que la humanidad sabe convertir sus necesidades en experiencias deleitables y estéticas. Debemos cubrir nuestros cuerpos para no sufrir el rigor del clima, pero no nos conformamos con esto, sino que hacemos de los atuendos uno de los registros culturales más interesantes de cada época. Todavía más férrea es la necesidad de alimentarse, condición mínima para conservar la vida. Por algo procurarle el alimento al que carece de él es tenido por toda cultura como el acto caritativo más elemental.

Pero no nos limitamos con saciar el estómago. Como en todo lo humano, hay un interés por sublimar esa experiencia, interés que deviene en arte culinario. Aunque los tratados de estética tienden a interesarse más por las creaciones que satisfacen a la vista y los oídos, bien haríamos en dedicarle más tiempo a las experiencias estéticas del gusto. En la literatura universal éstas han tenido sus grandes momentos: el buen diente de Sancho Panza, el banquete olfativo del “Viaje a la luna” de Cyrano o el torrente de recuerdos que desencadena la madalena de Proust, por mencionar algunos casos célebres. Sin embargo, en la literatura de las últimas décadas uno batalla mucho para encontrar un digno representante de dicho interés. No se puede recomendar los libros de Joanne Harris o Laura Esquivel sin sentirse estafador: los platillos que desfilan en ellos hacen agua la boca, pero difícilmente puede decirse lo mismo de sus recursos narrativos. Cuando pensaba que ya no encontraría una novela con acento culinario para reseñar, me acordé de Kitchen, de la japonesa Banana Yoshimoto (Tokio, 1964).

Con una prosa fluida y muy sencilla (es uno de esos libros que puedes regalar a un adolescente para que tome gusto por la lectura), Kitchen cuenta la historia, bellamente triste, de Mikage Sakurai, una joven que se ha quedado sola en el mundo tras la muerte de su abuela. Sólo se siente segura en la cocina (“el lugar del mundo que más me gusta”, como afirma en la primera línea de la novela), incluso duerme en ella, extendiendo su futon en el suelo para ser arrullada por el motor del refrigerador. Cuando Yoichi Tanabe, dependiente de una florería de la que la abuela de Mikage era cliente asiduo, la invita amablemente a vivir con él y su madre para que no siga sola, la protagonista acepta porque la cocina de ellos le inspira confianza. La formación de esta nueva familia, alejada en varios sentidos de la tradición, es una emotiva fábula acerca de la pena, el amor y la muerte, enmarcada por blanquísimos electrodomésticos y variedad de sopas. De hecho, la sopa aparece recurrentemente como signo del lazo emocional entre los personajes. Está la sopa ramen que Yoichi pide en un sueño de Mikage (hecho que asombrosamente coincide con lo que ocurrirá poco después en la vigilia), otro personaje se consuela de una tragedia con un plato de sopa Soba y en el final, Mikage, que para entonces ya es independiente y trabaja como asistente de chef, arriesga su vida escalando los muros de un edificio para llevar katsudon a Yoichi.

Sirva como ejemplo de la serena emoción de esta novela un párrafo tomado de ese episodio:

Todos creemos que podemos escoger nuestro camino entre muchas alternativas posibles. Pero quizá sea más adecuado decir que tomamos las elecciones inconscientemente. Creo que lo decidí, pero lo sé ahora, porque ahora soy capaz de ponerlo en palabras. Pero no lo digo en un sentido fatalista; constantemente tomamos decisiones. Con el aliento que tomamos a cada momento, con la expresión de nuestros ojos, con los actos que realizamos una y otra vez, cada día, decidimos como por instinto. Así que algunos de nosotros podemos encontrarnos un día, inevitablemente, rodando entre charcos sobre un techo, en un lugar extraño, paseando con un katsudon en medio del invierno, levantando la vista al cielo nocturno, como si fuera la cosa más normal en el mundo. La luna era tan bella.

ahab

Look ye, Starbuck, all visible objects are but as pasteboard masks. Some inscrutable yet reasoning thing puts forth the molding of their features. The white whale tasks me; he heaps me. Yet he is but a mask. 'Tis the thing behind the mask I chiefly hate; the malignant thing that has plagued mankind since time began; the thing that maws and mutilates our race, not killing us outright but letting us live on, with half a heart and half a lung.

Nos lamentamos de que nunca se haya filmado aquella Dune de Jodorowsky, con diseños de Giger, Salvador Dalí como el emperador y música de Pink Floyd. Era demasiado bueno para ser verdad, así que nunca lo fue. Pero el Moby Dick de 1956 sí existe y no se queda muy atrás.

La novela de Melville, dirigida por John Huston con guión de Ray Bradbury. Y Gregory Peck dando un Capitán Ahab cabronsísimo.

mephisto

Pasé a la disquera el chisme de que Mephisto Walz había quedado entre los diez discos del año para SN, para ver si el chicle pegaba y nos dejaban usar algún mp3. Los del sello me dieron pura máuser, pero Barry agradece el gesto:

Thanks so much for your support of our new release. Maybe we can use it on our website?
Bari-Bari/Mephisto Walz

pasmaria

Pues nada, que finalmente la gente chida está siendo publicada (y claro que escriben puras pasmareadas). En la última Letras Libres hay un artículo de Chimal sobre Monty Python, y en 24 x Segundo Zárate escribe sobre Lemony Snicket. De las publicaciones locales, la Mandarina trae a don Arthur curándosela de los pininos del rock regiomontano (¡ya no recordaba a las Bruxas!) y PD a Ángel Sánchez (AAM) revisando la carrera de Nick Cave. Pídalas a su voceador.

Leyendo: Cómo viven los muertos de Will Self (Mondadori, 2003). Escuchando obsesivamente: "Let the Wind Erase Me" de Assemblage 23 y "Chewing Gum" de Annie. Quiero ver: Foster's Home for Imaginary Friends y The Night Porter.

will eisner (1917-2005)

El pasado 3 de enero murió a los 87 años Will Eisner, el "padre de la novela gráfica" (de hecho, él acuñó ese término). Algunos de los comics más sonados de los últimos años, como la serie Persépolis de Marjane Satrapi, o el Sr. Jean de Dupuy y Berberian serían inimaginables sin el antecedente de Eisner.

I told Will, when we were walking, that even when I stopped reading comics I read The Spirit, and I told him that it was his Spirit stories that had left me wanting to write comics, and that the Sandman, like the Spirit, was conceived as a machine for telling stories.
Neil Gaiman.

Right from the beginning, he (Eisner) saw comics as art. He didn't have any compunction about it. He wasn't apologetic. He didn't have that 'yeah, sorry, I draw comics' kind of attitude that almost every other artist at the time did.
Michael Chabon.