nnedi okorafor

Este mes está apareciendo frecuentemente el nombre de Nnedi Okorafor. Salieron dos historias suyas en revistas online: The Book of Phoenix en Clarkesworld y Spider the Artist en Lightspeed. Focus Features International planea filmar su novela Who Fears Death, que sería dirigida por Wanuri Kahiu (la misma de Pumzi, corto keniano de Ciencia Ficción).

hartémonos

Christoph Schlingensief pide chotear las ideologías

En el documental Christoph Schlingensief and his films, Schlingensief (1960-2010) explica su modo de meter una película en el mundo. Si una ideología insatisfecha y nociva sobrevive de una generación a otra, cualquier día nos puede explotar en la cara.

Por eso hay que chotearlas, exagerarlas, hasta que a nadie le queden ganas de volverlas a usar. En su cine la caída de los nazis es un episodio ridículo y la reunificación de Alemania un refrito de The Texas Chainsaw Massacre.

Patton Oswalt quiere el a-pop-calipsis

En el muy citado Wake Up, Geek Culture, Time to Die Patton Oswalt pide la llegada del A-pop-calipsis: "Para salvar la cultura pop, debemos hacer que la actual cultura pop sea insufrible".

Que se harte de refritos, homenajes, trivias y coleccionismo. Que el efecto Seinfield no divierte caiga sobre todo.

el maestro y margarita, animación

El maestro y Margarita (la obra más conocida de Mijaíl Bulgakov) ha sido adaptada al cine y la televisión en varias ocasiones. Una de las adaptaciones que encontró más público fue la miniserie dirigida por Vladimir Bortko en 2005. Otra, una película de 1994 dirigida por Yuri Kara con música de Alfred Schnittke, se quedó enlatada: circula en internet desde hace tiempo y será lanzada oficialmente en 2011.

La novedad ahora es un largometraje de animación planeado por el estudio D3 Media Ukraine para el 2012. No he encontrado mucha información sobre él, sólo sé que no hay que confundirlo con la obra en proceso de Terentij Oslyabya, también animada.

Aquí está un avance sin subtítulos. Pueden ver a Poncio Pilatos, a Jesús y, claro, al gato Popota poniendo patas arriba el Moscú de los años treinta.

hitchcock

Dos respuestas de Alfred Hitchcock en la entrevista que le hizo Fletcher Markle para la televisión canadiense (1964).

-¿Usted no cree que las películas sobre impulsos criminales y las series de televisión sobre el crimen tienen una influencia (negativa) permanente en el espectador?

-Yo diría que tienen influencia en las mentes enfermas, pero no a las mentes sanas. Me recuerda cuando hice Psicosis. Un hombre fue arrestado en Los Angeles por matar a tres mujeres y supuestamente mató a la tercera luego de ver Psicosis, así que recibí llamadas de los periódicos, para que hiciera un comentario al respecto. Mi única pregunta fue "¿Qué película vió antes de matar a la segunda?" Probablemente, antes de matar a la primera todo lo que hizo fue tomar un vaso de leche.

En una ocasión un niño se me acercó en la calle, un niño de unos siete años, y dijo "Mr. Hitchcock, en esa escena del asesinato en Psicosis, ¿qué usó como sangre? ¿Sangre de pollo?" Y le dije "no, jarabe de chocolate". Dijo "OK" y siguió su camino. Nótese que la expresión del niño fue "qué usó como sangre?" No se creyó la sangre.

-Díganos, Mr. Hitchcock, ¿cómo imagina el cine del futuro?

-Veo la posibilidad, en el año 3000, que cuando la gente busque entretenimiento, si es que se necesita entretenimiento entonces, irá a un auditorio en penumbra, habrá una hipnosis masiva, y en lugar de identificarse con un actor en la pantalla, ellos podrán ser esa persona, y cuando compren el boleto podrán elegir qué personaje quieren ser. Vivirán la historia, será imbuida en ellos por algún modo de telepatía, sufrirán las agonías, disfrutarán el romance, y al final se encenderán las luces y ahí terminará todo.

Quizá es un deseo Hitchcock para no lidiar con los actores. Disney tiene el mejor método con actores: si no le gustan, los puede borrar.

Aquí un fragmento de esa misma entrevista.

¡yo quiero hablar de hitchcock!

Slavoj Žižek en la conferencia ¿Qué significa ser revolucionario hoy en día?

Mi experiencia, de luchas reales. Tengo amigas en Sarajevo que fueron heridas, violadas y sobrevivieron. Fue la Edad de Oro de las bromas crueles y brutales. Hablé con mujeres que fueron violadas y dijeron "la única manera de sobrevivir no es decir 'oh, ahora soy una víctima', sino convertir ese predicamento en un chiste sucio". Esto es vida real, no estoy mintiendo, esto no es un asunto intelectual. Durante la guerra en Yugoslavia fui a California, a dar una conferencia sobre Hitchcock, en el 92, y alguien me atacó. "¿Cómo te atreves a hablar de cosas triviales como Alfred Hitchcock cuando tu país está en llamas?" Exploté. ¿Así que él puede (hablar de Hitchcock) y yo no puedo? ¿Como soy de Yugoslavia sólo se me permite hablar de mi sufrimiento? Cambiemos los papeles. ¡Yo quiero hablar de Hitchcock, habla tú de mi sufrimiento!

Zoran Živković, autor de historias fantásticas, acerca de su búsqueda de una editorial. Hay un libro suyo en Minotauro, Historias imposibles, yo no lo he leído todavía.

A un editor sí le gustó mi novela. Pero concluyó que, aunque fuera buena, era de momento invendible. (Fue la primera vez en mi vida que escuché ese término usado en lo que yo creía un contexto predominantemente literario). Aun así recibí una segunda oferta de él. Escribir una novela de cien mil palabras sobre la guerra civil en Bosnia, en tres meses, de preferencia. No debía yo reprimir mi vívida imaginación cuando se tratara de atrocidades, violación en masa, campos de concentración y otras linduras parecidas que eran admiradas por la mayoría del público. Una novela así no sería sólo vendible, sino que probablemente entraría a las listas de best-sellers. El caballero se decepcionó al escuchar que no me interesaba ser un escritor por encargo, sin importar cuánto pensara pagarme.

enlighten up?

Puedo ver un documental cuyos argumentos no comparto si estéticamente está en lo correcto. Puedo ver uno argumental y estéticamente pobre si los registros que contiene me interesan. Puedo ver uno cuyo tema nunca me haya interesado, si el director lo convierte en una perspectiva general en lugar de un vicio para coleccionistas. Si están chistosos incluso puedo ver los que tienen estructura de infomercial, los que parecen decir "si no te convencen los datos lo intentaré validando tus prejuicios". ¿Cómo tiene que ser un documental para que no le encuentre gracia alguna? Debe ser como Enlighten Up!

Kate Churchill llevaba años practicando yoga en Nueva York. Empezó a cuestionarse los beneficios que obtenía de esa práctica. ¿Para qué revisar tus prioridades si puedes pasarle tus dudas a alguien más? FAIL. Contrata a un tal Nick Rosen que está desempleado para que visite centros de yoga mientras ella lo filma. ¿A Nick le interesa el yoga? No, la directora quiere demostrar que hasta alguien sin interés en el yoga puede beneficiarse de él. Si lo demuestra significa que hay esperanza para todos. MEGAFAIL. ¿Pero si tienes dudas no es mejor acercarse a los que saben? Kate cree en la ciencia. Y en la ciencia usas conejillos de indias, lo que le pase a ellos puedes aplicarlo a cualquier otro caso. Ciencias sociales, antropología, cría de roedores, todo es igual. RETEMEGAFAIL.

Bueno, ¿pero lleva al conejillo de indias con maestros confiables? Lo lleva con todos: un ex-luchador que es el gurú de las rubias californianas, post-neo-hippies que ven esa disciplina como un pilates con incienso, etc. CHINGOSMILFAIL. El conejillo de indias no vé nada claro y empieza a malviajarse con la directora. ¿Cuál es el premio? Llevarlo a la India. Ahora podrán ver a Nick entrevistándose con gurús de venerables barbas sólo para decirles "pus yo ni creo en estas cosas, aquí la de la cámara es la necia". AYNOMAMESFAIL.

Total que para sacarle provecho al viajecito Nick se liga a una hindú. Ya que el viaje de descubrimiento no sirvió para un carajo, ¿veremos los antros y ligues de la India? No, a estas alturas Nick y Kate están peleados, ni de chiste se va a filmar algo de la noche de juerga. YACOMOSEADAIGUALFAIL. El conejillo de indias lleva un mes en India, empieza a sentir nostalgia del terruño y le dan ganas de ver a sus padres. A eso se le llama homesickness, pero Kate decide que es una forma de autodescubrimiento. Regresan a Nueva York.

Y así se hace un documental sin gracia alguna.

el secreto de kells

El año pasado fue uno de los mejores que haya tenido el cine de animación. Las que encabezaban mi lista eran Mary and Max (que para acabar pronto la llamaría la mejor película de 2009) y Ponyo on The Cliff, pero no esperaba verlas entre las nominadas a Mejor Largometraje Animado de los Óscares. Una de las reglas no escritas de la Academia es que sólo puedes ser el caballo negro una vez, y ya antes han premiado a Adam Elliot (por el corto Harvie Krumpet) y también a Hayao Miyazaki (por El viaje de Chihiro). Entonces el lugar le corresponde a la irlandesa The Secret of Kells, que competirá con la incursión de Wes Anderson en el stop-motion (The Fantastic Mr. Fox), el regreso de Henry Selick (Coraline) y las de Disney-Pixar.

En esta oleada de animación cuadro por cuadro y animación digital en tercera dimensión, El secreto de Kells tiene una imagen y un sonido propios, ligados al lugar y tiempo en que ocurre. El huérfano Brendan vive en un monasterio irlandés del siglo IX, donde los monjes se debaten entre dos preocupaciones: protegerse de los saqueos vikingos e ilustrar sus manuscritos, especialmente el Libro de Kells (es decir El Evangelario de San Columba, que existe realmente y se conserva en el Trinity College).

Así, el estilo de la animación carece deliberadamente de perspectiva, de profundidad, a semejanza de las ilustraciones del Libro de Kells. Y Bruno Coulais (autor de la música en Microcosmos, Los coristas y Coraline) compuso para la ocasión un score con instrumentos tradicionales de Irlanda, tocados por el grupo Kila.

Lo estilizado de los personajes y escenarios a veces juega en contra de la historia. Como cuando Brendan busca una lente legendaria y enfrenta a la serpiente Crom Cruach para conseguirla (desoyendo los consejos de su protectora, el hada Aisling), el momento tiene más de viaje a los ochenta para jugar Centipide en el Atari que de rito de paso. De todos modos, el conjunto se sostiene, y la película tampoco es nada ingenua: el protagonista sabe que rescatar el libro y continuar ilustrándolo no va a detener ningún saqueo.

La recomiendo tanto como los títulos arriba mencionados, pero las que realmente no se deben perder son las ausentes de la premiación, Mary and Maxy y Ponyo on the Cliff.

great expectations and sea monsters

El trailer que vende una película como lo que no es. Pensaba que era un invento posterior, de los setenta por lo menos. Viendo Great Expectations de David Lean y hurgando en los extras del DVD salió un trailer de la época (1946), la selección de escenas la hacían parecer una peli de terror: "¿Qué secretos se esconden en esta mansión?", Pip bajando las escaleras escucha un alarido, la señora Havisham en llamas, luego Estella con la mirada perdida en un salón lleno de telarañas. En Dickens hay muchas cosas siniestras, pero este trailer dejaba a Great Expectations lista para un double feature con una de monstruos de la Universal.

el ed wood de monterrey

Luego de verlos acumularse en el fregadero durante un mes decidí que era hora de lavar los trastes. Como enjuagarlos me toma mucho tiempo, separé un par de horas por la noche para esta actividad.

Cuando iba por el segundo plato llegó Velia diciendo "Viene Marcelino, va a filmar aquí en el edificio, abajo".

Marcelino es un Ed Wood de la localidad. Planea largometrajes con presupuestos ínfimos y actores que cobran poco o no cobran.

La única que ha terminado es una policíaca donde Renán Moreno sale de malote. Trata de varios clanes de piratas de películas que se enfrentan entre sí por el control de Monterrey (a un tipo lo matan con un DVD usado como shuriken) y fue filmada en el Mercado Juárez, el Parque Fundidora y varias azoteas del centro.

Lo siguiente que Velia dijo fue "necesitan que el edificio esté a oscuras" y apagó los focos. Terminé de lavar trastes sin luz.

Sentía que algunos platos tenían incrustaciones y formas de vida rudimentarias desarrollándose en su superficie. En la calle se oían las instrucciones para los actores (un chico con barba y greñas de utilería, una chica de vestido azul). En algún momento la protagonista nos pidió prestado el baño para cambiarse.

Pregunté a Velia si en ésta no había balazos y respondió "No, es de amor, y lo que es peor: la escena romántica la van a grabar en mi cuarto".

la fundación de asimov al cine

Habrá una adaptación cinematográfica de "Fundación", la novela de Isaac Asimov. Eso lo sabíamos desde el año pasado, son las expectativas las que han cambiado mucho: originalmente tendría a los productores de "El Señor de los Anillos" (Bob Shaye y Michael Lynne) y sería dirigida por Alex Proyas, pero Columbia les ganó los derechos y la dejó en manos de Roland Emmerich.

Supongo que a Emmerich ("Independence Day", "Godzilla", etc.) sólo le contaron que la película era sobre el fin de la civilización y ya está alucinando secuencias de planetas explotando.

Dejando de lado la decepción que significa ver a Emmerich en el proyecto, lo más extraño es que hubiera varios estudios peleándose los derechos de "Fundación". Los libros de Asimov, y sobre todo la serie de las Fundaciones, tienen muy poco de lo que gusta a los estudios para hacer grandes películas veraniegas de CF.

De hecho, tienen poco de lo que gusta a cualquier guionista, sin importar el tamaño de su presupuesto, el género de la película o el público al que aspire.

Isaac Asimov es un autor de ideas y acciones

No es casual que, a pesar de la fama de este autor (fallecido en 1992) haya pocas adaptaciones de sus libros, y las pocas que hay (como "Yo Robot") tomen poco de los libros.

En el caso de Asimov estas alteraciones no son una traición, son casi una necesidad. En sus historias hay ideas (muchas muy interesantes) y acciones, pero los personajes que las piensan y realizan tienen pocos matices, y los escenarios que tales personajes habitan son descritos con gran economía de lenguaje. Para rematar, prácticamente no hay mujeres.

¿Cómo se adapta eso al cine? Pues inventando la mayor parte, porque el espectador necesita creerse los personajes y sus motivos, verlos dudar y fallar, interactuar con su entorno, no simplemente funcionar como instrumentos de la Historia en el mundo. Desde ya siento piedad por el guionista al que le dejen este paquetote.

Los casos de Enki Bilal y William Gibson

Hay todavía otro problema: que el público sienta demasiado déjà vu al verla. Cuando se estrenó "Immortel" (Enki Bilal, 2004) uno de los comentarios repetidos por críticos y espectadores fue que parecía una versión con humor negro de "El Quinto Elemento", cuando fue Luc Besson quien tomó préstamos del cómic de Enki Bilal.

De igual manera, si Chris Cunningham hubiera logrado su versión de "Neuromante", él y William Gibson habrían enfermado cuando el auditorio reconociera mucho de "Matrix" y "Swordfish" en ella (cuando el caso, de nuevo, es el contrario).

Con "Fundación" no se trata de una o dos películas que han tomado ideas de esa novela: prácticamente toda la CF cinematográfica y televisiva con imperios o repúblicas galácticos está en deuda con "Fundación". Sin ir lejos, Coruscant, el planeta capital de Star Wars, está calcado del Trantor de Asimov.

Pensándolo bien, no es mala idea que se haga la película. Podría causar un cisma en las iglesias jedi y trekkie del mundo, cuando sus fieles identifiquen la fuente de la que bebían sus ídolos.

cosas que aprendes al ver tinker bell

—Las hadas viven en una sociedad de castas.

—Su población femenina rebasa a la masculina en una proporción de 10 a 2.

—La distribución de los sexos es irrelevante: las hadas nacen cada vez que un bebé ríe por primera vez y un diente de león es llevado por el viento.

—Tinker Bell (aka "La Artesana Antes Llamada Campanita") es para su mundo lo que Henry Ford para el nuestro.

—A pesar de su amplio sector de servicios, la revolución en el mundo de las hadas inició en el de manufacturas, entre los artesanos.

—Esta revolución tenía como fin ganar el derecho a visitar Tierra Firme. Es como rebelarse contra el mundo por una semana en Xcaret. O Matamoros.

—Que Campanita sigue viéndose como Margaret Kerry en los años 50.

daniel el chucho

Hay películas que voy viendo en partes, durante varios años. Cuando las pasan por tele, cuando la tienen en casa de un amigo, etc. Scarface, por ejemplo, jamás la he visto completa, y por lo que he visto no tengo por qué hacerlo, pero se aparece en tantos lados que alguna vez veré la hora y media que me falta.

Lo mismo me ocurría con Danny the Dog. Es una peli muy breve (o esa impresión me deja), de las que produce Luc Besson con actores del cine gringo. La han estado choteando este año en TV Azteca y nunca la había visto completa, aunque siempre me quedaba enganchado en la misma escena.

Ya la han visto en otras partes, la chica bonita o el amigo llevan al retrasado/inmigrante/ex-ciego a que conozca la ciudad y sus encantos. Aquí Kerry Condon, una irlandesa her-mo-sa, pasea a un Jet-Li que sin muchos problemas pone cara de pendejo contento frente a todo lo que le muestran: lanchas en un lago, helados de vainilla, música de piano, etc. Es algo muy sencillo, pero es muy lindo. Esa es la palabra.

Sucede que eso está en medio de una cinta de acción, con villanos de caricatura y un héroe invencible, pero todo eso vale madres. Esa parte me la había recetado como cuatro veces, pero hasta ayer pude ver Danny the Dog completa. Conclusiones: pues cada vez que la pasen la dejaré, y si debo salir de casa esperaré únicamente a que llegue lo de las lanchas y los helados. Buen domingo y ojalá vean cosas que les hagan poner cara de pendejo contento.

in the nursery: man with a movie camera

Como otros grupos británicos de su generación, In The Nursery comenzó con un sonido industrial. Luego lo abandonó para desarrollar un estilo frecuentemente descrito como cinemático, y de esas bandas sonoras para películas imaginarias pasaron a las películas reales. A fines de los noventa los gemelos Klive y Nigel Humberstone recibieron una invitación, dentro de la serie Optical Music, para componer música que acompañara a clásicos del cine silente. El pasado 30 de octubre visitaron Monterrey para musicalizar en vivo Man With a Movie Camera de Dziga Vertov (1929).

La alineación habitual de In The Nursery incluye una vocalista (Dolores Marguerite C) y un percusionista, pero en sus incursiones cinematográficas el grupo consta únicamente de los Humberstone armados de laptop y guitarra eléctrica, una alineación compacta que les ha permitido viajar fácilmente a más ciudades.

En Monterrey actuaron en el jardín de la Zona Forum, por lo que Man With a Movie Camera tuvo un presentación inusual: fue proyectada en las diferentes pantallas que cubren los muros, produciendo la impresión de que tanto el grupo como los asistentes se encontraban cercados por las imágenes, un efecto favorecedor si consideramos las características de este documental.

Dentro la vertiente inagurada por Berlin: sinfonía de la gran ciudad (Ruttmann, 1927), y como lo haría décadas después la trilogía “Qatsi” de Godfrey Reggio, Man With a Movie Camera captura la vida urbana con la velocidad y los contrastes que la caracterizan. En ella vemos a un camarógrafo (el hermano del director) que recorre Kiev y otras ciudades soviéticas filmando el tráfico, las rutinas, los juegos y demás actividades cotidianas. Hay ritmo y composición, pero no una línea narrativa: la unidad la establece el ojo de la cámara y luego el del espectador. Y en este caso, la música, que aumentaba la sensación de motilidad y expectación. Lo que interpretó In The Nursery fue más atmosférico que incidental. Sólo cuando aparecieron en las pantallas una locomotora y una orquesta el grupo produjo ritmos y secuencias que emulaban las acciones del film.

Todavía unas horas antes de que iniciara la función ésta parecía improbable. Estaba anunciada en MySpace, pero no en la página del Fórum. A causa de la desinformación, prácticamente no acudió el público de In The Nursery, tampoco los cinéfilos. La audiencia se compuso en su mayoría de jóvenes que habían asistido a “La fragua del mundo” (el espectáculo emblemático) y al salir vieron actividad en la Zona Fórum. En todo caso, los Humberstone ofrecieron una actuación profesional, y tanto el sonido como las proyecciones funcionaron adecuadamente. Así que hubo incertidumbre y un público accidental, pero al final la música y el cine rebasaron estos inconvenientes.

Video: In The Nursery en Monterrey.

alphaville

La primera vez que el Sagaz vio una escena de Alphaville debió ser en 1986 u 87. Una madrugada. La estaban pasando por Imevisión, su madre se había quedado despierta viéndola. Cuando el pequeño Sagaz preguntó qué era aquello, su madre respondió "una policiaca, pero extraña, casi no hablan y la cámara se mueve raro".

Diez años después, el adolescente Sagaz fue con el Sr. Sensato a rentar Alphaville en el Blockbuster de la Avenida Leones. Tardaron como tres horas en verla completa, pues la TV que el Sensato tenía en su madriguera se iba oscureciendo poco a poco, hasta que la pantalla quedaba completamente negra. Cuando eso ocurría había que apagar la videocasetera, golpear el televisor, apagarlo, encenderlo y continuar con la función.

Ahora, diez años más tarde, la película se exhibe en el cineclub del Gargantúa. El Sagaz no podrá estar ahí para guiarlos, así que si van a verla y notan que hay problemas, tomen el proyector, apáguenlo, denle de golpes y enciéndanlo de nuevo. Así funciona esa película.

una chica kieslowski, como juliette, como irene jacob

Elisabetha me pasó la dirección para ver la escena de las marionetas en La doble vida de Verónica. Durante años confundí partes de esta película con otras de La cita (Techiné), hasta que las dos entraron en la rotación de Multicinema y pude ajustar mi memoria. Estoy hablando de cosas que pasaron en los noventa.

into great silence

En 1984 Philip Gröning solicitó a los cartujos permiso para filmar un documental sobre su orden. Ellos respondieron que se pondrían en contacto con él cuando estuvieran listos, lo cual ocurrió 16 años después. Luego vinieron dos años de preparación, uno más filmando y dos en post-producción. Into Great Silence (Die Grosse Stille) es un documental de tres horas que no utiliza narrador, iluminación artificial ni música.

andrei tarkovsky y antye greie fuchs

Una tarde de febrero Sonia dijo que le enviara una imagen para su fotolog, una que me gustara mucho. Mis primeras opciones fueron una escena de Jasper Morello y una fotografía de Andrei Tarkovsky filmando la secuencia final de Offret, la última película de su vida.

La escena consta de una sola toma, irrepetible porque durante ella arde una casa al fondo, mientras en primer plano los actores intentan que Alexander, el protagonista, suba a una ambulancia.

Esto ocurre el día que el mundo ya no debería existir, pues su desaparición estaba anunciada para la víspera, sólo que Alexander tuvo la puntada de pasar la noche con María (la bruja islandesa que hace de criada en su casa), acto que conjura la destrucción.

Lo de irrepetible fue una exageración: Tarkovsky la filmó dos veces, pues en el primer intento la casa se consumió con demasiada rapidez.

La escena conocida por Losing my Religion

El sábado asistí a dos cumpleños. Ambos de mujeres que cumplían el 7 de septiembre, que cayó en jueves, así que cada una decidió festejarse el sábado, que resultó ser el primer día de lluvias de este otoño.

En la segunda de estas reuniones, el hermano de la cumpleañera contó que había visto una función de danza basada en Tarkovsky. Lo primero que se me ocurrió fue la escena de la explosión en Offret, que tal como aparece en la película, sin necesidad de adaptación, ya parece pieza de danza.

Además, debe ser la secuencia de Tarkovsky más difundida, aunque no en su versión: fue recreada en el inicio del video para "Losing my Religion", transmitido hasta decir no más en los noventa.

Pero no, nunca hubiera adivinado lo que había visto este chico: bailarines simulando los movimientos de los lirios acuáticos en Solaris. Comenzaban en parejas, luego uno descendia por el cuerpo del otro, hasta abrazar sus tobillos, sosteniéndolo firmemente, lo que permitía al otro contonearse como lirio en el agua.

Podía resultar chusco o asombroso, dependiendo de los ejectutantes. No se dijo más al respecto.

AGF: Antye Greie Fuchs

El que faltó a ese cumpleaños fue Carlos "Pechan", con quien iba a intercambiar discos. No lo vi hasta el lunes, cuando, entre otras cosas, me llevó el Head Slash Bauch de AGF.

Lo escuché anoche y esta mañana busqué información sobre AGF: son las iniciales de Antye Greie Fuchs, la voz de Laub, "productora de poemas" y ahora también integrante de The Dolls, junto a Craig Armstrong y Vladislav Delay.

Lo primero que revisé en su página oficial fue su autobiografía, donde aparece esa escena de Offret.

Greie aclara que la canción "From Morning On", incluida en el disco Explode, es un homenaje a Tarkovsky. El poema que se escucha en ese track fue escrito por el padre de Andrei.

contra la pared (fatih akin, 2004)

Cahit Tomruk es un turco que reside en Alemania. Ya no es joven. Tuvo una esposa. Por lo que todavía puede distinguirse de su cuarto, también tuvo música, gustos y motivos. En el momento en que inicia la película ya no hay nada de eso, así que Cahit sale del bar, aborda su coche y lo estampa contra un muro. Todo lo que consigue es que le pongan un collarín y lo metan a una clínica para suicidas.

Sibel quiere comerse el mundo, pero de la casa de su familia sólo podría salir casada. O muerta. Así que se abre las venas y termina en el mismo sanatorio que Cahit. Un médico pasa lista a los pacientes. Cuando ella escucha el apellido de él, sin dudarlo se le acerca para decir: "¿También eres turco? Cásate conmigo". Y así lo hacen. Se supone que es una sociedad de conveniencia, cada uno conseguirá ahí lo que necesita para sobrevivir, nada de amor, sexo o similares. Claro que si ya vieron la foto de Sibel Kekilli sabrán que Cahit acabó enamorado. Y Contra la pared (Gegen die Wand) no es precisamente una comedia romántica.

Es una de mis películas favoritas del año pasado. Lo habitual es que les preste el disco o les busque una copia, pero esta vez no he podido conseguirla. Y tampoco podré verla por segunda vez, sólo me queda recomendarles que vayan mañana a la Cineteca, único día. Aquí está el trailer, que la verdad le hace poca justicia, comenzando porque no usa la música original: al inicio de cada capítulo una banda turca toca junto al Bósforo, y Cahit es fan de Siouxsie y The Birthday Party. Ahora que lo pienso, él mismo parece una especie de Blixa Bargeld venido a menos.

allegro (christoffer boe, 2005)

No del todo conscientemente, pero sí esperaba que Allegro se pareciera a Reconstrucción, la anterior película de Christoffer Boe y una que disfruté horrores.

En realidad, las imágenes de Allegro tienen todo el sello de Boe. También hay un protagonista cuya vida sentimental ha sido modificada por un hecho fantástico, lo que lo obliga a emprender una búsqueda. Pero las aspiraciones de esta nueva historia son mucho más modestas, desde su duración (88 minutos) hasta el tipo de conflicto que la ocupa: el pianista Zetterstrom no caza su vida futura, ni debe trabar una relación especial con alguien, sólo debe recuperar y aceptar su pasado.

Bueno, tampoco es poca cosa, menos si tu pasado quedó atrapado en un campo de fuerza en el centro de Copenhague, al que nadie puede penetrar si no conoce cuál puerta abrir y en qué momento. Toda esa parte me encantó, me recordó cosas de Las ciudades invisibles, también un cuento que leí de niño, "Ventana" de Bob Leman. Y la "intrusión" que cerca Central Park en Immortel, aunque lo de Boe es mucho más poético que la cinta de Bilal.

Si se resignan a que no será algo tan grande como Reconstrucción, encontrarán muchas bondades en este film. Dicen que a Boe, como a Winterbottom, ya le gustó probar géneros y que la siguiente será de terror. Suena prometedor.

Allegro se exhibe hoy en la Cineteca. Hay funciones cada dos horas, hasta las 22:00. Aquí puede verse el trailer.

l'équipier (philippe lioret, 2004)

Tuvo sus nominaciones al César, pero no hizo ruido fuera de Francia. No se estrenó en EU y ni siquiera tiene un título oficial de exportación (se llama El faro, The Light o Die Frau des Leuchtturmwärters, según dónde la busques). Lo cual es un error, L'équipier es magnífica.

Ocurre en una isla bretona, en los años sesenta. Antoine es devuelto de Argelia, luego de perder los dedos de la mano derecha. El gobierno le permitía escoger empleos de oficina, pero él quería ir al fin del mundo, a hacer algo que nunca hubiera intentado. Así que terminó cuidando del faro La Jument, aunque los del pueblo quieren echarlo desde que llega. Antoine encuentra su lugar: se hace de un amigo, Yvon, y de un amor, la esposa de Yvon.

No hay trucos ni malabarismos "de autor", este es un drama como los de antes, resuleto como pocos. Imprescindible.

Página oficial.

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L'équipier forma parte de la muestra internacional en la Cineteca. Ahí andan también lo nuevo de Christopher Boe y Park Chan-wook. Todavía estaba extrañado porque una película así encontrara poca distribución en el mundo, cuando supe que L'Armée des ombres (Jean-Pierre Melville, 1969) se estrena hasta ahora en cines de EU.