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7/29/2011

entrevista: sally whitwell

Sally Whitwell es una pianista y compositora australiana. Este año sacó su primer álbum, Mad Rush: Solo Piano Music of Philip Glass. A propósito de este disco le hice una breve entrevista por correo electrónico.

¿Por qué escogiste a Philip Glass para tu primer álbum?

De hecho fue una sugerencia de mi productor, que grabara música de Philip Glass. Para ser honesta, no tenía tanta experiencia con su música hasta ese momento. Si se trata de minimalistas, he tocado más la música de Steve Reich, Michael Nyman y Arvo Pärt. De todos modos, al investigar la obra de Glass y adentrarme en su música, he desarrollado un gran cariño y admiración por el arte de Glass. Siento que mis oídos se han expandido gracias a esta oportunidad y estoy muy agradecida por ello.

Este disco incluye "Dead Things", de The Hours. ¿Qué películas te gustan por su música?

Los scores que me vienen a la mente primero son el de Jonny Greenwood para There Will be Blood, el score de Yann Tiersen para Amélie, el de Bernard Herrmann para Psycho y el de Philip Glass para The Hours. Cuando los compositores jóvenes aprenden cómo escribir scores les dicen que nadie debería notar su música, que su música debe ser un sirviente para la acción. Eso no me agrada. Me gusta un score que hace notar su presencia, que comenta la acción, como un coro griego, o le otorga significado a un lugar, o un contexto emocional. Un score que es memorable en este sentido puede ser muy poderoso.

Para este disco decidiste memorizar la música. ¿Por qué?

Sencillamente, era la única manera en la que podía prepararme adecuadamente. Memorizar era la única manera que conocía para estar consciente de la arquitectura de la música, la cual considero un aspecto importante de cualquier ejecución. Son muchas páginas de notación las que se usan en la música de Glass, el intérprete no tiene oportunidad de distanciarse y ver la estructura, así que me procuré algunos métodos gráficos para hacerlo. Hice representaciones gráficas de la música en colores llamativos y formas simples. Me funcionó bien.

Has estado en México. ¿Cuál fue tu experiencia?

¡Me encantó estar en México! También vengo de un país que fue colonizado hace cientos de años por una potencia europea. Siempre me ha interesado ver cómo, si es posible, la cultura original y la cultura colonial u Occidental pueden coexistir. Unas naciones lo hacen mejor que otras (debo admitir que Australia no es de los mejores ejemplos). Me presenté en México con Gondwana Voices, un coro de niños de toda Australia, y tuvimos el privilegio de cantar con coros de niños mexicanos y argentinos. Recuerdo cuánto me gustó la engería de la música folklórica mexicana. Conservo un par de discos de música ranchera, a la que me aficioné cuando estuve ahí.

Trabajas con niños y jóvenes. ¿Qué composiciones o grabaciones recomendarías a un pianista joven?

Con jóvenes trabajo más en coros que enseñando piano. Mi consejo para cualquier aspirante a músico es escuchar cualquier cosa, de todo. De pequeña tenía música alrededor todo el tiempo, gracias a mi familia y su gusto ecléctico. Había mucho Beethoven y Schubert, Handel y Tchaikovsky, pero también The Beatles, Glenn Miller, Paul Simon y Frances Yip (mi madre es china, Frances Yip es una estrella en el mundo sinoparlante, ¡es la Barbra Streisand china!). Los mejores músicos que conozco son versátiles y, si comienzas una carrera en la música, mi consejo es mantener la mente abierta con respecto a la música que tocas o escuchas. No ser snob. ¡Date una oportunidad y podría sorprenderte lo que descubres!

¿Qué escuchas aparte de música clásica?

Algo de jazz, Thelonius Monk, Chet Baker, Lambert Hendricks & Ross, Jamie Callum, Paris Combo. Varios estilos de pop, Tori Amos, Rufus Wainwright, Regina Spektor y Ben Folds. Les tengo un cariño especial a The Beatles, también al sonido de David Bowie y Elton John en los años setenta. Recientemente he disfrutado a la banda con la que Philip Gass colaboraba, Polyrock. Muy interesantes. Básicamente, me gusta entrar a YouTube y seguir caminos al azar para hacer descubrimientos. Hay demasiada música allá afuera.

En tu blog llamaste al Stuart "un piano del siglo XXI para pianistas del siglo XXI". ¿Cuáles son las nuevas posibilidades de ese piano?

Es un instrumento único, y Wayne Stuart, el hombre que desarrolló la tecnología de este piano, es un individuo único. Las cuerdas han sido instaladas de manera diferente a las de un piano normal, lo que le da a las cuerdas mucha mayor resonancia, un rango dinámico y una claridad más amplios, tales que no había conocido en ningún otro instrumento. Para decirlo en pocas palabras es un instrumento más flexible, con un mayor rango de color disponible para el pianista. Es el instrumento perfecto para la música de Philip Glass, con su gran rango dinámico y un tono cristalino y brillante. Cuando tuve que tocar en la radio hace unos meses me pusieron enfrente un Steinway Concert Grand, ¡y no era suficientemente bueno! Me las arreglé, pero hubiera preferido el instrumento Stuart & Sons.

¿Cuál es tu siguiente proyecto?

Tocaré algunas fechas como solista que incluirán, además del repertorio de Philip Glass, obra de Michael Nyman y Yann Tiersen. Ha pasado mucho tiempo (quince años para ser exacta) desde que tocaba como solista. Me intimida un poco pero me emociona al mismo tiempo. También estoy componiendo dos piezas, una para coro infantil y orquesta encargada por la secretaría de educación de mi país, y una obra de varios movimientos para coro de mujeres, coro infantil y orquesta, que será ejecutada en un maravilloso festival australiano llamado Moorambilla en 2012. Estoy muy emocionada con estos nuevos proyectos.

Pueden seguir a Sally Whitwell en Facebook y Tumblr.

6/29/2011

renaldo kuhler y el país imaginario de rocaterrania

Renaldo Kuhler tiene 79 años y vive en Raleigh, Carolina del Norte. Ahora está jubilado, tiene un título en historia y trabajó desde 1969 como ilustrador naturalista. También ha pasado la mayor parte de su vida en su mundo imaginario al que llama Rocaterrania.

Rocaterrania se encuentra entre el estado de Nueva York y Canadá, cerca de los montes Adirondack. Fue fundada por inmigrantes, en su mayoría de Europa del este, y sus descendientes tienen poco contacto con los Estados Unidos y Canadá.

En este estado soberano se habla el rocaterranski, una combinación del alemán, el yidish, las lenguas eslavas y el español. En esa región la ropa de moda tiene algo de victoriana y militar.

No es una tierra utópica, ha pasado por varias dictaduras y guerras civiles. Kuhler pinta sus paisajes y a su gente, también escribe su historia, que en cierto modo es la de Kuhler.

El documental Rocaterrania, de Brett Ingram

Esta obra de toda una vida permaneció oculta hasta los años noventa, cuando un cineasta de Raleigh, Brett Ingram, trabó amistad con Kuhler y lo convenció de hacer un documental sobre su país imaginario, que no fue terminado sino hasta el año 2009.

Inevitablemente el caso de Renaldo Kuhler fue comparado con el de Henry Darger, que también fue objeto de un documental, In The Realms of the Unreal (Jessica Yu, 2004).

Pero Darger (1882-1973) llevó una vida de pobreza y reclusión, mientras que Renaldo es bien conocido en los bares de su ciudad, es generalmente amistoso y ha cultivado una apariencia peculiar que incluye una larga barba y gorra de maquinista. Peculiar en los Estados Unidos del siglo XXI, pero seguramente en Rocaterrania está al último grito de la moda.

Para saber más al respecto aquí está una nota del NY Times, un fragmento del documental y el trailer.

6/27/2011

la segunda vida de la revista pulp y la radionovela

Entre los años veinte y cincuenta del siglo pasado, dos espacios habituales para la ciencia ficción y la fantasía eran las revistas económicas y los programas de radio. Casi un siglo después esos géneros están adoptando un híbrido de la revista pulp y la radionovela, esta vez en línea.


Clarkesworld Magazine

El premio Hugo para una revista semi-profesional era tradicionalmente ganado por Locus. El Hugo 2010 lo ganó Clarkesworld, una revista en línea. Y prácticamente todos los cuentos nominados en los últimos premios Hugo provenían de revistas parecidas a ésta.

Su formato es muy sencillo, cada mes tienen una nueva portada, dos cuentos y dos podcasts donde se narran esos cuentos. Así que lo mismo puedes escuchar el cuento mientras conduces o leerlo en los ratos libres en el trabajo. Una característica de este sitio es la gran cantidad de escritoras jóvenes que publica, como Genevieve Valentine y Nnedi Okorafor.


Lightspeed Magazine

Como dije, hay más sitios con esta combinación de texto más podcast. Uno de los más profesionales es Lightspeed Magazine con cuentos de Bruce Sterling y Orson Scott Card. Lightspeed está dedicado exclusivamente a la CF, pero tiene un sitio hermano titulado Fantasy Magazine, donde han publicado historias de Jeffrey Ford y George R.R. Martin. Otro sitio dedicado a la fantasía es Beneath Ceaseless Skies.

Las revistas que he mencionado tienen base en los Estados Unidos, pero ya se está expandiendo su influencia, como puede verse en la sudafricana Something Wicked. La brasileña Hyperpulp acaba de sacar su número uno y podría seguir el mismo camino. Conozco varios sitios en español con cuentos de CF y fantasía, pero no recuerdo ninguno con este formato.

3/29/2011

ursula le guin y el copyright

Ursula Le Guin siempre ha sido difícil cuando se trata de reproducir o adaptar su trabajo. Hayao Miyazaki intentó en los ochenta hacer una versión animada de sus libros de Terramar, pero nunca consiguió el permiso de Le Guin, quien no estaba familiarizada con la obra de Miyazaki ni con la animación no-americana.

El director japonés tenía mala suerte de joven, tampoco lo dejaron hacer Pippi Longstocking. En 2006 Terramar terminó haciéndola el hijo de Miyazaki, en una versión que no le gustó a Hayao, ni a Le Guin (a mí tampoco).


Las críticas a Boing Boing y Google Books

En 2007 criticó a Cory Doctorow por incluír en BoingBoing un texto suyo sin su permiso. En una respuesta atípica en él, Doctorow pidió disculpas y quitó el texto. Cualquiera que de joven leyó los libros de Terramar puede poner en pausa su crítica al Copyright por no molestar a Le Guin.

En los últimos años su pleito ha sido con Google Books. Esta semana publicó un post más al respecto. Su crítica original era que el Gremio de Autores de su país llegó a un acuerdo con Google para poner los libros en línea sin consultar a los escritores. Así que dejó el Gremio y siguió escribiendo sobre el tema.

En el post más reciente dice que no está de acuerdo con las actuales leyes de Copyright, que tienen una duración exagerada, hecha a la medida de las corporaciones y no de la vida de los autores.

No tiene problema con que sus libros descatalogados estén en Google Books, siempre que Google pida permiso. Los comentarios que le dejaron están buenos, en lugar de atacar su postura (que puede sonar arcaica a los lectores de las últimas generaciones), explican aspectos legales del Copyright: por qué no respetarlo no se puede clasificar como robo, y por qué un cambio en esas leyes tiene que ser mundial para que funcione.

Al margen de sus broncas, el texto por el que tuvieron problemas ella y Doctorow es muy divertido, es una defensa de la literatura "de género" frente a la literatura, er, "literaria".


Diana Wynn Jones (1934-2011)

A propósito de Miyazaki y las escritoras de fantasía, el 26 de marzo murió Diana Wynn Jones, la autora de la novela Howl's Moving Castle. En The Guardian pueden leer el obituario que escribió Christopher Priest. Y aquí pueden ver las opiniones de Diana Wynn Jones sobre la película Howl's Moving Castle.

12/15/2010

el maestro y margarita, animación

El maestro y Margarita (la obra más conocida de Mijaíl Bulgakov) ha sido adaptada al cine y la televisión en varias ocasiones. Una de las adaptaciones que encontró más público fue la miniserie dirigida por Vladimir Bortko en 2005. Otra, una película de 1994 dirigida por Yuri Kara con música de Alfred Schnittke, se quedó enlatada: circula en internet desde hace tiempo y será lanzada oficialmente en 2011.

La novedad ahora es un largometraje de animación planeado por el estudio D3 Media Ukraine para el 2012. No he encontrado mucha información sobre él, sólo sé que no hay que confundirlo con la obra en proceso de Terentij Oslyabya, también animada.

Aquí está un avance sin subtítulos. Pueden ver a Poncio Pilatos, a Jesús y, claro, al gato Popota poniendo patas arriba el Moscú de los años treinta.

12/13/2010

los nuevos fisiognomistas

Para los practicantes de la fisiognomía (descartada como ciencia durante el siglo XX) las proporciones del cuerpo, especialmente del rostro, afectan el carácter de un individuo.

En The Physiognomy, la novela fantástica publicada por Jeffrey Ford en 1997, los fisiognomistas son al mismo tiempo policías y cirujanos plásticos. Pueden enviar a alguien a prisión por tener fosas nasales pequeñas, o intervenir quirúrgicamente a un habitante de La Ciudad Bien Construida para "repararlo".

El nombre serio para esta idea es FFH (Facial Feedback Hypotesis). Por fantástica y anticuada que suene, no toda la gente de ciencia la ha abandonado. Por ejemplo, vean el artículo The effects of BOTOX injections on emotional experience publicado este año en la revista Emotion.

Ahí Joshua Davis y Ann Senghas (Barnard College) defienden, como resultado de su investigación, que los pacientes tratados con Botox no sólo tienen menos expresiones faciales, también disminuye su capacidad para sentir emociones. Pueden leer más sobre esa investigación aquí.

10/27/2010

illy bleeding (1960-2010)

Ayer murió Illy Bleeding. Es el nombre que usaba en los escenarios Jaime Keller, cantante del grupo post-punk mexicano Size. El fin de semana tuvo un accidente a bordo de un taxi y no parecía haber sufrido un daño tan grave. Su último aviso en Facebook dice "A principios del mes que viene lanzaremos nuestro doble EP con Madame Records... espero que para entonces esté más que soldada mi costilla para darles un show como todos se merecen".

Se refería a las grabaciones con su nuevo grupo, Illy Bleeding y los Robotes Trucosos, con el que había hecho nuevas canciones y vuelto a grabar canciones de Size. Entre ellas "El diablo en el cuerpo", que ya sonaba en su nueva versión en estaciones de radio del DF.

Para los buenos críticos musicales del país, Size es un referente indispensable del rock mexicano. Sin pedir permiso hicieron post-punk al nivel que se estilaba en el resto del mundo. Hacían canciones en la cresta de lo moderno en una época sin MTV latino, sin internet y sin la etiqueta "Rock en tu idioma".

Aunque Keller no se había alejado de la música tras la desaparición de Size en 1984 (formó parte de varios grupos, ver la entrada de Wikipedia) fue hasta los últimos años cuando se lanzó al rescate de su pasado en Size. No verá la publicación del disco de los Robotes Trucosos ni la versión final del documental Size: Nadie puede vivir con un monstruo.

Size tuvo seguidores y marcó al underground nacional. Las revistas de fines de los ochenta e inicios de los noventa, al menos las que pretendían algo de seriedad, mencionaban al grupo como el pivote de una generación. Pero la celebridad masiva se la quedó la generación inmediatamente posterior. Mientras que los sudamericanos y los españoles hicieron un estandarte de su rock de esa época, Size no era algo que podías comprar en cualquier tienda de discos o pedir en la radio luego de la desaparición del grupo.

Tampoco había videos que los presentaran a las siguientes generaciones, ni solían ser mencionados como un antecedente por los grupos que sí conocieron el éxito nacional. En YouTube se les ha escuchado más que lo que se les escuchó en los años noventa.

Personalmente, me aburren los comentarios del estilo "ha muerto una leyenda" o "el rock nacional de luto". No son inapropiados pero lo mismo dicen de cualquier lelo que muere. Si haces sonar "El diablo en el cuerpo", "Me I Lost You" o "Daily Matrix" en una fiesta, me parece un homenaje más fino. No se trata de poner nada en altares ni hacer de plañidera, sino de hacer las cosas valiosas parte de la vida colectiva. Oprime "play" y que la gente baile. Muy buena vida la suya y gracias por las canciones, Jaime Keller. De pocos se puede decir eso.

P.S. El "álbum perdido" de Size, Nadie puede vivir con un monstruo, finalmente fue publicado en 2018 por Cleopatra Records.

10/20/2010

música en la nube

Apple y Google contra Spotify


Hablábamos aquí, al final de la entrada Música con y sin envase, sobre los servicios de música en streaming (o "en la nube", la que haces sonar en línea sin descargarla). La hipotética carrera para dominar ese mercado es entre Apple y Google. Hipotética porque no hay anuncios oficiales, pero sí evidencia de sus negociaciones con las disqueras. La meta es dar un servicio similar al que varios países europeos conocen desde 2008 con Spotify.

En el caso de Google la carrera podría incluír detenerse un momento en el modelo de iTunes y sólo después entrar al streaming. Una pausa poco comprensible, considerando que la música en streaming a nivel mundial podría dejar en el pasado a iTunes. "Si lo hacen bien esto acelerará la transición de los consumidores, de música que debes tener a un acceso ilimitado a música" dijo en septiembre Ted Cohen, ex ejecutivo de EMI, a Reuters.

En el caso de Apple los rumores no son sólo sobre un nuevo servicio de streaming, también sobre dificultar la entrada de Spotify a Estados Unidos (y de ahí al resto del mundo). ¿Qué tiene que temer Apple si domina el negocio de la música en línea? Basta leer la reseña de Spotify en BoingBoing.net: Dos semanas con Spotify (Veredicto: sencillamente funciona).


El caso Spotify


En los primeros meses de Spotify los comentarios eran que esa cosa tenía truco. Que probablemente era como esas dotcoms de la segunda mitad de los noventa, que aparentaban innovación y buen negocio por un tiempo para ser compradas por una empresa grande, y luego se descubría que no eran rentables.

La estrategia sonaba demasiado bien para ser real. El caso es que no se hundió y mantiene contratos con las cuatro disqueras grandes.

La segunda oleada de sospechas tuvo que ver con esos contratos con disqueras. Si para estar con Spotify necesitas una disquera eso significa un retroceso para la música independiente, esa era la crítica. Pero sucede que si un músico tiene su álbum o sencillo en cualquier sitio de descargas legales, así sea CDBaby, para Spotify cuenta como tener disquera.

Supongo que ese formalismo está ahí sólo para que no suban cualquier jam o improvisación que grabaron una madrugada en estado inconveniente. El extremo en este sentido es que una amiga sólo encuentra ciertos tracks de Billy Childish en Spotify.

Las críticas de este año tenían que ver con la poca ganancia que les quedaba de Spotify a los artistas. El epítome era Lady Gaga: por una de sus canciones tocada millones de veces en ese servicio recibe una cantidad que no alcanza para comprar uno de sus atuendos. La solución sería avisarle "oiga, nadie la obligó a firmar con Universal, si se sale de la disquera se entiende directamente con Spotify y ya no reparte el cheque con nadie".


Servicios freemium y premium


Esto último en realidad no es viable, menos para alguien que busca llenar arenas y aparecer en cada talkshow famoso. Sólo sería viable si la música en streaming fuera la norma, y si los proveedores de la música en streaming fueran los que controlaran todo el negocio, desplazando a las disqueras o absorbiéndolas. No es una posibilidad exagerada: actualmente las disqueras no dan con una solución para la debacle en ventas, y en iTunes es Apple quien impone las condiciones y los precios.

Lo que no le dijo Ted Cohen a Reuters es que la transición de los escuchas de la descarga al streaming también depende de qué ofrezca gratis el streaming. En We7 y Spotify el mejor servicio es para los suscriptores, pero se puede acceder a música de manera gratuita, sin sonido de alta fidelidad y con publicidad intercalada. Poseer las ventajas del streaming aunque sea con publicidad sería suficiente para que decayeran las descargas "ilegales".

Y en esta modalidad los socios reciben beneficios de la publicidad pagada (un anuncio en un servicio de streaming respaldado por Apple debería venderse muy bien) y la difusión. De las descargas "ilegales" no reciben ni un centavo. En cuanto a las disqueras, si planean seguir negociando al modo del siglo XX podrían convertirse en una reliquia del siglo XX.

Por lo pronto parece difícil que Apple quiera dar algo gratis con publicidad. Cruzo los dedos para que Google lo haga (tiene años haciéndolo en video y es parte de su éxito). Eso o que Spotify pueda saltar los obstáculos para llegar a todo el mundo.

10/17/2010

dawkins y de waal

La semana anterior vi el documental The Genius of Charles Darwin, escrito y conducido por Richard Dawkins. Terminé con el estómago revuelto. No soy uno de los creacionistas que le mandan hate mail a Dawkins, soy un tipo convencido del proceso evolutivo al que no le caen bien los patanes.

Sólo parte de The Genius of Charles Darwin está dedicada a Darwin. El resto es Dawkins haciendo berrinche porque no toda la humanidad acepta lo mismo que él acepta. Cuestiona a un grupo de adolescentes por no saber lo suficiente de la evolución. Pone cara de perrito regañado mientras lee los insultos que le mandan fanáticos religiosos. Se muestra contrito cuando lo ignora la presidenta de Concerned Women for America.

En cambio, cuando aparece en el documental Frans de Waal, la voz en off nos avisa que este primatólogo holandés ha estado en desacuerdo con las ideas de Dawkins, pero no se dice más sobre el asunto. Ayer de Waal publicó la entrada Morals Without God? en The Stone, el blog de filosofía del New York Times. Aquí una cita:

Uno tiene que ser inmune a los datos para dudar de la evolución, por eso los libros y documentales con la intención de convencer a los escépticos son una pérdida de tiempo. Son útiles para los que están preparados para escuchar, pero no consiguen su objetivo con el público al que van dirigidos.


De Waal dice estar "cansado de esos cuyo sistema de creencias es lo único que los separa de un comportamiento repulsivo", pero propone una fundamentación de la moral que parte del evolucionsimo sin tener problemas con las creencias de nadie. Hay más qué aprender y qué preguntarse en ese artículo que en un infomercial de dos horas de Dawkins.

9/02/2010

música, con y sin envase

Palabras de Artie Mogul, el hombre que metió a Bob Dylan a Warner Brothers Publishing:

Dylan, casi sin ayuda, eliminó Tin Pan Alley, fue el primer artista que pudo grabar un álbum de diez o doce canciones siendo el compositor de todas las canciones. Antes de eso, si Nat Cole grababa un álbum de doce canciones, doce compositores diferentes y doce editoriales diferentes hacían esas canciones.

Tin Pan Alley

La zona llamada Tin Pan Alley, en Nueva York, fue el epicentro de la música popular estadounidense desde fines del siglo XIX hasta la llegada del rock and roll. El Hollywood de la música pop antes de que se llamara pop. Los compositores llevaban sus canciones, se imprimía la partitura y se distribuía. Después el proceso incluyó la publicación de discos con intérpretes famosos.

No existía el prejuicio, común ahora, que considera al cantante que no escribe sus propias canciones como un intérprete menor o "prefabricado". Como en la música tradicional y en la ópera, había compositores e intérpretes, dedicarse a una de esas labores era una carrera completa.

Dylan no mató solo al sistema de Tin Pan Alley. Pero haber estado en ambos modos de creación musical, el de Tin Pan Alley y el del rock and roll (compositor a sueldo pero también intérprete) lo hace uno de los principales sospechosos. Durante los sesenta y setenta Motown trabajaba con un sistema parecido, y quedan algunos elementos de él en la industria actual.

El álbum

Por álbum no me refiero a un solo tipo de objeto (vinil, cinta o CD) sino a la colección de canciones reunidas bajo un mismo título.

No hace falta repasar la celebridad del formato álbum. Lo que no queda claro es si fue recomendable meter toda la producción de música popular de la segunda mitad del siglo XX en el formato álbum.

Dylan, Townshend y Lennon podían hacer periódicamente decenas de canciones y convertirlas en álbum. Pero por cada uno como ellos había cientos que no podían hacerlo (o tenían que reclutar a varios compositores y productores), y sin embargo todos sacaron álbumes. No únicamente sencillos o EPs como hacían Elvis y sus contemporáneos al iniciar sus carreras.

Así ha sido por cincuenta años. Intérpretes y managers que le apostaban a un sencillo, pero se sentían obligados a publicar álbumes, con la mayoría de las canciones compuestas, grabadas y promocionadas para entregarlas al olvido.

Álbum vs sencillo

"Las corporaciones son burocracias y los administradores son burócratas. Su tendencia elemental es perpetuarse. Son, casi por definición, reacios al cambio". No son palabras de algún activista en contra de las corporaciones, son de Alan Murray del Wall Street Journal (The End of Management, agosto 2010).

Así lo explica: "las compañías que dominaban el mercado se han perdido oportunidades determinantes en cada industria —computadoras (de mainframes a PCs), telefonía (de fija a móvil), fotografía (de rollo a digital)— no por culpa de una 'mala' administración, sino precisamente por seguir las reglas de la 'buena' administración".

En el caso de la industria discográfica, obedecía los parámetros de la administración y se pasó medio siglo tirando dinero; como todos lo hacían parecía normal.

Una vez que empezaron, no dejaron de hacer álbumes para esos músicos que apenas podían ofrecer un buen single, o ninguno. Con cada década aumentó el tiempo que tomaba producir un álbum y la gente involucrada en él.

Durante el ocaso de Tin Pan Alley y el alba del rock and roll no había tal problema. Si un intérprete no funcionaba en la radio, nadie perdía gran cosa: sólo le habían grabado una canción y lo habían hecho en un día en un solo estudio.

El álbum en tiempos de streaming

Las disqueras han lamentado su suerte desde el día que apareció Napster, hace más de diez años. ¿Y si el surgimiento de las descargas peer-to-peer significaba que había que cambiar la estrategia?

En las descargas de paga y la música en streaming, los usuarios escogen canciones y arman listas personales. Aunque las canciones estén organizadas en álbumes, ya no son adquiridas o escuchadas como álbumes, no necesariamente.

Las disqueras ya no tenían por qué sentirse obligadas a manufacturar álbumes (en realidad nunca estuvieron obligadas) como exipiente CBP (como en los medicamentos, "cantidad bastante para") un par de singles.

Además de liberarse del álbum y la manufactura, en estos servicios pueden colocar todo su catálogo, incluso lo que no pensaban reeditar físicamente y que sí tiene seguidores.

Kevin Kelly sobre las ventajas del streaming

iTunes ha tenido varios buenos años, pero no hay garantía de que sean muchos más.

Carece de interés para los coleccionistas de música, tampoco ofrece nada muy distinto de lo que los usuarios descargan por otros medios. Ahora hasta las apps para iPhone le ganan el mercado.

La música en streaming, como la que ofrecen Spotify, We7 o la estaciones de LastFM, es un caso aparte. Sobre las ventajas que encuentran los usuarios en esos servicios, cito unas líneas de Kevin Kelly:

Para mucha gente este tipo de acceso instantáneo y universal es mejor que ser dueño de algo. No existen las responsabilidades de cuidar, respaldar, catalogar, depurar o almacenar. Al ganar en accesibilidad los libros, la música y las películas van camino de convertirse en bienes sociales incluso si no se pagan mediante impuestos. Better than Owning (enero 2009)


Apple vs Spotify

En el caso de Spotify, gusta a los escuchas y sí paga a las disqueras (los artistas siguen llevándose la peor parte, pero eso provinene de su contrato con la disquera). Podría dominar la música en línea o la música a secas, y quizá habría sido la solución si se hubiera implementado desde el principio. Pero ha llegado tarde y sólo está disponible en algunos países de Europa.

El candidato ideal para tomar la idea de Spotify (un catálogo enorme para escuchar al momento) y venderla a todo el mundo es Apple. De hacerlo en el momento correcto, es una jugada que incluso podría dejar fuera a las disqueras.

Los rumores volvieron a sonar antes de la presentación que haría Steve Jobs esta semana, pero las novedades resultaron decepcionantes: sólo le agregó una red social a iTunes, llamada Ping. Otra oportunidad perdida, o postergada, en el negocio de la música. Luego se andan quejando.

7/08/2010

juan hernández luna (1962-2010)

"Violenta ciudad bajo el agua" podría ser la descripción de mi ciudad en este momento. Es el título de un cuento de Juan Hernández Luna, incluído en El hombre en las dos puertas, homenaje mexicano a Philip K. Dick. En él aparecen también cuentos de José Luis Zárate, Gerardo Porcayo, Bef, Alberto Chimal y Gerardo Sifuentes, nombres habituales de la ciencia ficción, fantasía y novela negra mexicanas.

En otros países, donde cuentan con más popularidad, esos géneros se leen, comentan y premian por separado, cada uno cuenta con sus espacios. En México iban de la mano para que tuvieran presencia. Los autores se conocen, son amigos.

Yo que nunca he pisado una convención internacional de ciencia ficción, lo más cercano a eso que he conocido eran las Jornadas de detectives y astronautas en la FIL de Monterrey. Zárate, Porcayo y Hernández Luna en una misma mesa, haciendo bromas para un público que compartía sus lecturas. Un ambiente muy distinto al de las demás presentaciones de la FIL.

Juan Hernández Luna hacía novela negra con denominación de origen. Naufragio toma su nombre de la canción de Agustín Lara que interpreta la Sonora Santanera. Uno de los personajes es un trasunto de Nacho Tréllez. En Tijuana Dream hizo de sus amigos Zárate y Porcayo el Dúo Económico, detectives de ocasión, acompañados por una periodista del mundo real, la joven Carmen Aristegui.

Como comentó en varias conferencias, le daban flojera las descripciones y los monólogos retorcidos. Sus novelas eran de acciones y decisiones. Breves y rápidas. Paco Ignacio Taibo II lo llamó "el más duro, el mejor, el relevo en la novela negra mexicana".

Obtuvo dos veces el premio Hammett en la Semana Negra de Gijón, por Tabaco para el puma (1997) y Cadáver de ciudad (2007). En 2005 impulsó un programa de fomento a la lectura entre policías de Ciudad Neza.

Nunca supe por qué su novela Yodo se llama así, no hay ninguna referencia al yodo en esas páginas. Tampoco podré pregúntarselo en una de sus presentaciones. Hoy murió a los 47 años, de un paro respiratorio.

Mi amiga Susana Ruiz me comentó hace años algo dicho por Juan Hernández Luna. "La literatura no te va a proteger del frío, pero puede protegerte de otro tipo de frío". Pero nada protege del último frío.

5/30/2010

the mocks - m is adventure

Con mayo termina la cuenta regresiva en el sitio wemocks.com, sale M is Adventure, el nuevo álbum de The Mocks, continuación del EP M is Correct (2008), disco de synthpop que mereció los mejores comentarios lo mismo entre blogs especalizados que en la prensa tradicional.

No hace mucho mencionamos aquí a The Mocks, en la entrada "Música mexicana para descargar", pues todas sus grabaciones se distribuyen gratis en línea.

Lo primero que hay que decir es que este disco incluye dos grandes momentos, "Bare Minimum" y "Flaunt", y que ambos hablan de ilusiones generacionales y cierta feliz artificialidad que las acompaña.

La primera es una declaración de derrota, del pequeño que soñaba con ser astronauta y termina en el área de atención a clientes. El segundo describe a una mega-estrella pop que bien podría ser un idoru de William Gibson, con pestañas postizas Shu Uemura y maquillaje metálico, de quien el público espera la mejor noche de sus vidas.

Como es de rigor en el buen pop, otras canciones son sobre relaciones sentimentales. Resulta significativo que tratan sobre el gozo de encontrar a alguien ("Golden Ring", "Lush") o sobre la resistencia a dejarse hundir porque una relación ha terminado ("On My Own", "You Made Me Change"). De autocompasión aquí no hay nada. Mención especial en esta línea para "On My Own", en esa bendita tradición de "música triste que se puede bailar".

Porque en M is Adventure todo se puede bailar. Ritmo sintético, instinto melódico profesional y un registro emocional alto.

Más que en el alud de synthpop con voz de chica que vivimos el año pasado, los encuentro influenciados por combos clásicos como Yazoo y OMD. Esta última referencia resulta obvia, dado que el grupo grabó un cover de Enola Gay en Rewind 2.

The Mocks son Ela y Blodo, quienes tienen su base de operaciones en Monterrey. En vivo se les unen Carreta y Coché para convertirse en una alineación de rock, con guitarra, bajo, batería y teclados.

Esta transformación no es accidental, antes que entusiastas de un género, The Mocks son avezados songcrafters, hacen piezas que igual puedes silbar, tararear o poner en una fiesta. Ahora con mejor producción, estas canciones cumplen con la expectativa que había generado su primer EP.

soundcloud / youtube / m is correct / m is adventure

4/19/2010

battlestar galactica

Dicho lo anterior (que el final de Battlestar no tiene gracia) agrego que sí, es la mejor serie de CF que haya visto. Nunca me gustó del todo que unos personajes pudieran revivir, ni ese Deus ex machina (dios adorado por las máquinas en este caso) que metía mano para que se cumplieran las profecías. Le restaba importancia a las acciones de los peronajes, pero tampoco eran ocurrencias de última hora, eran premisas de la historia. El televidente ya sabía, sobre todo a lo largo de las temporadas tres y cuatro, que en la conclusión ambas cosas iban a pesar.

1. Desde el principio tuvo una sola dirección. Los humanos sobrevivientes de las 12 Colonias se fueron a buscar la Tierra. La historia termina cuando comienzan a habitar la Tierra. Era tal la atención a esa línea argumental que las películas (Razor y The Plan) abordan los mismos acontecimientos, desde la perspectiva de personajes de los que sabíamos poco en la serie. Todos tienen su propia voz y sus propios motivos.

2. No hay secretos inútiles. Una forma barata de crear tensión es mostrarlo todo como lo vería un ojo omnisciente y ocultar arbitrariamente aquello que daría la clave de la historia. En Battlestar la única forma de que el espectador no supiera algo era cuando ninguno de los personajes lo sabía, como en el caso de los Últimos Cinco cylon: ni los Últimos Cinco sabían que ellos eran.

3. No depender del amor romántico. Otra forma barata de crear tensión: mantener en vilo una relación o la posibilidad de una relación amorosa. A lo largo de la trama se forman parejas, simplemente ocurre, su posibilidad o su continuidad no está ahí para crear expectación. Si resulta que tu amorcito era un cylon, entonces hay problemas, pero derivan de eso, de ser un frakking cylon (para el que apenas vaya llegando, en las 12 Colonias fuck se dice frak).

4. Esta gente come, vive y parrandea. Las batallas entre vipers y cylon raiders no lo son todo en la vida. Hay televisión de entretenimiento, música (en un capítulo usan "Metamorphosis 1" de Philip Glass), grilla, fiestas, etc. A veces el principal problema es encontrar alimento o combustible, y el que lo encuentra es un héroe, igual que si hubiera ganado un combate.

5. Santos o villanos, ninguno. El almirante Bill Adama llevó a todos a buen puerto, pero también fue el que rompió la tregua con los cylon en principio. Baltar no sabía que por andar de chiflado iba a comprometer a toda la humanidad (y tampoco dejó de andar de chiflado). Cada rebelión es armada por individuos que se sienten traicionados por sus guías. Ataca el que teme no sobrevivir si no ataca.

Es una historia completa, con buen ritmo y personajes complejos. Un drama moldeado sobre el esqueleto de una space opera sin los vicios de la space opera. No entiendo cómo consiguieron financiarla, el proyecto debe haberse escuchado de lo más bobo.

Este año inició Caprica, serie que cuenta la vida en una de las 12 Colonias durante la creación de los cylon. Es un híbrido de varios géneros de ficción y un gran patio de juegos: físicamente Caprica City podría ser Nueva York, pero las tradiciones y formas de convivencia en ella son muy otras. Podría cambiar varias reglas del juego en las series de TV o ser cancelada tras la primera temporada.

3/22/2010

el festival mtymx

Hoy termina el MtyMx, festival de tres días organizado por Todd P y YoGarage en el Autocinema Las Torres de Monterrey.

El festival de Todd P en Monterrey

Durante el fin de semana el MtyMx fue marcado por cancelaciones, retrasos y poco público (pensado para 2000 personas, a simple vista el festival tiene unas 500), pero también por presentaciones como las de Acid Mothers Temple, Kria Brekkan, Dan Deacon y Andrew WK.

Las bandas extranjeras iban a ser transportadas desde Austin a Monterrey, pero la poca distancia entre las dos ciudades fue para algunas una jornada entera, mientras que otras prefirieron cancelar.

Anoche al micrófono Todd P colocó a la inseguridad de la ciudad como la principal razón para las cancelaciones, si bien en una entrevista con The Village Voice reconoció errores de organización: "no nací para manejar una línea de autobuses, de eso me doy cuenta ahora".

Explicaciones como la que dejó el grupo Kit en MySpace confirman estos problemas.

Entre los que se cayeron de cartel están No Age, Pocahaunted, Fucked Up, Washed Out, Anamanguchi, Lucky Dragons, Tanlines, Grant Hart, Beach Fossils, Javelin, Pictureplane y Small Black. Mientras tanto, en el MtyMx, los ajustes a la lista de bandas eran colocados en carteles pero no anunciados en el sonido local.

Kría Brekkan

La primer cima del sábado, todavía por la tarde, fue la ex-múm Kría Brekkan. Al modo de Julianna Barwick o Juana Molina, la islandesa (ahora neoyorkina) tomaba muestras de su voz y formaba con ellas loops, mantras y coros.

Al mismo tiempo, con sus movimientos, gesticulación y vestimenta (llegó a envolverse en su larga falda para una de las canciones) daba un performance espontáneo. Sólo al final recurrió a la guitarra para sacarle algo de folk etéreo.

El público que antes andaba entre quejumbroso y platicador se le cuadró.

Los Planetas

Entrada la noche, Los Planetas batallaron con el ingeniero de sonido para que apenas se escuchara la voz. A Jota no se le entendía ni jota.

Eso y un set cargado hacia el disco La leyenda del espacio (aunque sí sonó "Un buen día") hicieron anticlimática su actuación.

Acid Mothers Temple

Mientras Los Planetas vivían la tragedia del sonido podías ver a un japonés de largas canas paseando sobre el segundo escenario, como capitán colmilludo esperando que el viento sople de nuevo. Y sopló.

Acid Mothers Temple llegaron como cuarteto y con su sonido más user friendly. Claro que en el caso de Kawabata Makoto eso significa estallidos de psicodelia de 20 minutos, sin respiro.

Una guitarra terminó ensartada en una de las torres de iluminación, la otra hecha una lástima en el piso.

Hubo gritos llamándolos lo mejor del festival. Y sí.

Otros a destacar del sábado

Explode Into Colors, banda de tres chicas que consiste únicamente de sección rítmica y voz. El indie rock de libro de texto de Male Bonding y el pop electrónico sin prisas de Wet Hair (fino, pero pasó desapercibido para un público muy enfiestado).

Se celebró mucho al hiphop de Das Racist y el punk de las Coathangers, pero sospecho que la reacción tenía más que ver con su actitud.

Otros presentes: Coasting, Drawlings, El Resplandor (la banda más interesante de México en estos días), Teengirl Fantasy, Soho Riots, Videohippos, Yo Linares y Lázaro Valiente.

Telepathe

Las actividades del domingo comenzaron a la una de la tarde, con sesiones de danza contemporánea que incluyeron a Busy Gangnes.

Telepathe (el dueto donde Busy toca percusiones y canta) se presentó poco después, con un set sobrio y efectivo, donde se perdieron algunos de esos sonidos planeadores de synthe que hay en el álbum.

Dan Deacon

En la noche Dan Deacon se salió de guión en todos los sentidos.

Hizo de comediante, también siguió mezclando su música abajo del escenario y terminó ganándose a los que aguantaban el frío.

Otros a destacar. Andrew WK prometía fiesta y la dio. Ringo Deathstarr nos recordaron que el shoegaze no se lleva bien con las presentaciones en vivo, mientras que Piyama Party, banda con ecos de Los Planetas, tuvo mejor ecualización que Los Planetas. También presentes: Los Fancy Free, Antoine Reverb, White Ninja, Los Llamarada y Los Margaritos.

Hoy lunes comenzaron con High Places, les seguirá una decena de bandas y por la noche cierran Neon Indian, HEALTH y Liars.

Ver videos del festival

3/18/2010

alex chilton 1950-2010

Como muchos de mi generación, conocí a Alex Chilton por medio de This Mortal Coil, los covers de Kangaroo y "Holocaust" en el disco It'll End In Tears. Luego descubres que esas canciones vienen del Sister Lovers (también llamado Third) de Big Star, la banda de Chilton, una maravilla con música para todo estado de ánimo y para transformar todo estado de ánimo. La clase de cosas para las que se inventó el rock.

2/14/2010

hipatia, heroína del conocimiento y ahora del cine

Hace unos minutos terminó la entrega de los premios Goya en España. Ágora, la película de Alejandro Amenábar sobre la vida de la filósofa, matemática y astrónoma Hipatia se quedó con 7 goyas, uno menos que la gran triunfadora de la noche, el drama carcelario Celda 211. Ágora es una superproducción en inglés que recrea la Alejandría del siglo V, con la británica Rachel Weisz como Hipatia.

En principio desconfío de estas superproducciones "de época", porque gastan millones en recrear con CGI la antigua Roma o Jerusalén pero imprimen en sus héroes la corrección y los valores de nuestros tiempos. Así, el protagonista de Kingdom of Heaven (Ridley Scott, 2005) ejercía un liderazgo y una tolerancia deseados por el mundo post-industrial de aspiraciones democráticas, no por los cruzados, mientras que los espartanos de 300 (Zack Snyder, 2007) parecían más la línea ofensiva de un equipo de futbol americano, comandada por el quarterback Leónidas. Con todo y esa miopía histórica se pueden hacer films valiosos, pero anula los motivos para ambientar las películas en la antigüedad.

Ahora bien, ese mismo afán de dotar a los héroes del pasado de los valores contemporáneos podría jugar a favor de una biopic sobre Hipatia, una figura atípica en su época. En un lugar y tiempos predominantemente masculinos dirigía la escuela neoplatónica de Alejandría y cultivaba las ciencias, en la ciudad más cosmopolita y sabia del orbe (eso era una Ciudad del Conocimiento). Entre sus alumnos estuvo Orestes, el prefecto de esa región. Entre sus enemigos, el obispo Cirilo de Alejandría, a quien se culpa de inflamar los ánimos de la turba cristiana que la mató por ver en ella un bastión del paganismo.

Tampoco, como en otras biografías fílmicas, es inconveniente que se haya contratado a una belleza como Rachel Weisz para encarnarla. Según las crónicas de la época esta sabia era además guapa, y así ha sido representada en retratos imaginarios como los que hicieron Rafael Sanzio y Charles William Mitchell.

A Hipatia se le trata como una heroína del saber desde la Ilustración, pero en las décadas recientes su memoria ha sido preservada especialmente por el movimiento feminista y, en la cultura popular, por la dramática descripción de su vida que hizo Carl Sagan en su serie Cosmos. Sagan la presenta a ella y a la Biblioteca de Alejandría como símbolos de la lucha entre el saber y la ignorancia violenta.

2/12/2010

los festivales de marzo y abril

No eran ningún secreto los festivales que se organizarán este marzo en Monterrey aprovechando la concentración de músicos en el SXSW. Pero esta semana es cuando más ruido han hecho, luego de que se confirmara la presentación de Acid Mothers Temple y Andrew W.K. en el MtyMx All Ages Festival of Art and Music.

El MtyMx será del 20 al 22 de marzo, organizado por el promotor neoyorkino Todd P y los locales Garage. Además de Acid Mothers Temple y Andrew W.K. están confirmados Dan Deacon, Telepathe, High Places, Grant Hart (Hüsker Dü), No Age, los Fancy Free, Pocahaunted y varias decenas de bandas, además de artistas visuales, diseñadores, disqueras y editoriales independientes. Aquí pueden ver las notas que han publicado A.V. Club y Pitchfork sobre este evento.

Una semana antes, el 13 de marzo, llegan YACHT, Daedelus, Banda de Turistas y Sébastian Schuller, entre otros, al Festival Nrmal 2010. En éste también habrá videoarte y artistas urbanos como Eltono, Nuria Mora y Nano4814. Aquí está la nota que publicó Pitchfork al respecto.

Para seguir al tanto del MtyMx y el Festival Nrml visita We Shall Be Free, el blog sobre música en Monterrey.

Esos son los del marzo regiomontano. Del 23 al 25 de abril estarán Calexico, Corcobado, Empire of the Sun y más en el Vive Latino del Distrito Federal.

2/09/2010

el secreto de kells

El año pasado fue uno de los mejores que haya tenido el cine de animación. Las que encabezaban mi lista eran Mary and Max (que para acabar pronto la llamaría la mejor película de 2009) y Ponyo on The Cliff, pero no esperaba verlas entre las nominadas a Mejor Largometraje Animado de los Óscares. Una de las reglas no escritas de la Academia es que sólo puedes ser el caballo negro una vez, y ya antes han premiado a Adam Elliot (por el corto Harvie Krumpet) y también a Hayao Miyazaki (por El viaje de Chihiro). Entonces el lugar le corresponde a la irlandesa The Secret of Kells, que competirá con la incursión de Wes Anderson en el stop-motion (The Fantastic Mr. Fox), el regreso de Henry Selick (Coraline) y las de Disney-Pixar.

En esta oleada de animación cuadro por cuadro y animación digital en tercera dimensión, El secreto de Kells tiene una imagen y un sonido propios, ligados al lugar y tiempo en que ocurre. El huérfano Brendan vive en un monasterio irlandés del siglo IX, donde los monjes se debaten entre dos preocupaciones: protegerse de los saqueos vikingos e ilustrar sus manuscritos, especialmente el Libro de Kells (es decir El Evangelario de San Columba, que existe realmente y se conserva en el Trinity College).

Así, el estilo de la animación carece deliberadamente de perspectiva, de profundidad, a semejanza de las ilustraciones del Libro de Kells. Y Bruno Coulais (autor de la música en Microcosmos, Los coristas y Coraline) compuso para la ocasión un score con instrumentos tradicionales de Irlanda, tocados por el grupo Kila.

Lo estilizado de los personajes y escenarios a veces juega en contra de la historia. Como cuando Brendan busca una lente legendaria y enfrenta a la serpiente Crom Cruach para conseguirla (desoyendo los consejos de su protectora, el hada Aisling), el momento tiene más de viaje a los ochenta para jugar Centipide en el Atari que de rito de paso. De todos modos, el conjunto se sostiene, y la película tampoco es nada ingenua: el protagonista sabe que rescatar el libro y continuar ilustrándolo no va a detener ningún saqueo.

La recomiendo tanto como los títulos arriba mencionados, pero las que realmente no se deben perder son las ausentes de la premiación, Mary and Maxy y Ponyo on the Cliff.

2/03/2010

walter schmidt en el garage

A la una de la mañana del 30 de enero Walter Schmidt subió al escenario de Garage, en el Barrio Antiguo de Monterrey.

Como Carlos Robledo se había caído del cartel unas semanas antes, fue Ángel Sánchez quien presentó cada tema y acompañó con bajo y secuencias de laptop los sonidos que Schmidt sacaba al teclado.

Schmidt es una pieza clave del underground mexicano, lo mismo como periodista que como músico.

Desde fines de los setenta cultivó, en diversos grupos, géneros como el RIO (Decibel), el post-punk (Size) y el synthpop (Casino Shanghai).

En esta presentación dejó atrás esas historias e interpretó material relativamente reciente, de sus discos Bosque de niebla (2000) y Ríos de sangre (2005), más cercanos a la música concreta y la electroacústica.

En la conferencia de prensa dada un día antes en el Bar Reforma explicó que estos discos son temáticos. El primero gira en torno a la degradación del ambiente, el segundo es sobre el genocidio infantil a lo largo de la historia.

Ya en vivo, en una noche fría y tras una larga espera, Bosque de niebla le pareció demasiado abstracto al público.

Se veían unos a otros, seguían las pláticas. Mejor respuesta encontraron las piezas de Ríos de sangre, de sonido grave, denso y dramático.

La presentación duró una hora y tuvo una secuela la noche siguiente: un DJ set en la galería No Automático, que fue transmitido en vivo por Proyecto eMpTy (electronic positioning Monterrey).

1/10/2010

the knife - tomorrow, in a year

Cuatro años después de Silent Shout, su tercer LP que los puso en la mira de todo el mundo, el grupo sueco The Knife presenta un nuevo disco en el que se inician en un género que es cercano a sus presentaciones dramáticas y estilizadas, pero con el que no estaban familiarizados: la ópera.

El disco es Tomorrow, in a Year y se los encargó la compañía danesa Hotel Pro Forma. Los hermanos Dreijer lo hicieron en colaboración con los artistas alemanes Mt. Sims y Planningtorock. Olof Dreijer reconoce sin pena que antes del encargo ni siquiera había asistido a una ópera, pero le entusiasmó el cambiar de aires en lugar de regresar con un disco convencional de The Knife. Lo que sea que signifique "convencional" hablando de este grupo conocido por su electrónica rítmica, oscura y gélida.

Tomorrow, in a Year se basa en la vida de Charles Darwin y la forma en que su Origen de las especies modificó la noción que la humanidad tenía del mundo. Para realizar la música Olof pasó una temporada en el Amazonas haciendo grabaciones de campo que luego incluiría en el sonido de la ópera. Ésta se estrenó el pasado septiembre en Copenhague y luego tuvo una temporada en Atenas, a la que seguirán otras en Estocolmo y Munster.

El disco saldrá a la venta en marzo y de momento ya puede escucharse uno de sus tracks, "Colouring of Pigeons", en theknife.net