my name is marietta cashman

Entre 1967 y 1970 la adolescente Hannah M.G. Shapero aprovechó que su padre (el compositor Harold Shapero) estaba a cargo del estudio de música electrónica de la universidad Brandeis para usar el Buchla 100 de ese estudio. Llegó ahí a los catorce años y cuarenta años después subió sus grabaciones de adolescencia a Internet Archive. El álbum se llama My Name is Marietta Cashman pero no hay tal Marietta Cashman, "le puse el título en 1969 al modo de los títulos absurdos de Frank Zappa, escuchaba mucho a Frank Zappa entonces", explica. Actualmente Hannah se dedica a hacer ilustraciones y ha vuelto a la grabación de música electrónica.

esa canción que suena a cat power

El sábado vi a Girls en el Festival Nrmal y al comenzar una de sus canciones la tomé por un cóver de The Greatest de Cat Power.

Resultó que la letra era otra aunque toda la estructura de la canción sigue de cerca a "The Greatest". Hoy la busqué en Google y ya varios han pensado lo mismo.

En NME:

Every time this song begins, my brain goes ‘OH! It’s ‘The Greatest’ by Cat Power’ and I prepare to get foetal on the floor and weep. And then – this is the neat trick – it turns out to in fact be a song called ‘My Ma’ by Girls...

Uno de los comentarios en The Guardian:

Listen to the track My ma' and then listen to Cat Power - The Greatest. Don't you find the tracks to be a bit too similar? Structually they seem to be indentical.

Este post titulado Songs that Sound Like Girls' New Song la compara además con una de Flaming Lips y una de Built to Spill:

Not an obvious sound-alike, but very similar in its structure and sound. “The Greatest” opens Cat Power‘s 2006 album of the same name, and sets the mood for an emotionally reflective outing. Out of all four songs, this may be the best, but “My Ma” is a worthy number two.

Los comentarios en lastfm también la comparan con ese track de Flaming Lips y el de Cat Power (cinco veces):

''This sounds like cat power - the greatest'' [5]

los músicos también necesitan dobles

The Tree of Life (Terrence Malick, 2011)

En The Tree of Life el personaje de Brad Pitt es un músico frustrado, y en una escena hace que sus niños escuchen la cuarta sinfonía de Brahms, la grabación de Toscanini con la NBC Symphony Orchestra.

Acá está toda la música que aparece la película: al que encuentre a Toscanini le regalo un pony con alas.

Considerando que la versión de Toscanini pertenece a RCA (Sony), la de Karajan a Deutsche Grammophon (Universal) y que la película la distribuyó Fox en Estados Unidos, es un milagro que no terminarán usando una versión con instrumentos andinos.

Drive (Nicolas Winding Refn, 2011)

En una versión de Drive que circula en línea aparece Angelo Badalamenti como autor de la música.

Y la música de la película suena mucho a Badalamenti. El único detalle es que la hizo Cliff Martinez, quien recibió instrucciones del director de emular el europop de los ochenta.

Broma bien colocada: en su momento Badalamenti compuso "Mysteries of Love" con instrucciones de sonar a This Mortal Coil, porque no había dinero para usar un track de This Mortal Coil.

cuatro impresiones sobre el hellow fest 2011

Jay-Jay Johanson

El que menos tenía qué hacer en un festival, el que graba con orquesta pero viaja con sólo dos músicos, el de las canciones melancólicas y desveladas acá bajo el sol en un diamante de beisbol. Ése, Jay-Jay Johanson, fue el mejor. Como ver al Chet Baker cantante en un kiosko de pueblo cervecero. Y el otro tipo tocaba el Rhodes poniendo jetas de "¡tengo un Steinway, mamá!". Y aquel otro dándole a la batería con las baquetas de los timbales. ¿Lo habremos estado haciendo todo mal, llenando los festivales de "grupos para festivales"?

Dominant Legs

Cualquier cosa encima de ese escenario sonaba más fuerte que la voz de Ryan William Lynch. De ser corista/tecladista, Hannah Hunt pasó a voz principal gracias a los del sonido del Hellow, que mezclaron su propia versión de Dominant Legs. A este grupo se le descubrieron nuevos fans en los siguientes días, su efecto fue retardado, como pellizcón ninja.

Austin TV

Desde niños usamos expresiones asociadas con respuestas corporales incontrolables, aunque nunca las hayamos experimentado, o nos tome media vida experimentarlas o no lo hagamos nunca. Yo sabía que los dientes castañean de frío, pero hasta los 14 años me castañearon de frío por primera vez, lo recuerdo bien porque estaba haciendo fila para un examen de admisión para la preparatoria. Como muchos, también digo "zzzz", o "me duermen", cuando escucho a un grupo aburrido, pero realmente, incontrolablemente, nunca había dormitado con un grupo hasta que Austin TV se presentó en el Hellow Fest.

Thieves Like Us

¿Eran los que estaban vendiendo snacks?

entrevista: sally whitwell

Sally Whitwell es una pianista y compositora australiana. Este año sacó su primer álbum, Mad Rush: Solo Piano Music of Philip Glass. A propósito de este disco le hice una breve entrevista por correo electrónico.

¿Por qué escogiste a Philip Glass para tu primer álbum?

De hecho fue una sugerencia de mi productor, que grabara música de Philip Glass. Para ser honesta, no tenía tanta experiencia con su música hasta ese momento. Si se trata de minimalistas, he tocado más la música de Steve Reich, Michael Nyman y Arvo Pärt. De todos modos, al investigar la obra de Glass y adentrarme en su música, he desarrollado un gran cariño y admiración por el arte de Glass. Siento que mis oídos se han expandido gracias a esta oportunidad y estoy muy agradecida por ello.

Este disco incluye "Dead Things", de The Hours. ¿Qué películas te gustan por su música?

Los scores que me vienen a la mente primero son el de Jonny Greenwood para There Will be Blood, el score de Yann Tiersen para Amélie, el de Bernard Herrmann para Psycho y el de Philip Glass para The Hours. Cuando los compositores jóvenes aprenden cómo escribir scores les dicen que nadie debería notar su música, que su música debe ser un sirviente para la acción. Eso no me agrada. Me gusta un score que hace notar su presencia, que comenta la acción, como un coro griego, o le otorga significado a un lugar, o un contexto emocional. Un score que es memorable en este sentido puede ser muy poderoso.

Para este disco decidiste memorizar la música. ¿Por qué?

Sencillamente, era la única manera en la que podía prepararme adecuadamente. Memorizar era la única manera que conocía para estar consciente de la arquitectura de la música, la cual considero un aspecto importante de cualquier ejecución. Son muchas páginas de notación las que se usan en la música de Glass, el intérprete no tiene oportunidad de distanciarse y ver la estructura, así que me procuré algunos métodos gráficos para hacerlo. Hice representaciones gráficas de la música en colores llamativos y formas simples. Me funcionó bien.

Has estado en México. ¿Cuál fue tu experiencia?

¡Me encantó estar en México! También vengo de un país que fue colonizado hace cientos de años por una potencia europea. Siempre me ha interesado ver cómo, si es posible, la cultura original y la cultura colonial u Occidental pueden coexistir. Unas naciones lo hacen mejor que otras (debo admitir que Australia no es de los mejores ejemplos). Me presenté en México con Gondwana Voices, un coro de niños de toda Australia, y tuvimos el privilegio de cantar con coros de niños mexicanos y argentinos. Recuerdo cuánto me gustó la engería de la música folklórica mexicana. Conservo un par de discos de música ranchera, a la que me aficioné cuando estuve ahí.

Trabajas con niños y jóvenes. ¿Qué composiciones o grabaciones recomendarías a un pianista joven?

Con jóvenes trabajo más en coros que enseñando piano. Mi consejo para cualquier aspirante a músico es escuchar cualquier cosa, de todo. De pequeña tenía música alrededor todo el tiempo, gracias a mi familia y su gusto ecléctico. Había mucho Beethoven y Schubert, Handel y Tchaikovsky, pero también The Beatles, Glenn Miller, Paul Simon y Frances Yip (mi madre es china, Frances Yip es una estrella en el mundo sinoparlante, ¡es la Barbra Streisand china!). Los mejores músicos que conozco son versátiles y, si comienzas una carrera en la música, mi consejo es mantener la mente abierta con respecto a la música que tocas o escuchas. No ser snob. ¡Date una oportunidad y podría sorprenderte lo que descubres!

¿Qué escuchas aparte de música clásica?

Algo de jazz, Thelonius Monk, Chet Baker, Lambert Hendricks & Ross, Jamie Callum, Paris Combo. Varios estilos de pop, Tori Amos, Rufus Wainwright, Regina Spektor y Ben Folds. Les tengo un cariño especial a The Beatles, también al sonido de David Bowie y Elton John en los años setenta. Recientemente he disfrutado a la banda con la que Philip Gass colaboraba, Polyrock. Muy interesantes. Básicamente, me gusta entrar a YouTube y seguir caminos al azar para hacer descubrimientos. Hay demasiada música allá afuera.

En tu blog llamaste al Stuart "un piano del siglo XXI para pianistas del siglo XXI". ¿Cuáles son las nuevas posibilidades de ese piano?

Es un instrumento único, y Wayne Stuart, el hombre que desarrolló la tecnología de este piano, es un individuo único. Las cuerdas han sido instaladas de manera diferente a las de un piano normal, lo que le da a las cuerdas mucha mayor resonancia, un rango dinámico y una claridad más amplios, tales que no había conocido en ningún otro instrumento. Para decirlo en pocas palabras es un instrumento más flexible, con un mayor rango de color disponible para el pianista. Es el instrumento perfecto para la música de Philip Glass, con su gran rango dinámico y un tono cristalino y brillante. Cuando tuve que tocar en la radio hace unos meses me pusieron enfrente un Steinway Concert Grand, ¡y no era suficientemente bueno! Me las arreglé, pero hubiera preferido el instrumento Stuart & Sons.

¿Cuál es tu siguiente proyecto?

Tocaré algunas fechas como solista que incluirán, además del repertorio de Philip Glass, obra de Michael Nyman y Yann Tiersen. Ha pasado mucho tiempo (quince años para ser exacta) desde que tocaba como solista. Me intimida un poco pero me emociona al mismo tiempo. También estoy componiendo dos piezas, una para coro infantil y orquesta encargada por la secretaría de educación de mi país, y una obra de varios movimientos para coro de mujeres, coro infantil y orquesta, que será ejecutada en un maravilloso festival australiano llamado Moorambilla en 2012. Estoy muy emocionada con estos nuevos proyectos.

Pueden seguir a Sally Whitwell en Facebook y Tumblr.

un festival de 1997

Boleto de un festival en el Gimnasio Nuevo León (Monterrey) con La Función de Repulsa, Alambrista, Disolución Social y otros. 24 de mayo de 1997. Curiosidades del día: la música empezó muy temprano, la bajista de Vestido (banda de chicas de Reynosa) tocaba y cantaba saltando en una pogo-ball y los Carnes Usadas (que no aparecían en el cartel) traían a un chico disfrazado de vaca que bailaba frente al grupo.

para escuchar lastfm desde chrome

Cada tanto Spotify te dice "Vamos, los dos sabemos que no estás en Manchester. Ya paga una suscripción, ¿no?". Me la hizo de nuevo. No me apetece descargar música y Grooveshark se mueve como si nadara en arena, así que me he refugiado en este Lastfm Free Music Player. Es una extensión para Chrome que toca cualquier cosa disponible en Lastfm y, claro, hace scrobbling. Me está gustando mucho.

la payola de james blake

No es un secreto que algunos de los nombres más seguidos en Twitter cobran por hacer anuncios. Lo hacen actores y cantantes, pero también Roger Ebert y Maria Popova recomiendan películas o libros a la venta en Amazon.

En todo caso, es notoria la diferencia entre sus tweets personales y los que hacen por encargo. Es fácil distinguir entre un berrinche a causa de una película sobrevalorada y un "Hoy sale a la venta la edición especial de Barton Fink, sólo $8.99".

A James Blake lo hubiera olvidado a los cinco minutos de escuchar sus música, lo suyo son canciones anémicas. Se atoró en mi memoria porque cada vez que leía su nombre pensaba que habían escrito James Blackshaw. Sólo por eso noté que era mencionado insistentemente en Twitter, pero no del modo habitual.

Si se sabe que Belle & Sebastian están en vivo en National Public Radio, muchos reproducen el mismo tweet de National Public Radio. Si viene un nuevo disco de Destroyer y los primeros en decirlo fueron PopMatters, muchos reproducen ese tweet de PopMatters. Lo de James Blake no era así: estaba siendo mencionado periódicamente en tweets de las mismas revistas.

Para comprobar que no me lo estaba inventando revisé la última semana de tweets de Pitchfork. Parece que el contrato es por una mención al día:

31 de enero: Check out the video for James Blake's "The Wilhelm Scream".

1 de febrero: James Blake's brilliant "The Wilhelm Scream" is named Best New Track.

2 de febrero: James Blake signs to Universal Republic in the U.S.

3 de febrero: James Blake's album get U.S. release date.

4 de febrero: Listen to James Blake's debut album now, plus the bonus track "Tep and the Logic".

Sólo faltó mencionar su color favorito. Ha de estar buena la payola.

vine a tu fiesta vestido de dj shadow

Empezó como una broma en Twitter y luego no pude detenerme. Son #pianomagicvariations, supongo que sólo tienen gracia para los seguidores de Piano Magic.

You can never get Lost (when you got no cable TV).

You can hear the Room of One's Own.

Wrong French Connection.

The unwritten Jude Law.

There's no need for us to be Home Alone.

Sketch for Joan Cusack.

Shot through John Carpenter's The Fog.

The sharpest knife in the drawer of Karin Dreijer.

Utah Saints preserve us.

Saint Marie Gillain.

On Edge (and the rest of frakking U2).

Not Vanity Fair.

The Nightmare on Elm street goes on.

Night of the Hunter S. Thompson.

Music critics won't save you from anything but silence.

Modern Jupiter Thunder Crash.

Love and muzak.

The Burger King cannot be found.

I must leave Boy London.

I came to your party dressed as DJ Shadow.

The drowning of Christopher Nolan.

Deleted My Scenes.

Dark secrets look for Pepsi Light.

Crown of the Lost's season finale.

The canadian brought us Low.

Artists' AK47s.

I have moved into the Twin Shadow.

When I'm done this night will feed me.

You never loved this city. That one is true.

illy bleeding (1960-2010)

Ayer murió Illy Bleeding. Es el nombre que usaba en los escenarios Jaime Keller, cantante del grupo post-punk mexicano Size. El fin de semana tuvo un accidente a bordo de un taxi y no parecía haber sufrido un daño tan grave. Su último aviso en Facebook dice "A principios del mes que viene lanzaremos nuestro doble EP con Madame Records... espero que para entonces esté más que soldada mi costilla para darles un show como todos se merecen".

Se refería a las grabaciones con su nuevo grupo, Illy Bleeding y los Robotes Trucosos, con el que había hecho nuevas canciones y vuelto a grabar canciones de Size. Entre ellas "El diablo en el cuerpo", que ya sonaba en su nueva versión en estaciones de radio del DF.

Para los buenos críticos musicales del país, Size es un referente indispensable del rock mexicano. Sin pedir permiso hicieron post-punk al nivel que se estilaba en el resto del mundo. Hacían canciones en la cresta de lo moderno en una época sin MTV latino, sin internet y sin la etiqueta "Rock en tu idioma".

Aunque Keller no se había alejado de la música tras la desaparición de Size en 1984 (formó parte de varios grupos, ver la entrada de Wikipedia) fue hasta los últimos años cuando se lanzó al rescate de su pasado en Size. No verá la publicación del disco de los Robotes Trucosos ni la versión final del documental Size: Nadie puede vivir con un monstruo.

Size tuvo seguidores y marcó al underground nacional. Las revistas de fines de los ochenta e inicios de los noventa, al menos las que pretendían algo de seriedad, mencionaban al grupo como el pivote de una generación. Pero la celebridad masiva se la quedó la generación inmediatamente posterior. Mientras que los sudamericanos y los españoles hicieron un estandarte de su rock de esa época, Size no era algo que podías comprar en cualquier tienda de discos o pedir en la radio luego de la desaparición del grupo.

Tampoco había videos que los presentaran a las siguientes generaciones, ni solían ser mencionados como un antecedente por los grupos que sí conocieron el éxito nacional. En YouTube se les ha escuchado más que lo que se les escuchó en los años noventa.

Personalmente, me aburren los comentarios del estilo "ha muerto una leyenda" o "el rock nacional de luto". No son inapropiados pero lo mismo dicen de cualquier lelo que muere. Si haces sonar "El diablo en el cuerpo", "Me I Lost You" o "Daily Matrix" en una fiesta, me parece un homenaje más fino. No se trata de poner nada en altares ni hacer de plañidera, sino de hacer las cosas valiosas parte de la vida colectiva. Oprime "play" y que la gente baile. Muy buena vida la suya y gracias por las canciones, Jaime Keller. De pocos se puede decir eso.

P.S. El "álbum perdido" de Size, Nadie puede vivir con un monstruo, finalmente fue publicado en 2018 por Cleopatra Records.

música en la nube

Apple y Google contra Spotify

Hablábamos aquí, al final de la entrada Música con y sin envase, sobre los servicios de música en streaming (o "en la nube", la que haces sonar en línea sin descargarla). La hipotética carrera para dominar ese mercado es entre Apple y Google. Hipotética porque no hay anuncios oficiales, pero sí evidencia de sus negociaciones con las disqueras. La meta es dar un servicio similar al que varios países europeos conocen desde 2008 con Spotify.

En el caso de Google la carrera podría incluír detenerse un momento en el modelo de iTunes y sólo después entrar al streaming. Una pausa poco comprensible, considerando que la música en streaming a nivel mundial podría dejar en el pasado a iTunes. "Si lo hacen bien esto acelerará la transición de los consumidores, de música que debes tener a un acceso ilimitado a música" dijo en septiembre Ted Cohen, ex ejecutivo de EMI, a Reuters.

En el caso de Apple los rumores no son sólo sobre un nuevo servicio de streaming, también sobre dificultar la entrada de Spotify a Estados Unidos (y de ahí al resto del mundo). ¿Qué tiene que temer Apple si domina el negocio de la música en línea? Basta leer la reseña de Spotify en BoingBoing.net: Dos semanas con Spotify (Veredicto: sencillamente funciona).

El caso Spotify

En los primeros meses de Spotify los comentarios eran que esa cosa tenía truco. Que probablemente era como esas dotcoms de la segunda mitad de los noventa, que aparentaban innovación y buen negocio por un tiempo para ser compradas por una empresa grande, y luego se descubría que no eran rentables.

La estrategia sonaba demasiado bien para ser real. El caso es que no se hundió y mantiene contratos con las cuatro disqueras grandes.

La segunda oleada de sospechas tuvo que ver con esos contratos con disqueras. Si para estar con Spotify necesitas una disquera eso significa un retroceso para la música independiente, esa era la crítica. Pero sucede que si un músico tiene su álbum o sencillo en cualquier sitio de descargas legales, así sea CDBaby, para Spotify cuenta como tener disquera.

Supongo que ese formalismo está ahí sólo para que no suban cualquier jam o improvisación que grabaron una madrugada en estado inconveniente. El extremo en este sentido es que una amiga sólo encuentra ciertos tracks de Billy Childish en Spotify.

Las críticas de este año tenían que ver con la poca ganancia que les quedaba de Spotify a los artistas. El epítome era Lady Gaga: por una de sus canciones tocada millones de veces en ese servicio recibe una cantidad que no alcanza para comprar uno de sus atuendos. La solución sería avisarle "oiga, nadie la obligó a firmar con Universal, si se sale de la disquera se entiende directamente con Spotify y ya no reparte el cheque con nadie".

Servicios freemium y premium

Esto último en realidad no es viable, menos para alguien que busca llenar arenas y aparecer en cada talkshow famoso. Sólo sería viable si la música en streaming fuera la norma, y si los proveedores de la música en streaming fueran los que controlaran todo el negocio, desplazando a las disqueras o absorbiéndolas. No es una posibilidad exagerada: actualmente las disqueras no dan con una solución para la debacle en ventas, y en iTunes es Apple quien impone las condiciones y los precios.

Lo que no le dijo Ted Cohen a Reuters es que la transición de los escuchas de la descarga al streaming también depende de qué ofrezca gratis el streaming. En We7 y Spotify el mejor servicio es para los suscriptores, pero se puede acceder a música de manera gratuita, sin sonido de alta fidelidad y con publicidad intercalada. Poseer las ventajas del streaming aunque sea con publicidad sería suficiente para que decayeran las descargas "ilegales".

Y en esta modalidad los socios reciben beneficios de la publicidad pagada (un anuncio en un servicio de streaming respaldado por Apple debería venderse muy bien) y la difusión. De las descargas "ilegales" no reciben ni un centavo. En cuanto a las disqueras, si planean seguir negociando al modo del siglo XX podrían convertirse en una reliquia del siglo XX.

Por lo pronto parece difícil que Apple quiera dar algo gratis con publicidad. Cruzo los dedos para que Google lo haga (tiene años haciéndolo en video y es parte de su éxito). Eso o que Spotify pueda saltar los obstáculos para llegar a todo el mundo.

música, con y sin envase

Palabras de Artie Mogul, el hombre que metió a Bob Dylan a Warner Brothers Publishing:

Dylan, casi sin ayuda, eliminó Tin Pan Alley, fue el primer artista que pudo grabar un álbum de diez o doce canciones siendo el compositor de todas las canciones. Antes de eso, si Nat Cole grababa un álbum de doce canciones, doce compositores diferentes y doce editoriales diferentes hacían esas canciones.

Tin Pan Alley

La zona llamada Tin Pan Alley, en Nueva York, fue el epicentro de la música popular estadounidense desde fines del siglo XIX hasta la llegada del rock and roll. El Hollywood de la música pop antes de que se llamara pop. Los compositores llevaban sus canciones, se imprimía la partitura y se distribuía. Después el proceso incluyó la publicación de discos con intérpretes famosos.

No existía el prejuicio, común ahora, que considera al cantante que no escribe sus propias canciones como un intérprete menor o "prefabricado". Como en la música tradicional y en la ópera, había compositores e intérpretes, dedicarse a una de esas labores era una carrera completa.

Dylan no mató solo al sistema de Tin Pan Alley. Pero haber estado en ambos modos de creación musical, el de Tin Pan Alley y el del rock and roll (compositor a sueldo pero también intérprete) lo hace uno de los principales sospechosos. Durante los sesenta y setenta Motown trabajaba con un sistema parecido, y quedan algunos elementos de él en la industria actual.

El álbum

Por álbum no me refiero a un solo tipo de objeto (vinil, cinta o CD) sino a la colección de canciones reunidas bajo un mismo título.

No hace falta repasar la celebridad del formato álbum. Lo que no queda claro es si fue recomendable meter toda la producción de música popular de la segunda mitad del siglo XX en el formato álbum.

Dylan, Townshend y Lennon podían hacer periódicamente decenas de canciones y convertirlas en álbum. Pero por cada uno como ellos había cientos que no podían hacerlo (o tenían que reclutar a varios compositores y productores), y sin embargo todos sacaron álbumes. No únicamente sencillos o EPs como hacían Elvis y sus contemporáneos al iniciar sus carreras.

Así ha sido por cincuenta años. Intérpretes y managers que le apostaban a un sencillo, pero se sentían obligados a publicar álbumes, con la mayoría de las canciones compuestas, grabadas y promocionadas para entregarlas al olvido.

Álbum vs sencillo

"Las corporaciones son burocracias y los administradores son burócratas. Su tendencia elemental es perpetuarse. Son, casi por definición, reacios al cambio". No son palabras de algún activista en contra de las corporaciones, son de Alan Murray del Wall Street Journal (The End of Management, agosto 2010).

Así lo explica: "las compañías que dominaban el mercado se han perdido oportunidades determinantes en cada industria —computadoras (de mainframes a PCs), telefonía (de fija a móvil), fotografía (de rollo a digital)— no por culpa de una 'mala' administración, sino precisamente por seguir las reglas de la 'buena' administración".

En el caso de la industria discográfica, obedecía los parámetros de la administración y se pasó medio siglo tirando dinero; como todos lo hacían parecía normal.

Una vez que empezaron, no dejaron de hacer álbumes para esos músicos que apenas podían ofrecer un buen single, o ninguno. Con cada década aumentó el tiempo que tomaba producir un álbum y la gente involucrada en él.

Durante el ocaso de Tin Pan Alley y el alba del rock and roll no había tal problema. Si un intérprete no funcionaba en la radio, nadie perdía gran cosa: sólo le habían grabado una canción y lo habían hecho en un día en un solo estudio.

El álbum en tiempos de streaming

Las disqueras han lamentado su suerte desde el día que apareció Napster, hace más de diez años. ¿Y si el surgimiento de las descargas peer-to-peer significaba que había que cambiar la estrategia?

En las descargas de paga y la música en streaming, los usuarios escogen canciones y arman listas personales. Aunque las canciones estén organizadas en álbumes, ya no son adquiridas o escuchadas como álbumes, no necesariamente.

Las disqueras ya no tenían por qué sentirse obligadas a manufacturar álbumes (en realidad nunca estuvieron obligadas) como exipiente CBP (como en los medicamentos, "cantidad bastante para") un par de singles.

Además de liberarse del álbum y la manufactura, en estos servicios pueden colocar todo su catálogo, incluso lo que no pensaban reeditar físicamente y que sí tiene seguidores.

Kevin Kelly sobre las ventajas del streaming

iTunes ha tenido varios buenos años, pero no hay garantía de que sean muchos más.

Carece de interés para los coleccionistas de música, tampoco ofrece nada muy distinto de lo que los usuarios descargan por otros medios. Ahora hasta las apps para iPhone le ganan el mercado.

La música en streaming, como la que ofrecen Spotify, We7 o la estaciones de LastFM, es un caso aparte. Sobre las ventajas que encuentran los usuarios en esos servicios, cito unas líneas de Kevin Kelly:

Para mucha gente este tipo de acceso instantáneo y universal es mejor que ser dueño de algo. No existen las responsabilidades de cuidar, respaldar, catalogar, depurar o almacenar. Al ganar en accesibilidad los libros, la música y las películas van camino de convertirse en bienes sociales incluso si no se pagan mediante impuestos. Better than Owning (enero 2009)

Apple vs Spotify

En el caso de Spotify, gusta a los escuchas y sí paga a las disqueras (los artistas siguen llevándose la peor parte, pero eso provinene de su contrato con la disquera). Podría dominar la música en línea o la música a secas, y quizá habría sido la solución si se hubiera implementado desde el principio. Pero ha llegado tarde y sólo está disponible en algunos países de Europa.

El candidato ideal para tomar la idea de Spotify (un catálogo enorme para escuchar al momento) y venderla a todo el mundo es Apple. De hacerlo en el momento correcto, es una jugada que incluso podría dejar fuera a las disqueras.

Los rumores volvieron a sonar antes de la presentación que haría Steve Jobs esta semana, pero las novedades resultaron decepcionantes: sólo le agregó una red social a iTunes, llamada Ping. Otra oportunidad perdida, o postergada, en el negocio de la música. Luego se andan quejando.

the mocks - m is adventure

Con mayo termina la cuenta regresiva en el sitio wemocks.com, sale M is Adventure, el nuevo álbum de The Mocks, continuación del EP M is Correct (2008), disco de synthpop que mereció los mejores comentarios lo mismo entre blogs especalizados que en la prensa tradicional.

No hace mucho mencionamos aquí a The Mocks, en la entrada "Música mexicana para descargar", pues todas sus grabaciones se distribuyen gratis en línea.

Lo primero que hay que decir es que este disco incluye dos grandes momentos, "Bare Minimum" y "Flaunt", y que ambos hablan de ilusiones generacionales y cierta feliz artificialidad que las acompaña.

La primera es una declaración de derrota, del pequeño que soñaba con ser astronauta y termina en el área de atención a clientes. El segundo describe a una mega-estrella pop que bien podría ser un idoru de William Gibson, con pestañas postizas Shu Uemura y maquillaje metálico, de quien el público espera la mejor noche de sus vidas.

Como es de rigor en el buen pop, otras canciones son sobre relaciones sentimentales. Resulta significativo que tratan sobre el gozo de encontrar a alguien ("Golden Ring", "Lush") o sobre la resistencia a dejarse hundir porque una relación ha terminado ("On My Own", "You Made Me Change"). De autocompasión aquí no hay nada. Mención especial en esta línea para "On My Own", en esa bendita tradición de "música triste que se puede bailar".

Porque en M is Adventure todo se puede bailar. Ritmo sintético, instinto melódico profesional y un registro emocional alto.

Más que en el alud de synthpop con voz de chica que vivimos el año pasado, los encuentro influenciados por combos clásicos como Yazoo y OMD. Esta última referencia resulta obvia, dado que el grupo grabó un cover de Enola Gay en Rewind 2.

The Mocks son Ela y Blodo, quienes tienen su base de operaciones en Monterrey. En vivo se les unen Carreta y Coché para convertirse en una alineación de rock, con guitarra, bajo, batería y teclados.

Esta transformación no es accidental, antes que entusiastas de un género, The Mocks son avezados songcrafters, hacen piezas que igual puedes silbar, tararear o poner en una fiesta. Ahora con mejor producción, estas canciones cumplen con la expectativa que había generado su primer EP.

soundcloud / youtube / m is correct / m is adventure

¿festivales patrocinados? depende de por quién

Terminado el festival MtyMx se ha comentado en diferentes sitios la pertinencia de que los eventos se hagan con o sin patrocinio. Con respecto a los patrocinios, hay mucha diferencia dependiendo de dónde se tomen. Aquí dejo una cita de Ricard Robles, organizador del Sónar en España (Rockdelux 263). La mayoría de los festivales españoles ya tienen junto a su nombre el de alguna otra marca (lo que no parece haber dañado su modo de trabajo), pero se andan con cuidado con el patrocinio gubernamental. Los directores del Primavera Sound y el FIB critican en ese mismo número el modo en que el patrocinio estatal infla artificialmene los costos, y Ricard tiene todavía otra queja al respecto:

A priori, no parece mala idea que haya festivales en todos sitios, forma parte de la democratización de la música, pero ¿a costa de qué se está haciendo? Ha entrado mucho dinero público. ¿No sería mejor que esas dotaciones fueran a parar a infraestructuras que enriquezcan el tejido cultural de este país, en vez de dedicarse a grandes eventos millonarios que tienen una vida efímera y una trascendencia escasa en la cultura de ese territorio? Me parece una mejor idea que ese dinero se destine a crear equipamientos o una infraestructura mínima que después vayan a disfrutar los grupos de la zona, como por ejemplo un lugar donde puedan tocar o crear una emisora de radio que les pudiera dar mayor difusión.

el festival mtymx

Hoy termina el MtyMx, festival de tres días organizado por Todd P y YoGarage en el Autocinema Las Torres de Monterrey.

El festival de Todd P en Monterrey

Durante el fin de semana el MtyMx fue marcado por cancelaciones, retrasos y poco público (pensado para 2000 personas, a simple vista el festival tiene unas 500), pero también por presentaciones como las de Acid Mothers Temple, Kria Brekkan, Dan Deacon y Andrew WK.

Las bandas extranjeras iban a ser transportadas desde Austin a Monterrey, pero la poca distancia entre las dos ciudades fue para algunas una jornada entera, mientras que otras prefirieron cancelar.

Anoche al micrófono Todd P colocó a la inseguridad de la ciudad como la principal razón para las cancelaciones, si bien en una entrevista con The Village Voice reconoció errores de organización: "no nací para manejar una línea de autobuses, de eso me doy cuenta ahora".

Explicaciones como la que dejó el grupo Kit en MySpace confirman estos problemas.

Entre los que se cayeron de cartel están No Age, Pocahaunted, Fucked Up, Washed Out, Anamanguchi, Lucky Dragons, Tanlines, Grant Hart, Beach Fossils, Javelin, Pictureplane y Small Black. Mientras tanto, en el MtyMx, los ajustes a la lista de bandas eran colocados en carteles pero no anunciados en el sonido local.

Kría Brekkan

La primer cima del sábado, todavía por la tarde, fue la ex-múm Kría Brekkan. Al modo de Julianna Barwick o Juana Molina, la islandesa (ahora neoyorkina) tomaba muestras de su voz y formaba con ellas loops, mantras y coros.

Al mismo tiempo, con sus movimientos, gesticulación y vestimenta (llegó a envolverse en su larga falda para una de las canciones) daba un performance espontáneo. Sólo al final recurrió a la guitarra para sacarle algo de folk etéreo.

El público que antes andaba entre quejumbroso y platicador se le cuadró.

Los Planetas

Entrada la noche, Los Planetas batallaron con el ingeniero de sonido para que apenas se escuchara la voz. A Jota no se le entendía ni jota.

Eso y un set cargado hacia el disco La leyenda del espacio (aunque sí sonó "Un buen día") hicieron anticlimática su actuación.

Acid Mothers Temple

Mientras Los Planetas vivían la tragedia del sonido podías ver a un japonés de largas canas paseando sobre el segundo escenario, como capitán colmilludo esperando que el viento sople de nuevo. Y sopló.

Acid Mothers Temple llegaron como cuarteto y con su sonido más user friendly. Claro que en el caso de Kawabata Makoto eso significa estallidos de psicodelia de 20 minutos, sin respiro.

Una guitarra terminó ensartada en una de las torres de iluminación, la otra hecha una lástima en el piso.

Hubo gritos llamándolos lo mejor del festival. Y sí.

Otros a destacar del sábado

Explode Into Colors, banda de tres chicas que consiste únicamente de sección rítmica y voz. El indie rock de libro de texto de Male Bonding y el pop electrónico sin prisas de Wet Hair (fino, pero pasó desapercibido para un público muy enfiestado).

Se celebró mucho al hiphop de Das Racist y el punk de las Coathangers, pero sospecho que la reacción tenía más que ver con su actitud.

Otros presentes: Coasting, Drawlings, El Resplandor (la banda más interesante de México en estos días), Teengirl Fantasy, Soho Riots, Videohippos, Yo Linares y Lázaro Valiente.

Telepathe

Las actividades del domingo comenzaron a la una de la tarde, con sesiones de danza contemporánea que incluyeron a Busy Gangnes.

Telepathe (el dueto donde Busy toca percusiones y canta) se presentó poco después, con un set sobrio y efectivo, donde se perdieron algunos de esos sonidos planeadores de synthe que hay en el álbum.

Dan Deacon

En la noche Dan Deacon se salió de guión en todos los sentidos.

Hizo de comediante, también siguió mezclando su música abajo del escenario y terminó ganándose a los que aguantaban el frío.

Otros a destacar. Andrew WK prometía fiesta y la dio. Ringo Deathstarr nos recordaron que el shoegaze no se lleva bien con las presentaciones en vivo, mientras que Piyama Party, banda con ecos de Los Planetas, tuvo mejor ecualización que Los Planetas. También presentes: Los Fancy Free, Antoine Reverb, White Ninja, Los Llamarada y Los Margaritos.

Hoy lunes comenzaron con High Places, les seguirá una decena de bandas y por la noche cierran Neon Indian, HEALTH y Liars.

Ver videos del festival

alex chilton 1950-2010

Como muchos de mi generación, conocí a Alex Chilton por medio de This Mortal Coil, los covers de Kangaroo y "Holocaust" en el disco It'll End In Tears. Luego descubres que esas canciones vienen del Sister Lovers (también llamado Third) de Big Star, la banda de Chilton, una maravilla con música para todo estado de ánimo y para transformar todo estado de ánimo. La clase de cosas para las que se inventó el rock.

los festivales de marzo y abril

No eran ningún secreto los festivales que se organizarán este marzo en Monterrey aprovechando la concentración de músicos en el SXSW. Pero esta semana es cuando más ruido han hecho, luego de que se confirmara la presentación de Acid Mothers Temple y Andrew W.K. en el MtyMx All Ages Festival of Art and Music.

El MtyMx será del 20 al 22 de marzo, organizado por el promotor neoyorkino Todd P y los locales Garage. Además de Acid Mothers Temple y Andrew W.K. están confirmados Dan Deacon, Telepathe, High Places, Grant Hart (Hüsker Dü), No Age, los Fancy Free, Pocahaunted y varias decenas de bandas, además de artistas visuales, diseñadores, disqueras y editoriales independientes. Aquí pueden ver las notas que han publicado A.V. Club y Pitchfork sobre este evento.

Una semana antes, el 13 de marzo, llegan YACHT, Daedelus, Banda de Turistas y Sébastian Schuller, entre otros, al Festival Nrmal 2010. En éste también habrá videoarte y artistas urbanos como Eltono, Nuria Mora y Nano4814. Aquí está la nota que publicó Pitchfork al respecto.

Para seguir al tanto del MtyMx y el Festival Nrml visita We Shall Be Free, el blog sobre música en Monterrey.

Esos son los del marzo regiomontano. Del 23 al 25 de abril estarán Calexico, Corcobado, Empire of the Sun y más en el Vive Latino del Distrito Federal.

walter schmidt en el garage

A la una de la mañana del 30 de enero Walter Schmidt subió al escenario de Garage, en el Barrio Antiguo de Monterrey.

Como Carlos Robledo se había caído del cartel unas semanas antes, fue Ángel Sánchez quien presentó cada tema y acompañó con bajo y secuencias de laptop los sonidos que Schmidt sacaba al teclado.

Schmidt es una pieza clave del underground mexicano, lo mismo como periodista que como músico.

Desde fines de los setenta cultivó, en diversos grupos, géneros como el RIO (Decibel), el post-punk (Size) y el synthpop (Casino Shanghai).

En esta presentación dejó atrás esas historias e interpretó material relativamente reciente, de sus discos Bosque de niebla (2000) y Ríos de sangre (2005), más cercanos a la música concreta y la electroacústica.

En la conferencia de prensa dada un día antes en el Bar Reforma explicó que estos discos son temáticos. El primero gira en torno a la degradación del ambiente, el segundo es sobre el genocidio infantil a lo largo de la historia.

Ya en vivo, en una noche fría y tras una larga espera, Bosque de niebla le pareció demasiado abstracto al público.

Se veían unos a otros, seguían las pláticas. Mejor respuesta encontraron las piezas de Ríos de sangre, de sonido grave, denso y dramático.

La presentación duró una hora y tuvo una secuela la noche siguiente: un DJ set en la galería No Automático, que fue transmitido en vivo por Proyecto eMpTy (electronic positioning Monterrey).

the knife - tomorrow, in a year

Cuatro años después de Silent Shout, su tercer LP que los puso en la mira de todo el mundo, el grupo sueco The Knife presenta un nuevo disco en el que se inician en un género que es cercano a sus presentaciones dramáticas y estilizadas, pero con el que no estaban familiarizados: la ópera.
El disco es Tomorrow, in a Year y se los encargó la compañía danesa Hotel Pro Forma. Los hermanos Dreijer lo hicieron en colaboración con los artistas alemanes Mt. Sims y Planningtorock. Olof Dreijer reconoce sin pena que antes del encargo ni siquiera había asistido a una ópera, pero le entusiasmó el cambiar de aires en lugar de regresar con un disco convencional de The Knife. Lo que sea que signifique "convencional" hablando de este grupo conocido por su electrónica rítmica, oscura y gélida.

Tomorrow, in a Year se basa en la vida de Charles Darwin y la forma en que su Origen de las especies modificó la noción que la humanidad tenía del mundo. Para realizar la música Olof pasó una temporada en el Amazonas haciendo grabaciones de campo que luego incluiría en el sonido de la ópera. Ésta se estrenó el pasado septiembre en Copenhague y luego tuvo una temporada en Atenas, a la que seguirán otras en Estocolmo y Munster.

El disco saldrá a la venta en marzo y de momento ya puede escucharse uno de sus tracks, "Colouring of Pigeons", en theknife.net

anne briggs

Anne Briggs (Nottinghamshire, 1944) es la gran olvidada del folk británico. Comenzó cantando a cappella en pequeños clubes, todavía adolescente. Colega de The Watersons y de Bert Jansch, ahora la citan como influencia lo mismo David Tibet que Isobel Campbell. Sus primeras grabaciones fueron recogidas en el disco The Iron Muse (1963) junto a Bert Lloyd y Ewan MacColl. Al año siguiente sacó The Hazards of Love (EP con cuatro piezas tradicionales) y participó en el álbum de canciones eróticas The Bird in the Bush. Tres LPs más tarde y luego de una década de vida nómada (a veces viajando en un coche tirado por caballos), se retiró en 1973 a las Hébridas y no volvió a grabar más discos.